En 2025, la Recording Academy finalmente introdujo una nueva categoría en los Grammy para Mejor Portada de Álbum. Es complementaria, pero distinta, a la de Mejor Envoltorio de Grabación, y tenía sentido que se anunciara el mismo año en que ese premio fue para BRAT – gracias, claro, al impacto de su portada. Es importante considera las obras de arte de los álbumes no solo en el contexto del envoltorio, sino en el mundo visual que rodea la música, lo cual puede extenderse a videos, mercancía e incluso fotos de prensa. Pero a veces, todo se reduce a una sola imagen. La portada puede comunicar más sobre un álbum que lo que un artista hace durante toda una campaña de marketing. Al preparar nuestra lista de las mejores portadas del año, recopilamos declaraciones de los artistas detrás de ellas – en muchos casos, las mismas personas que hicieron la música – para entender mejor cómo diferentes formas de arte se influyen mutuamente. Una vez más, esta es una lista sin clasificación que busca una especie de flujo estético, pero hemos destacado nuestras 10 favoritas.
Giant Claw, Decadent Stress Chamber
Después de unos años lanzando música como parte del colectivo Death’s Dynamic Shroud, Keith Rankin, co-director de Orange Milk, volvió al alias Giant Claw para *Decadent Stress Chamber*, una colección vertiginosa, maximalista y cinética de lo que él llama “pop libre”. Sin caer del todo en la categoría “hyperpop”, sí juega con cualidades hiperrealistas y de collage, que se reflejan en el arte de la portada pintado por su pareja y colaboradora de mucho tiempo, Ellen Rankin. “Nuestro proceso suele ser crear una imagen digitalmente, haciendo collage y aerógrafo de elementos que Ellen usará como referencia para una pintura final al óleo”, explicó Rankin a Our Culture. “Para *Stress Chamber* hicimos una sesión de fotos para la referencia de la pintura, así que todo excepto el gusano de la portada es en cámara; metimos un montón de luces dentro de un huevo de pascua transparente. La idea de la imagen llegó como un flash de inspiración, así que fue especialmente satisfactorio ver como se unía casi exactamente como se imaginó”.
Ian Nyquist, Gilded
El enfoque fluido de Ian Nyquist hacia la tradición se refleja en el cautivador arte de portada para *Gilded*, cortesía de Dylan Anderson. Ofrece una puerta de entrada a la fusión única del productor entre música electrónica y tradicional irlandesa, con sus bordes metálicos y su atmósfera oscura transformándose en el aire, como una criatura fantasmal (¿una liebre?) flotando y deformando simultáneamente el paisaje. Sin embargo, como la música de Nyquist, la imagen solo enfatiza las texturas suaves y orgánicas que forman su base misma, simplemente licuando cualquier simbolismo que puedan llevar.
Sunny War, Armageddon in a Summer Dress
Para la portada de su vivaz nuevo álbum *Armageddon in a Summer Dress*, Sunny War originalmente quería usar una fotografía de flamencos negros que vio en un viejo número de National Geographic – nunca supo que existían antes de verla. “Resultó muy difícil encontrar al fotógrafo y parecía poco probable que pudiera usar la foto para mi álbum”, explicó la cantautora en un comunicado a Our Culture. “Entonces intenté pintar una versión de la foto. Me gustó lo suficiente la pintura para colgarla en mi pasillo, pero no para usarla como arte del álbum. Por suerte, recordé haber conocido a la artista, ahora basada en Chicago, Adrienne Brown David. Vi su trabajo por primera vez en 100 Men Hall, un hito histórico afroamericano en Bay Saint Louis, MS, en el Chitlin Circuit y el MS Blues Trail. Estaba allí para tocar en el Booker Fest celebrando a James Booker, ‘el mejor genio del piano negro, gay, tuerto y adicto que Nueva Orleans ha producido nunca’. Adrienne hizo el póster para ese evento, que ahora reside en la pared de mi dormitorio. También hizo muchos murales más hermosos en ese espacio. La he seguido en Instagram desde entonces solo para ver sus retratos. Le conté la idea que tenía para la portada del álbum y ella hizo una pintura más hermosa de lo que jamás podría haber imaginado”.
Sophie Jamieson, I still want to share
En ‘Camera’, la primera canción de su llamativo álbum *I still want to share*, Jamieson canta sobre no poder conseguir que el enfoque aterrice, intentando abrazar la borrosidad. El enfoque es perfecto en la portada del álbum, que la muestra de espaldas a la cámara, mirando directamente al cielo. “Quería que la portada de este disco sugiriera ligereza, aire y movimiento constante, pero sin una trayectoria clara hacia la libertad”, nos dijo Jamieson. “Fue una de esas sesiones en las que no sabía exactamente qué buscaba pero sabía que lo encontraríamos, y supe lo que era cuando lo vi. Para mí, este álbum se siente como alcanzar una idea de libertad que en realidad es inalcanzable, pero con la que se puede bailar, explorar y moverse. Los colores azul y rojo se sintieron instintivamente representativos de este disco, equilibrando calidez y anhelo con desapego frío y una meta inalcanzable de finalmente aterrizar en el amor”.
