20. The Gunner’s Dream (1983)
The Final Cut es un disco que cuesta escuchar: le faltan melodías memorables, tiene voces principales tensas y estranguladas, y su visión del mundo hace que todos los demás álbums de Pink Floyd parezcan optimistas y alegres. Pero The Gunner’s Dream destaca entre la oscuridad, gracias a una melodia frágil y conmovedora.
19. Wot’s … Uh the Deal? (1972)
Opacado por los álbumes que vinieron antes y después, Obscured by Clouds quizás sea el lanzamiento más infravalorado del catálogo de Pink Floyd: contiene experimentos instrumentales fantásticos, señales musicales de lo que sería The Dark Side of the Moon y, en Wot’s … Uh the Deal?, una balanda beatle-ra conmovedora, subestimada por su título tonto.
18. Grantchester Meadows (1969)
En el mundo de Pink… Nick Mason, Dave Gilmour, Rick Wright y Roger Waters en 1968. Fotografía: Michael Ochs Archives/Getty Images
La mitad de estudio de Ummagumma es un desastre – una banda buscando dirección sin éxito – pero contiene un triunfo inequívoco: la evocación de Roger Waters de los prados a las orillas del Río Cam, su calma pastoral mezclada con una sensación curiosa de amenaza, como si algo desagradable acechara en la maleza.
17. Cymbaline (1969)
La banda sonora de More contiene de todo, desde proto-heavy metal y falso flamenco hasta solos de bongó. Pero Cymbaline – con sus coros elevados y una coda dominada por Rick Wright – es espléndida y extrañamente premonitoria: “Apprehension creeping like a tube train up your spine” suena como una letra de Dark Side of the Moon que llegó cuatro años antes.
16. Louder Than Words (2014)
La última canción de The Endless River, el último álbum de estudio de Pink Floyd, es, con diferencia, la mejor canción de su era post-Waters: es elegíaca y preciosa, y la letra de Polly Sampson sugiere de manera conmovedora que la música de la banda finalmente silenciará los agrios conflictos públicos entre sus miembros. Irónicamente, unos años después de su lanzamiento, volvieron a criticarse públicamente: plus ça change.
15. Fat Old Sun (1970)
Los experimentos corales de la larga pieza principal de Atom Heart Mother atrajeron la mayor atención, pero su mejor momento estaba escondido en la cara B: un suspiro de melancolía inglesa de finales de agosto, totalmente encantador, que sonaba como country rock a la manera de Parker’s Piece.
14. Run Like Hell (1979)
El rock duro nunca fue el fuerte de Pink Floyd – para prueba, mira la pesada The Nile Song de 1969 – pero Run Like Hell es la excepción que confirma la regla: es poderosamente claustrofóbica y paranoica, impulsada por un ritmo implacable con influencias disco y la guitarra con eco de David Gilmour (inspirada por los violonchelos de Good Vibrations de los Beach Boys).
13. Brain Damage/Eclipse (1973)
Pink Floyd tocan en el Merriweather Post Pavilion, Columbia, Maryland, junio de 1973. Fotografía: Smith Collection/Gado/Getty Images
A pesar de su salida en 1968, Barrett parece acechar el medley final de Dark Side of the Moon. Los versos inquietantes de Brain Damage, que recuerdan a una canción infantil, suenan distintamente barrettianos; las letras aluden a su declive. La canción también es extrañamente equívoca: el clímax épico de Eclipse se ve socavado por el portero de los estudios Abbey Road, Gerry O’Driscoll, refunfuñando “there is no dark side of the moon, really”.
12. Dogs (1977)
Animals es una escucha dura pero potente: su tono relentemente desolado y desdeñoso es una expresión de la frustración y el malestar de mediados de los 70 tanto como lo fue el punk. Dogs encarna el estado de ánimo lúgubre del álbum – sintetizadores chirriantes interrumpen las secciones tranquilas, las letras son una diatriba de misantropía y desesperanza – y su poder sombrío: los solos de guitarra de Gilmour son particularmente ardientes.
Un cerdo inflable de 12 metros suspendido entre dos de las chimeneas de la central eléctrica de Battersea, Londres, durante una sesión de fotos para la portada de Animals, 6 de noviembre de 1976. Fotografía: Keystone/Getty Images
11. Jugband Blues (1968)
La última resistencia de la formación original de Pink Floyd, un oscuro coda del verano del amor, y el sonido de los estragos psicológicos del LSD llegando al rock por primera vez. Barrett ofrece una descripción de su propia desintegración mental con una voz inquietantemente vacía, una banda del Ejército de Salvación irrumpe en un caos libre: es perturbador y extraordinario.
