La banda de Brooklyn, Bedridden, está emocionada de compartir su álbum debut “Moths Strapped To Eachother’s Backs”, lanzado hoy a través del sello discográfico Julia’s War Recordings. Con singles como “Etch”, “Chainsaw” y “Philadelphia Get Me Through”, el álbum desafía los límites con guitarras pesadas y distorsionadas complementadas por la voz desaliñada pero lánguida del líder y guitarrista Jack Riley. Cada pista lleva el ruido, elevando el paisaje sonoro en un estado de suspensión antes de estrellarse, llevando a los oyentes en el viaje.
“’Moths’ es de lejos el proyecto más desarrollado en el que hemos participado”, explica el líder de la banda, Jack Riley. “Realmente nos tomamos nuestro tiempo desde la concepción de una idea o riff hasta la reconstrucción final de la canción. Aunque las canciones suenan meticulosas y formuladas, surgieron más como un flujo de conciencia de mí mismo, Nick y Sebi. Las melodías tenían sentido para nosotros y las actuaciones se destacaron como resultado. Quiero agradecer a Aron por producir, a Wesley por unirse a la banda y a todos los demás que me inspiraron, para bien o para mal. Siento que este álbum resume mi fallo al confiar en mí mismo y en los demás durante los últimos dos años, y ahora que está fuera, finalmente puedo dejar algo de negatividad atrás.”
A lo largo de un año destacado que los llevó a ser nombrados uno de los “Hot for 2025” de la revista Hot Press y su aclamado sencillo The Mountain incluido entre las Mejores Canciones de 2024 de District Magazine, Cushla regresa con el nuevo sencillo poderosamente conmovedor 7 Years, disponible el 25 de abril. La canción sirve como la principal oferta de su próximo álbum debut Tech Duinn, también lanzado el 25 de abril a través de Foehn Records.
7 Years ve a Cushla reinterpretar una clásica balada folclórica rota, infundiéndola con su característico estilo de vocales sean-nós, sintetizadores analógicos y texturas electrónicas superpuestas. Impulsada por la voz etérea de la celebrada cantante sean-nós Nell Ní Chróinín, la canción fusiona instrumentación tradicional irlandesa, como gaitas, violines y zumbidos, con máquinas de ritmo pulsantes y paisajes sonoros ambientales inquietantes. El resultado es una interpretación profundamente atmosférica y emocionalmente rica que habla tanto de anhelos antiguos como de resonancias contemporáneas.
El tono oscuro y cinematográfico de la canción destaca la dedicación de Cushla a honrar la rica herencia cultural de Irlanda mientras empuja sus límites sonoros hacia nuevos territorios desafiantes de género.
El próximo álbum Tech Duinn se basa en el mundo sonoro que Cushla presentó en sencillos anteriores como Ar Casa y The Mountain, ambos aclamados por su innovadora fusión de tradición irlandesa antigua con técnicas modernas de producción. El álbum promete adentrarse más en los temas míticos, lingüísticos y emocionales que han definido el sonido de Cushla hasta la fecha.
Con un nombre que hace referencia al otro mundo celta, un lugar entre la vida y la muerte, el mito y la memoria, Tech Duinn es un viaje conceptual que invita a los oyentes a cruzar umbrales musicales y explorar los espacios liminales entre la tradición y el futurismo.
Amira Jazeera, una artista y productora queer palestino-estadounidense con sede en la vibrante ciudad de Chicago, emerge como una voz distintiva en la escena musical contemporánea. Criada con un ferviente amor por la música pop, la artesanía de Amira es una mezcla armónica de influencias de los años 80 y 2000, con voces potentes, melodías pegajosas y producción contemporánea de R&B/pop caracterizada por una profundidad emocional, matices seductores, muestras árabes de los 00 y himnos empoderadores.
Más allá de las complejidades de su música, Amira es una pionera. Su viaje se extiende más allá del ámbito del sonido, ya que desafía audazmente las normas sociales, rompe barreras y fomenta la inclusión dentro de la industria.
Impulsado por una musicalidad excepcional y el deseo de crear una experiencia auditiva auténtica e intoxicante, Zeitgeist Freedom Energy Exchange ha asegurado su estatus como uno de los actos en vivo más fascinantes en la escena de clubes, habiendo actuado en Church Of Sound, We Out Here Festival y Melt Festival (por nombrar algunos).