Hannah Frances, Nested in Tangles
Cuando contactamos a Hannah Frances sobre la portada de su álbum anterior, *Keeper of the Shepherd*, ella habló de la idea de un “entierro personal en oración”, mientras que su continuación parece expandirse en todas direcciones. “Fue más lenta en coalescer: estaba pasando por mucha pegajosidad emocional, ansiedad y pesadez, así que esa fue mi expresión de sentir que necesitaba levantarme a mí misma de algo, mientras que creo que *Keeper of the Shepherd* era adentrarse en algo muy profundo, hundirse realmente en ello”, explicó en nuestra entrevista Artist Spotlight. “Por eso toda esa música tiene una gravedad o una densidad que se siente muy como estar en el suelo, en las raíces de algo, en la tierra y el musgo. A medida que este disco empezó a tomar forma, las imágenes visuales con las que jugaba líricamente – pájaros, el sol, el cielo, las ramas – todo era muy diferente a *Keeper of the Shepherd*”. Creo que por eso empezó a quedar claro en mi mente que la portada del disco definitivamente iba a ser árboles y ramas enredadas.
Frances experimenta la relación entre la música y lo visual como una especie de sinestesia. “Sabía que tenía que encontrar el árbol perfecto”, recordó. “Estuve a la caza de un árbol por casi un mes. Le pregunté a todos mis amigos en el país – tal vez iba a ir al sur y encontrar robles viejos y salvajes. Terminé yendo a la Costa Oeste, a California, donde sabía que había cipreses y robles increíbles. En esa época del año, era abril, así que la Costa Oeste y el Sur eran los únicos lugares con mucha vida, porque yo vivo en el Noreste, en Vermont, y en abril todo está prácticamente muerto. Pensé: ‘Necesito una portada pronto, así que creo que tengo que ir a California a encontrar los árboles perfectos.’ Pero yo siempre veía rojo y azul. Obviamente, es un poco obvio, porque hablo de árboles y ramas enredadas. No había otra forma de expresar este concepto.”
**Planning for Burial, It’s Closeness, It’s Easy**
La mezcla implacable de shoegaze, metal y ambiente de Planning for Burial difumina la linea entre la melancolía y el optimismo. La foto de portada, capturada por Megan Elyse Lloyd, pudo haber mostrado la vasta soledad del desierto, pero en cambio se centra en dos sillas que, a primera vista, parecen casi una escultura abstracta, una representación de una pareja que tuvo que dejar algo atrás. “Soy fan del trabajo de Megan desde que nos conocimos hace 12 años, cuando toqué con una de sus antiguas bandas”, nos dijo Thom Wasluck, cerebro del proyecto, también responsable del diseño. “Cuando vi la foto por primera vez, los tonos y la textura me hablaron de tristeza y duelo, pero el hecho de que hay dos sillas añadió una capa que me hizo sentir esperanza, de que no tienes que sufrir solo.”
“Cuando Thom se acercó a mí para usar algunas de mis imágenes para *It’s Closeness, It’s Easy*, estaba eufórica y muy conmovida”, añadió Megan Elyse Lloyd. “Siendo ya fan de Planning for Burial y de la escritura de Thom, conocía los movimientos bellamente tristes y dolorosos en sus canciones, que de alguna manera crean un espacio para llevarte a través de tus propios recuerdos de duelo y supervivencia. Sabiendo esto, sentí que las imágenes mías que él eligió, específicamente la de las sillas fotografiadas en el desierto, apoyarían su próximo álbum. Hace unos 4 años, mi pareja de entonces y yo condujimos a Joshua Tree por el fin de semana. Nos habíamos mudado al otro lado del país un año antes, y en ese momento, nuestra relación se estaba desmoronando. Había estado nevando intermitentemente ese día en Yucca Valley, y decidimos ir a dar un paseo en coche.”
“Estábamos escuchando el podcast de Esther Perel ‘Where Should We Begin’ cuando pasamos junto a las sillas a lo lejos a nuestra izquierda”, continuó. “Probablemente identificándonos con la pareja en problemas en silencio, algo de las sillas nos conmovió lo suficiente como para detenernos y dar la vuelta para tomar algunas fotos. Las sillas se veían tan tristes y abandonadas contra el cielo desértico nevado, pero abandonadas juntas; un vínculo traumático, se podría decir. En cuanto a las otras imágenes utilizadas en el arte del álbum, el sofá del desierto y los campos de matorrales secos, siento que son muy reveladores de mi devastación arraigada de que la relación pronto terminaría, pero de que siempre habría amor allí.”