10. Us and Them (1973)
Basada en una pieza de Wright rechazada de la banda sonora de Zabriskie Point por ser “demasiado triste”, el tono de Us and Them es totalmente derrotista: el coro parece alguien intentando animarse a la acción antes de hundirse de nuevo en un sopor abatido. Pero también es excepcionalmente hermosa, haciendo de la abatimiento algo exquisito.
9. See Emily Play (1967)
La gente que vio a la formación original de Pink Floyd en vivo a menudo dice que sus grabaciones de estudio eran demasiado pop para hacerles justicia. Pero eso apenas importa cuando las canciones pop eran tan originales y creativas como See Emily Play – la experiencia psicodélica comprimida en tres minutos fabulosos, un artefacto definitivo del verano del amor.
8. One of These Days (1971)
Después de unos años tentativos, Pink Floyd 2.0 finalmente encontró su rumbo en Meddle, algo que los miembros de la banda claramente supieron: construida alrededor del bajo cargado de eco de Waters, hay una actitud bravucona y segura en el tema de apertura One of These Days. Si quieres escuchar a Depeche Mode rindiendo homenaje, escucha Clean de Violator.
7. Set the Controls for the Heart of the Sun (1968)
La señal más obvia de que había vida después de Barrett en A Saucerful of Secrets, Set the Controls… era larga, parcialmente improvisada, hipnótica (y una gran influencia en la escena krautrock naciente), pero resueltamente no era música para relajarse y fluir: es demasiado inquietante y perturbadora.
6. Shine on You Crazy Diamond (Parts 1-5) (1975)
Pink Floyd es sinónimo de rencor interno, pero una vez funcionaron perfectamente como una unidad simpática. La larga introducción instrumental de Shine on You Crazy Diamond es una obra maestra de ambientación: los teclados de Wright y la guitarra afligida de Gilmour fijan perfectamente el estado de ánimo para la llegada de las letras de pérdida de Waters.
5. Astronomy Domine (1967)
El Pink Floyd psicodélico de Barrett en pleno poder: suenan crudos y viscerales, como una banda de garaje de Marte. La guitarra de Barrett es asombrosamente inventiva, las letras arrojan referencias a planetas, cómics y Shakespeare en un torrente lisérgico: tiene casi 60 años y sigue siendo increíblemente emocionante.
4. Echoes (1971)
El número culminante indiscutible del Floyd post-Barrett y pre-Dark Side, Echoes era esencialmente un conjunto de fragmentos musicales cuidadosamente ensamblados, aunque nunca lo notarías: desde su intro gélida hasta un final triunfante, sus 23 minutos fluyen sin esfuerzo. La guitarra es lírica y expresiva, los versos melancólicos son hermosos, el interludio ambiental es inquietante: lo tiene todo.
3. Comfortably Numb (1979)
Vendió 30 millones de copias, pero The Wall todavía divide opiniones: ¿obra maestra alienada o monumento insufrible al solipsismo de las estrellas de rock? Pero todo el mundo parece estar de acuerdo con Comfortably Numb: su transición de versos nostálgicos (pero vagamente amenazantes) a un coro dichoso (pero ligeramente desconcertante) es emocionante, y el solo de guitarra catártico es una maravilla.
2. Time (1973)
Es difícil elegir un momento culminante de Dark Side of the Moon, pero Time es la canción que tiene el mayor impacto emocional. Una meditación sobre el envejecimiento escrita por un hombre aún en sus 20 debería sentirse inmadura y especulativa; en cambio, las letras de Time se vuelven más impactantes cuanto mayor te haces.
1. Wish You Were Here (1975)
Tan simple y directa como lo fue Pink Floyd en los 70, lo que podría explicar por qué todo el mundo la ha versionado, desde Sparklehorse y Thom Yorke hasta la banda de metal Avenged Sevenfold y – ¡sí! – Susan Boyle. O quizás es porque, desde su riff de apertura hasta su solo final de guitarra y voz scat, es una canción increíble. Las letras de Waters son profundamente personales – dirigidas a Barrett, primero se preguntan si él cometió un error al retirarse de la música, luego se derrumban en un suspiro de remordimiento – pero hay una universalidad conmovedora en su sensación de pérdida y arrepentimiento. También hay una calidez y empatía notablemente ausentes en el trabajo posterior de Pink Floyd.