En el corazón de este álbum doble, y en medio de la intensa lucha interna entre el instinto creativo y la razón artística, Ziggy ha identificado dos temas clave: Inspirar y Radicalizar. Es dentro de esta dualidad que las 15 pistas de este nuevo trabajo, grabado entre Berlín y Londres a lo largo de enero de 2024, toman forma. A lo largo de su creación, la tripulación reclutó un conjunto familiar de materiales, buscando máquinas de hacer música oscuras y vintage, encontrando una miríada de percusiones y tambores con la nueva adición de la guitarra eléctrica mientras la banda se adentra en territorios inspirados en el disco y highlife. Para dar vida a este ambicioso proyecto, Ziggy reclutó un equipo de músicos con visión de futuro en toda Europa y el Reino Unido junto con viejos amigos y colaboradores de las bases en Melbourne, Australia: Lewis Moody (Energy Exchange Records), Szabolcs Bognar (Abase), Eric Owusu (Jemba Groove) y Tom Varrall (Jamie Cullum) forman la sección rítmica central junto con una larga lista de colaboraciones (de artistas como Oscar Jerome y Tom Driessler), haciendo que esta sea verdaderamente la encarnación más ambiciosa y diversa de ZFEX hasta la fecha.
A través del fuego y las llamas, Lilith Czar se encontró renacida. Ahora se prepara para emerger de las sombras con un nuevo sencillo fascinante. “POPSICLE” está listo para ser lanzado el 25 de abril y marca el primer lanzamiento independiente de Lilith. Es una canción de rabia y reclamación, de resiliencia y determinación.
“’POPSICLE’ es el punto de quiebre, el momento en que dejas de encogerte, suavizarte y remodelarte en algo que no eres solo para encajar en la agenda de otra persona”, comparte Lilith. “Es una canción para todas las personas a quienes les han dicho que su valía depende de cualquier cosa que no sea su propia fuerza. En su núcleo, se trata de destruir la caja en la que te dicen que encajes y rechazar la expectativa de conformarte”. Ella concluye: “Es una canción de desafío y, sobre todo, se trata de negarse a comprometer tu integridad.”
Desde hace más de medio siglo, el himno de 1969 de Norman Greenbaum “Spirit in the Sky” ha cautivado a oyentes de todas las generaciones con su energía eufórica y su audaz sonido que desafía géneros. Ahora, Craft Recordings celebra el legado desafiante de la era de la canción con dos lanzamientos especiales: un nuevo mix de Dolby Atmos® del sencillo disponible para transmisión/descarga hoy y una reedición en vinilo del álbum debut caleidoscópico de Greenbaum, “Spirit in the Sky”, que llegará el 13 de junio.
Fuera de circulación durante mucho tiempo, el debut de Greenbaum de 1969 regresa al vinilo en un estuche réplica con lacas cortadas de las cintas originales (AAA) por Kevin Gray en Cohearent Audio. Anclado por su amada y icónica pista principal, “Spirit in the Sky”, el álbum fusiona rock, gospel y psicodelia, presentando joyas ocultas como “Marcy”, “Tars Of India” y “Skyline” que destacan el estilo distintivo de composición de Greenbaum. Mientras tanto, el sencillo Dolby Atmos brinda a los fans la oportunidad de experimentar “Spirit in the Sky” en audio espacial trascendente. Haz clic aquí para reservar y transmitir ahora.
En este momento de la historia, a veces puede sentirse como si cualquiera pudiera hacer cualquier cosa en cualquier lugar. Uno podría argumentar que la ubicuidad de los programas informáticos, estaciones de trabajo digitales, plug-ins, bancos de muestras y sintetizadores de software amenazan con borrar cualquier sentido particular de lugar en la música, y en la música electrónica en particular. Por eso Gryphon Rue corta una figura tan notable en la música contemporánea.
El último álbum completo de Rue, “I Keep My Diamond Necklace in a Pond of Sparkling Water”, rebosa de texturas complejas y contrastantes que son sorprendentemente vívidas, evocadoras de los bosques y campos alrededor de la antigua colonia de bungalows en lo profundo de los Catskills donde Rue vive y graba. El compositor y artista interdisciplinario encuentra inspiración, y material de origen, en el mundo que lo rodea. El aullido de los coyotes o un coro de ranas peeper se distorsiona y se enreda alrededor de ritmos pulsantes nacidos de campanas arqueadas, sierras cantantes, contrabajos eléctricos arqueados, flautas, sintetizadores, gongos, y más. El proyecto de Rue, al menos en parte, es el de la construcción de un mundo, algo así como Nurse With Wound o la escritura de Ursula K. Le Guin o su Música y Poesía de los Kesh con Todd Barton. Llamar a esta música algo en particular es venderla corta, porque es un ecosistema de sonido.
Muchos artistas afirman hacer arte que es onírico, pero Gryphon Rue parece haber captado algo esencial sobre lo onírico: soñar es una actividad psíquica, ciertamente, pero también es fundamentalmente física. El soñador permanece enredado con sus sentidos, indiscutiblemente en el mundo físico. La música de Rue se crea de una manera que se asemeja a esto y, de hecho, se siente así. En “I Keep My Diamond Necklace …”, Rue presta gran atención a cada objeto con el que trabaja, ya sea flauta, xilófono o Casiotone. Estos objetos se utilizan para producir sonidos, que suben y bajan, de modo que puedan inducir en el oyente un trance. Esto es esencial para Rue, quien dice que espera que la música “absorba pequeños detalles que se magnifican y se vuelven precisos, una vez que uno se desacelera y cruza a este estado de trance”. “I Keep My Necklace …” rebosa de este tipo de detalles.
https://gryphonrue.bandcamp.com
Shunkan, el proyecto de rock con sede en Los Ángeles de Marina Sakimoto, está emocionado de compartir “Prettier”, el tercer sencillo de Kamikaze Girl, su nuevo álbum que se lanzará el 6 de mayo de 2025 a través de Rite Field Records. “Prettier” está lleno de significado, con letras sinceras que luchan con la auto-identidad mientras navegan por la complejidad de las relaciones. La canción pasa de la melancolía a la ira, comunicada por pulsaciones iniciales lentas que se transforman en una guitarra emocional y áspera.