**Racing Mount Pleasant, Racing Mount Pleasant**
Racing Mount Pleasant toma su nombre de una salida de la autopista en el camino a Chicago. En la portada de su álbum debut homónimo, estamos lejos de la ciudad, observando a dos figuras de pie juntas en una extensión helada; el cielo es pálido y toda la imagen está tan apagada que casi socava la calidez de la música del grupo. ¿Cómo puede un espacio tan vasto contener tal vacío? ¿Y qué podrían decir las dos personas – una alzando un trofeo de ciervo, por alguna razón cruel – sobre todo esto?
**Hannah Cohen, Earthstar Mountain**
El primer álbum de Hannah Cohen en seis años sirve como una carta de amor a los Catskills, donde ella y su pareja Sam Owens se mudaron antes del lanzamiento de *Welcome Home*. La portada de *Earthstar Mountain* muestra a la cantautora, luciendo un traje azul en medio de una litografía de 1882 de los Catskills. “Intentaba encontrar una imagen para usar en el álbum o algo parecido”, recordó en nuestra entrevista Artist Spotlight. “Mi madre trabaja en el mundo del arte de libros, la prensa de grabados antiguos, y ella dijo: ‘Deberías contactar al Instituto de Historia y Arte en Albany. Apuesto a que lo tienen en sus colecciones.’ Y por supuesto, lo tenían. Así que les contactamos, y me dieron permiso y licencia para usar la imagen. Simplemente me enamoré de ella. Para mí, la portada tiene estas pequeñas viñetas, y sentí que cada una podría ser una canción. Pienso en una canción como una ventana a la vida de alguien, un pequeño recuerdo, así que sentí que había cierta sinergía allí.”
**Weirs, Diamond Grove**
Cuando se trata de música folk y góspel, el colectivo musical Weirs, con base en Carolina del Norte, logra un equilibrio delicado entre la tradición y la abstracción. El organizador de la banda, Oliver Child-Lanning, quería imbuir el disco con un sentido real de tiempo y lugar, reuniendo amigos para grabar en granjas, campos y un silo abandonado. De hecho, Diamond Grove es el nombre de la granja lechera específica en Virginia donde una vez vivió el abuelo de Child-Lanning, y cuyas características específicas del lugar el grupo utilizó para las grabaciones. Aunque Sarah Bachmann nunca había estado allí, su representación para la portada del álbum transmite esa sensación de reverencia. “La idea para esta portada surgió mediante un proceso colaborativo”, explicó ella. “Trabajé a partir de fotografías que Weirs compartió conmigo como material de referencia. Traté de traducir una visión para la portada que Oli describió. Figuras tenues dentro y a lo largo de la línea de árboles. Kudzu creciendo sobre el letrero. Verdes y azules. No he tenido la oportunidad de visitar Diamond Grove en persona, pero lugares como este son de mis temas favoritos para pintar. Mientras trabajaba en la portada, escuché el álbum repetidamente, lo cual fue un placer. Soy una gran fan de Weirs desde su primer lanzamiento. Es un enorme honor que me pidan crear una portada para una banda a la que tengo en tan alta estima”.
Florist, Jellywish
El Jellywish de Florist, como gran parte de su música, difumina la línea entre la intimidad cósmica y la cotidiana, un espacio plasmado por la maravillosa pintura de portada de Vera Haddad. “La pintura que hice para el Jellywish de Florist es un punto de encuentro descentrado y tecnicolor para todos los personajes y preguntas que emergieron de cada canción de este disco”, dijo Haddad en un comunicado a Our Culture. “Escuché el álbum en repetición y quise inmortalizar una sensación pesada y terrenal de estar en un cuerpo en la tierra pasando por un montaje experimental – en pintura. Detalles granulados y ásperos de la vida diaria compartieron el lienzo con artefactos antiguos distorsionados y emblemas de mitos mágicos. El objetivo era crear un glitch físico en el tiempo, una pintura al óleo que sintiera conectada con algo de nuestro momento contemporáneo. Me sentí atraída a enfocarme en una perspectiva planetaria, el maximalismo y las experiencias liminales. Henry Darger y las ilustraciones de cuentos de hadas fueron grandes inspiraciones”.
Teethe, Magic of the Sale
En muchos sentidos, Magic of the Sale expande el mundo que Teethe comenzó a construir con su debut homónimo del 2020, usando mucha de la misma metodología, incluso en el arte visual, pintado por la propia integrante de la banda Madeline Dowd. “Nuestro segundo álbum, incluso con el arte, siento que como que se aleja el zoom y puedes ver dentro del mundo”, dijo en nuestra entrevista Artist Spotlight. “Se siente igual, pero tiene muchas más capas”. Dowd terminó recreando al personaje en un escenario diferente, lleno de color y una confianza astuta – aunque aparentemente extendido desde la misma expresión inquietante y desgastada.
Ichiko Aoba, Luminescent Creatures
Una de las pocas obras de arte en esta lista profundamente inspirada por el océano, Luminescent Creatures de Ichiko Aoba es en parte un documento de las visitas de la cantautora japonesa al archipiélago Ryukyu. Sirve como una continuación de Windswept Adan no solo en su colaboración musical con el compositor Taro Umebayashi y el ingeniero de sonido Toshihiko Kasai, sino en su construcción de mundo visual junto al fotógrafo Kodai Kobayashi. La portada de Luminescent Creatures específicamente se enfoca en la atmósfera etérea y submarina del álbum. “Pasamos mucho tiempo simplemente hablando, ya fuera discutiendo la música, o cosas más pequeñas, como: ‘Oye, ¿cómo estás hoy?’ Llegamos a conocernos a un nivel muy profundo”, le contó a Boulder Weekly. “Pasar meses, años, compartiendo los detalles minúsculos de la vida diaria nos llevó a un punto donde confiábamos tan profundamente que podíamos dar retroalimentación honesta. Realmente dejó de importar quién había compuesto la canción, quién había hecho qué. Casi que nos fusionamos”.
Jefre Cantu-Ledesma, Gift Songs
La suave y serena belleza del último disco del artista experimental de ambient Jefre Cantu-Ledesma se refleja perfectamente en la foto de portada de Traianos Pakioufakis – quizás la portada de álbum más hermosamente azul de este año. “Mi fotografía Blue Wildflowers fue tomada en un día nublado cerca de York, Australia Occidental, en septiembre de 2017 mientras estaba en una asignación para la marca de ropa MAN-TLE”, nos dijo Pakioufakis por correo electrónico. “Se dice que la topografía de Australia Occidental es varios millones de años más antigua que la de su contraparte oriental debido a un evento de extinción masiva desconocido. Es por esta razón que Australia Occidental tiene una variedad más amplia y rica de flores silvestres, sus colores y estructuras son diferentes a cualquier otra cosa en el mundo. El azul en esta fotografía es muy real y natural, quizás la foto es incluso más apagada de lo que es en la realidad. Hay que verlo para creerlo”.
Alex G, Headlights
Rachel Giannascoli ha sido parte del mundo visual detrás de la música de su hermano por más de una década, y los hermanos continuaron su colaboración cuando Alex G dio el salto a un sello discográfico mayor. Como la colección misma, hay algo inquietantemente triunfal en el arte de Headlights, que representa a un joven caballero alzando su espada hacia una luna llena. La artista habló del proceso detrás del arte manteniéndolo abierto a interpretación en una rara entrevista en Instagram, diciendo: “Para este, vi la portada con el inserto en mi mente desde el principio en vez de juntar esos aspectos sobre la marcha. Era un sentimiento que intentaba transmitir al usar estas imágenes”.
Great Grandpa, Patience, Moonbeam
El Patience, Moonbeam de Great Grandpa es tan multicapa como un sueño, completamente realizado pero de final abierto. Aunque el proceso detrás fue colaborativo, el arte visual fue hecho durante un período particularmente solitario para el cantante Al Menne. “El arte de patience moonbeam fue un punto de enfoque bienvenido en una gira donde viajé completamente solo por unas tres semanas”, nos dijo en un comunicado. “En los viajes largos imaginaba algo místico mientras escuchaba lo que entonces existía de patience, moonbeam. Dudé mucho sobre si la imaginería de la luna era demasiado obvia. Terminé pensando: ‘tiene que haber una luna, ¿estás loco?’. Mi método para el arte del álbum fue tan fragmentado como la creación de la música misma. Bosquejé la idea una y otra vez. Exprimiendo pinturas de acuarela de sus pequeños tubos metálicos. Pinté y collagué capa tras capa a mano. En un punto imprimí, y pinté encima en papel de impresora. Hice eso varias veces hasta obtener la textura que deseaba”. Buscaba algo que se sintiera abstracto, pero completo. Como un sueño donde algunas cosas son solo el contorno y otras son sólidas como la luna.
### Flock of Dimes, *The Life You Save*
Cuando se tomó la foto de portada para *The Life You Save* de Flock of Dimes, en octubre del 2024, Jenn Wasner estaba en las últimas etapas de terminar el disco. “Mi amigo y brillante fotógrafo Graham Tolbert estaba de visita desde St. Paul, así que quise aprovechar la oportunidad para intentar conseguir unas nuevas fotos para la prensa”, contó a Our Culture. “En ese momento vivía en el pueblito de Haw River, Carolina del Norte, y había un motel abandonado cerca, así que decidimos intentar sacar unas fotos allí. Tenía una vaga idea de querer una foto muy apagada y tenue centrada alrededor de algo que brillara – en mi mente, quizás un flash, ¿algo reflectante? Tenía algunos accesorios, incluida la ‘esfera’ que terminó en la obra artística final, pero cuando llegamos al motel hacía un frío y viento inusual para la época, así que solo tomamos un puñado de fotos antes de regresar a casa. Me quedé impactada cuando Graham me mostró los resultados – supe bastante rápido en ese momento que esta sería la portada del álbum.”