“Originalmente, Prettier no tenía un estribillo como lo tiene ahora, y Alex (Newport) realmente me animó a encontrar una melodía que complementara el resto de la canción”, explica Sakimoto. “Naturalmente, tiendo a escribir ganchos de chicle, y me preocupaba que pudiera limitarme, pero he aprendido a aprovechar mis fortalezas mientras aún me siento libre de explorar. Prettier se siente como un nervio expuesto, pero espero que resuene con cualquier otra persona que sienta que no encaja en las convenciones.”
https://www.youtube.com/@Shunkan/featured
El visionario de folk alternativo George Houston ha anunciado oficialmente el lanzamiento de su muy esperado cuarto álbum de estudio, ‘TODC (The Original Death Card)’, programado para el viernes 13 de junio de 2025. Grabado en los Black Barn Studios de Paul Weller, tras un año vertiginoso de giras con el legendario músico por Norteamérica e Irlanda, TODC es el proyecto más audaz y personal de Houston hasta la fecha.
Para marcar el anuncio, Houston lanzará el sencillo principal del álbum ‘Hey Arnold’ el viernes 18 de abril, tomado de su próximo EP de verano DragQueen. Inspirado en los himnos de desamor de los años 60 y teñido con su distintivo toque pop vintage, Hey Arnold hace eco del alma agridulce de Do You Know the Way to San Jose de Dionne Warwick, reimaginado a través del lente singularmente queer e irlandés de Houston.
“Crecí escuchando pop de los años 60/70”, dice Houston. “Siempre he querido escuchar un buen himno de desamor en ese estilo clásico que represente a la comunidad queer.”
Hay una resistencia en la música de Blonde Maze, un tipo de fortaleza que habla en susurros y perdura mucho después de la última nota. No clama por atención ni sigue tendencias pasajeras. En cambio, atrae a los oyentes con un magnetismo suave, ofreciendo claridad emocional en un mundo lleno de ruido. En su último lanzamiento, “To Love Again”, Blonde Maze se une a Lizzy Land para una canción que respira un suave suspiro, una exploración de la renovación emocional después de la pérdida. Aprovecha la fuerza que se necesita para abrirse a la conexión, incluso cuando parece imposible.
Desde el primer golpe, “To Love Again” envuelve al oyente en calidez. Blonde Maze construye un paisaje sonoro donde la memoria y la posibilidad se entrelazan, con cada hinchazón de sintetizador y golpe medido llevando el peso de algo tanto recordado como aún no vivido. Las melodías brotan desde debajo de la superficie, superponiendo emoción con la moderación de un pintor. La voz de Lizzy Land flota a través de la canción con una sinceridad sin esfuerzo, como una voz suspendida entre la esperanza y la vacilación. Juntas, las dos artistas crean una especie de espacio sonoro seguro donde la vulnerabilidad emocional no solo es aceptada, es el único propósito.
Este sencillo sigue a “Never Dream” con Attom y “If I Stayed” con Modera, ambos de los cuales recibieron elogios por su producción texturizada e inteligente emocionalmente. Sin embargo, “To Love Again” se siente como un fortalecimiento de la voz artística de Blonde Maze. Hay un claro sentido de madurez aquí, no en ausencia de emoción, sino en la forma en que ha sido destilada. Cada lanzamiento de su próximo álbum revela otra capa, y con cada canción que comparte, la imagen se aclara: esta es música para personas que sienten cosas profundamente, que necesitan canciones que las entiendan.
En el último año, Blonde Maze se ha convertido silenciosamente en una de las voces emergentes más convincentes en la música electrónica y pop independiente. Su capacidad para combinar narraciones cinematográficas con una producción emocionalmente resonante llamó la atención de actores importantes. Fue elegida para musicalizar el documental Child Star de Demi Lovato, obtuvo colocaciones de sincronización en Netflix, Hulu y Disney, y fue reproducida más de mil veces en SiriusXM Chill. El apoyo de artistas como Above & Beyond, Elderbrook y Louis The Child ha seguido construyendo impulso a su alrededor, mientras plataformas como This Song Is Sick la han destacado como una a tener en cuenta por su capacidad para crear canciones “exuberantes, soñadoras y emocionalmente poderosas”.
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