### Erika de Casier, *Lifetime*
Recostarse en una cama después de un largo día puede ser una sensación tanto solitaria como lujosa; la música de Erika de Casier la encarna perfectamente. “Son las doce de la noche / Ni siquiera un mensaje para mantenerme caliente”, canta en ‘The Chase’ de su álbum autoproducido *Lifetime*, y podría ser ella mirando su teléfono mientras se ilumina en la portada bellamente en tonos sépia, fotografiada por Xavier Luggage. O podría ser ella cayendo en la cuenta de lo que dice la canción que da título al disco: “La respuesta estaba toda dentro, no en un extraño / Permanece en mi cuerpo cuando me doy cuenta de que el amor es todo lo que tenemos.”
### Maribou State, *Hallucinating Love*
Álbumes enteros en esta lista no tienen la cantidad de personas acreditadas para la portada de *Hallucinating Love* de Maribou State, desde el fotógrafo James Rees hasta Cinemoto UK, que proporcionó lo que un comentarista en r/whatisthiscar describió como una “divertida mezcla de coches :)”. En el fondo, sin embargo, hay un momento genuino de conexión humana que recuerda a la escena final de *Perdidos en Tokio* – un hombre y una mujer abrazándose en medio de la carretera. Aunque la pareja está centrada en el encuadre, están lo suficientemente alejados para que el caótico desenfoque de su entorno sea un personaje en sí mismo. Pero podrías alejar el zoom mucho más y la intimidad seguiría diciendo mucho, anclando la inquietud de la vida moderna.
### Hayden Pedigo, *I’ll Be Waving as You Drive Away*
El arte de Jonathan Phillips ofrece un marco amable para ‘La Trilogía del Motor’ de Hayden Pedigo, que se completó este año con *I’ll Be Waving as You Drive Away*. En la página de Bandcamp del álbum, el guitarrista de fingerstyle llega a decir que “las pinturas de las portadas han creado mundos enteros para que vivan mis álbumes”. Aunque todavía un poco inquietante – o más bien desarmante –, la portada del nuevo disco no es tan perturbadora como las dos anteriores, que mostraban a Pedigo con pintura de cadáver o parado frente a un coche en llamas. “Sin pintura en la cara, sin piel azul, el personaje de la portada ya no es un personaje — en realidad soy yo”, explicó Pedigo. “Intento decirle al público: realmente quiero que me conozcan, quiero que sepan quién soy.”
### Deafheaven, *Lonely People With Power*
Deafheaven tiene una historia de portadas de álbumes icónicas, y *Lonely People With Power* se suma a esa lista encajando distintivamente en los temas del disco. En la canción ‘Body Behaviour’, una figura masculina mayor le muestra pornografía a un niño más joven – “Me pareció gracioso que prácticamente todos los hombres que conozco tienen alguna versión de esa historia, con un padre, un tío, un primo mayor o quien sea”, ha dicho George Clark de la banda, y una versión de ello se representa en la portada del álbum, capturada por Nedda Afsari. “Estábamos indagando en la estética de un motel sórdido del Valle de San Fernando a principios de los 90”, dijo Nick Steinhardt en una entrevista exhaustiva con UPROXX. “No es necesariamente un período estético o de referencias gráficas celebrado. Tendríamos un conjunto de cosas completamente diferente de las que extraer. Así que el motel en el que se basa vagamente esto no es un neón noir genial que desearías que estuviera guardado en un museo. Las cosas que estábamos referenciando son muy banales y, honestamente, bastante malas.”
### oklou, *choke enough*
Para cuando oklou empezó a pensar en la estética visual de *choke enough*, cuyos tonos base azul verdoso lo distinguen de la terrosidad de *Galore* (2020), ya había pasado un par de años inmersa en su mundo musical y lírico. Fotografiada por la pareja de oklou, Gil Gharbi, y supervisada por la diseñadora Kim Coussée, la inmediatez espontánea de la obra artística fue intencional. “En la portada del álbum, estábamos en un apartamento y habíamos estado filmando por dos horas”, contó oklou a PAPER. “Me encanta esta foto porque parece robada; no es en pose. No queriamos un ángulo perfecto. Nunca había visto imágenes de mi cara que me parecieran tan reales. Realmente quería adentrarme en inspiraciones más lo-fi. Creo que la elección de colores puede caracterizar estas diferentes formas de capturar imágenes. Las vibraciones azules y verdosas son de ciencia ficción; recuerdan obviamente a *Minority Report* y *Matrix*. Simplemente me encantó por su cualidad nostálgica.”
### Kelora, *Sleepers*
La atmósfera sombría de *Sleepers* de Kelora es casi alucinatoria, un efecto capturado espontáneamente en la portada del álbum. “El arte de portada de *Sleepers* es una foto hecha con apenas edición o postproducción”, nos dijo el dúo de Londres vía Glasgow en una declaración. “Fuimos a la ubicación de noche con nuestros amigos y anduvimos por ahí con equipo de grabación de sonido y visual. Al terminar y estar recogiendo nuestras cosas, unos adolescentes del lugar que habían estado fumando marihuana en el bosque se acercaron a nosotros. Parecían muy nerviosos y nos preguntaron: ‘Los estábamos observando… ¿qué estaban haciendo? ¿Son un culto?’
### Momma, Welcome to My Blue Sky
Momma se acercó a Daria Kobayashi Ritch con la idea de usar una promesa de meñique para la portada de *Welcome to My Blue Sky*, presentando algunas referencias visuales que les gustaban. “Lo que me llamó la atención de inmediato fue lo táctil que se sentían todas las imágenes; la mayoría estaban hechas con procesos de impresión alternativos”, explicó Kobayashi Ritch. “Con el avance de la tecnología, a menudo siento que la cualidad humana en las imágenes puede perderse, así que me atrajo mucho la naturaleza artesanal, imperfecta e íntima de lo que compartieron”. Continuó: “Ese toque táctil y humano me pareció esencial de incorporar, especialmente para un álbum que habla tan abiertamente sobre la vida y la vulnerabilidad y el desorden que conlleva ser humano. Mientras seguíamos explorando, nos encontramos inclinándonos hacia las cianotipias. Estas tenían el proceso físico y manual que me encantaba de las referencias, y también hacían un guiño sutil al ‘cielo azul’ del título del álbum. Parecía la intersección perfecta entre el tono emocional de la música y el lenguaje visual que queríamos crear”.
“La imagen final muestra las manos de Etta y Allegra, lo cual se sentía correcto; este álbum es una confesión sacada de sus propias experiencias personales, muchas de las cuales vivieron juntas”, añadió Kobayashi Ritch. “Esa cercanía es parte de lo que hace a Momma tan especial: la banda mantiene todo profundamente personal y dentro de la familia. Tareas que a menudo se delegan a terceros –grabación, ingeniería, desarrollo visual– se hacen internamente. Aron se encarga de la grabación e ingeniería, Etta y Allegra conceptualizan las visuals, Etta crea el arte, y yo, la hermana de Aron, lo fotografío. Es un proceso colaborativo enraizado en conexiones más profundas, que es exactamente lo que queríamos que reflejara la portada”.
### crushed, no scope
En el lenguaje de los videojuegos, un ‘no scope’ se refiere a disparar un rifle de francotirador a corta distancia sin apuntar al objetivo. En sus materiales de prensa, Bre Morell de crushed ha bromeado diciendo que “también podría significar algo como, no tener futuro, que la vida te dé un *no-scope*”. Escuchando el álbum debut del dúo, queda claro que Morell y Shaun Durkan se enfocan en sus influencias pop, desde el trip-hop hasta el rock alternativo de los 90, por puro instinto más que por deliberación, lo que hace de “no scope” una buena metáfora para su enfoque musical también. Y la imagen de portada –audaz a pesar de su sensación apagada y granulada– una representación aún mejor. “Me persigue tu mirada en todo lo que hago”, canta Morell en ‘oneshot’, y bien podría ser ella devolviendo el disparo.
### yeule, Evangelic Girl Is a Gun
Si conoces a yeule como una “entidad cyborg” que hace pop hipnagógico y que fusiona géneros, quizás no sepas que Nat Ćmiel estudió bellas artes en Central Saint Martins. Aunque la pintura ahora es más un pasatiempo para elle, yeule sigue siendo una persona muy visual, y tiende a planificar el mundo visual de un álbum antes que su sonido. “El diseño del álbum está muy, muy pensado, y elijo a mis colaboradores con mucho cuidado”, dijo yeule. “Vasso Vu, quien fotografió la portada de *Evangelic Girl is a Gun*, también tiene formación en bellas artes. Paso tiempo con muchos pintores. La intencionalidad del medio pictórico es muy sensual y muy personal, y es muy profunda. Dentro de la psique, siento que hacer marcas es uno de los medios más profundos, comparado con la música. Pero la música es un paquete completo y una industria por sí misma. Lo mismo ocurre con el mundo del arte. Pero para responder a tu pregunta, no tengo tanto tiempo como me gustaría para pintar, pero me hago el tiempo”.
### Blind Equation, A Funeral in Purgatory
La portada de *A Funeral In Purgatory* de Blind Equation no es puramente lúgubre; hay algo extrañamente luminoso en ella, aunque no tan beatífico o glitcheado como puede sonar el último proyecto alucinante de James McHenry. Ofreciendo información sobre la obra de arte, creada por Paris Shadrovovstov, McHenry dijo: “Paris (angelgasm) ha sido un amigo y colaborador de larga data para Blind Equation, y le he dejado manejar casi toda la dirección visual de la banda desde mi debut *LIFE IS PAIN* en 2021. *A Funeral In Purgatory* es un disco mucho más oscuro y atmosférico, y quería que el arte lo reflejara. Mucha de la inspiración que quería tomar venía del arte de muchos álbumes de doom del sello Peaceville Records de los 90, como *The Silent Enigma* de Anathema, *Turn Loose The Swans* de My Dying Bride, etc.”.
“Uno de los primeros borradores del arte era un paisaje más abstracto y con colores neón que creo reflejaba la visión que buscaba, pero sentí que necesitaba más”, continuó McHenry. “La chica de la portada era un modelo 3D que Paris había diseñado en Blender y quería usar para Blind Equation desde hacía tiempo, y sentí que este disco era el momento perfecto para usarlo. Usando el borrador original como fondo y esquema de color, crearon lo que se convirtió en el diseño final del arte, y supe al instante que era el indicado. Capta perfectamente la sensación de duelo, pesadumbre y, aún así de una manera extraña, de esperanza”.
### Masma Dream World, PLEASE COME TO ME
Devi Mambouka, la música experimental que graba como Masma Dream World, identifica la inspiración principal para su música como una energía universal que, según tu contexto cultural o religioso, tiene diferentes nombres. Para ella, como explicó en nuestra entrevista de Artista Destacado, es la Madre Kali. Señala que no existe ni una sola civilización sin alguna versión de la Madre Divina presente, y es a ella a quien llama en el título de su último álbum, una invocación visualizada en el arte de portada, que describió así: “Lloro desesperada mientras esta profunda tristeza y anhelo de amor me llevan a buscar la muerte”. Ningún remedio ni conjuro antiguo puede detener a los monstruos que acechan mis sueños. Aún así, te grito a ti, Oh Madre Oscura, la única que puede salvarme de las garras de este infierno. **¡POR FAVOR VEN A MÍ!**
### Saya Gray, *SAYA*
En la llamativa portada de *SAYA*, el peinado y maquillaje de Saya Gray aluden a su herencia japonesa, algo que explora profundamente a lo largo del álbum. La bisabuela de la artista fue una intérprete durante el período Edo de Japón, tocando instrumentos tradicionales como el koto, que también se escucha en el disco. La imagen fue conceptualizada junto a su amiga y colaboradora Jennifer Cheng, y aunque ciertos elementos fueron estilizados para reflejar el pasado, también hay toques contemporáneos, como la espiral metálica que cubre su rostro. “Teníamos esta idea de los restos, de lo que eres, de una casa, una relación o una vida pasada”, explicó Gray en una entrevista. “Jenn tuvo la idea de poner objetos frente a mi cara”.
### Tortoise, *Touch*
La portada de *Touch*, el primer LP de Tortoise en nueve años, es un collage minuciosamente cosido que presenta una escultura de un escorpión fotografiada por Heather Cantrell. Usando esa foto, el collage fue realizado por Paw Grabowski a invitación del baterista y multiinstrumentista John Herndon, mientras que Jeremiah Chiu se encargó del diseño completo del álbum. Scottie McNiece, cofundador de International Anthem, el sello que lo lanzó, comentó: “Supongo que es importante decir aquí que la escultura del escorpión fue hecha por el padre de John McEntire, Martin McEntire”, un mecánico y soldador. Pero aparte de ese dato, la banda ha sabido preservar un sentido de misterio en torno a la portada. Hablando con The Guardian, McEntire señaló: “No tengo ni idea de por qué la hizo. Hizo exactamente dos esculturas en su vida. Siempre tenía como una docena de proyectos pequeños en marcha, pero… totalmente aleatorio”.
### Drouth, *The Teeth of Time*
Matt Stikker, vocalista y guitarrista de la banda de black metal Drouth, diseña el arte de la banda, y se esforzó por capturar la naturaleza frenética y aterradora de *The Teeth of Time* al dibujar su portada. “El arte para *The Teeth of Time* es un esfuerzo por sintetizar los temas líricos del disco en una especie de tapiz de locura”, dijo Stikker a Our Culture. “En lugar de presentar una narrativa coherente, las canciones representan algo más cercano a fragmentos de pesadillas medio recordadas al despertar. Como contraparte visual, hice lo posible por extraer de nuestras letras y fusionar estos fragmentos en un paisaje onírico simbólico que representa la mutabilidad del tiempo y el misterio de la muerte, que es el marco de la existencia humana. La pieza original, de unas 30 pulgadas cuadradas, fue realizada con lápiz y tinta a lo largo de varios meses y bien más de cien horas de trabajo”.
### Courting, *Lust for Life, Or: ‘How to Thread the Needle and Come Out the Other Side to Tell the Story’*
El tercer álbum de Courting en tantos años es una colección alegre y vibrante de dance punk, que juega con sinceridad con estereotipos de género, equilibrados por la característica autoconciencia de estos indie rockers. El arte de portada de Lisa Signorini es llamativo, en parte, porque sugiere un mundo de color mientras está literalmente desprovisto de él. “Como banda, una de nuestras principales líneas artísticas es tomar clichés considerados algo redundantes e intentar realizarlos de una manera más sincera”, dijo Courting en un comunicado. “Considerando la primera parte de nuestro título, tuvimos la idea de que nuestra portada debería tener una relación superficial con el estereotipo del rock and roll (motocicletas, chaquetas de cuero, etc.), pero presentado de una manera completamente sincera. Contactamos a Lisa, quien creo que vio la belleza de la idea y la ejecutó perfectamente. Para este álbum, queríamos que todo fuera en blanco y negro para jugar con la idea de la dualidad, pero también queríamos que todo luciera lo más elegante posible, como si hubiera salido de un anuncio de perfume”.
### Ryan Davis & the Roadhouse Band, *New Threats From the Soul*
Muchas portadas llaman la atención presentando formas raras y psicodélicas, pero *New Threats From the Soul* funciona de manera inversa: su estructura intrincada es extrañamente agradable a la vista antes de que notes sus detalles inquietantes y sobrenaturales, del tipo que también se filtran en la música engañosamente directa de Ryan Davis. El cantautor, quien hizo el arte él mismo, explicó por correo: “Inicialmente tenía algo completamente diferente en mente para la dirección general de la portada. Cuando fui a sacar un viejo bloc de dibujo para empezar, vi una versión muy tosca a lápiz del arte que terminó siendo el que usamos. Era algo que había empezado años atrás pero que al parecer perdí la visión, lo cual no es muy común en mi práctica artística estos últimos 7 u 8 años. Me gusta terminar lo que empiezo, es una parte importante del proceso, en términos de mi propia satisfacción interna…”
“Pero bueno, al redescubrirlo, miré el boceto por unos 45 segundos y eso fue todo lo que necesité para sentir que este raro boceto abandonado de una pecera psicodélica o lo que se supone que fuera en esa etapa sería, de hecho, perfecto temáticamente para la vibra general o subyacente de las canciones”, continuó. “Requirió profundizar, tallar y refinar lentamente esos temas, pero al final se sintió y aún se siente bastante acertado en su representación libre de un micro-entorno donde el ello, el ego y la naturaleza terrenal se superponen y coexisten. No sé qué o dónde se supone que es la imagen, exactamente, pero se siente como una ventana al alma, o una especie de placa de Petri sobrenatural. También hay un poco de un motivo de vida acuática a lo largo de las canciones de este disco, lo cual añade peso a la imagen”. Estoy bastante emocionado con como todo se unió al final.
Clipse, Let God Sort Em Out
La portada del álbum de regreso de Clipse de Pusha T y Malice se centra en una figura de Kaws, el artista contemporáneo nacido Brian Donnelly, quien también diseñó la cubierta del álbum previo del dúo. Sin embargo, la identidad visual de *Let God Sort Em Out* contrarresta su sensibilidad caricaturesca con un tono más oscuro mediante el desmembramiento de su personaje. “El enfoque fue trabajar con la gente con la que hemos estado colaborando desde que el grupo comenzó, e introducir dónde está cada uno en sus carreras actuales,” dijo Steven Victor, mánager de Pusha T, a [Billboard](https://www.billboard.com/pro/clipse-album-pusha-t-manager-marketing-let-god-sort-em-out/) sobre su estrategia de marketing. “Conocemos a KAWS desde hace 20 años; él hizo la portada de *Til The Casket Drops*, así que hemos sido amigos y fans y hemos tenido una relación con él por mucho tiempo.”
Sumac y Moor Mother, The Film
La pintura que adorna la portada de *The Film* – el LP colaborativo atmosférico pero vigoroso de la banda de metal experimental SUMAC y la artista de vanguardia Moor Mother (Camae Ayewa) – nació de conversaciones entre Ayewa y el cantante/diseñador gráfico de SUMAC, Aaron Turner. Como Turner contó a Our Culture, Ayewa proporcionó algunas fotos de referencia de imágenes con pegamento de harina que encontró en las calles de ciudades en Australia durante una gira. “Ella sugirió usar estas composiciones como base para el arte del álbum, reinterpretadas como pinturas o dibujos. Tomando la música que habíamos hecho y las letras escritas por Camae como guía, primero hice una serie de pinturas más pequeñas basadas libremente en los personajes individuales de sus fotos, las recorté y comencé a superponerlas en un lienzo. El lienzo ya había sido sometido a varias capas de fondo, y a medida que se añadían los personajes, se hizo más pintura y dibujo entre las capas sucesivas. Escuchar las mezclas finales del álbum a alto volumen fue crítico durante el proceso – los sonidos y el espíritu necesitaban ser empujados con fuerza en el lienzo. Mientras trabajaba en la pieza, seguí tomando fotos y mirando varios recortes para obtener una perspectiva diferente y encontrar qué porción funcionaba como portada – este proceso se repitió hasta que se sintió terminado y surgió una imagen definida para el álbum.”
Gonemage/Lammoth, Aetherfrost Caverns
Garry Brents ha tenido un año prolífico, lanzando un par de EPs y un álbum completo bajo sus seudónimos Gonemage y Sallow Moth, más un álbum como Homeskin, una “contraparte diurna” de Gonemage. Dos de esos proyectos, el asalto de death metal brutal *Mossbane Lantern* de Sallow Moth y el EP de cuatro pistas de Gonemage con Lammoth, *Aetherfrost Caverns*, vienen con un arte llamativo de [Jacob Devlin](https://www.instagram.com/p/DPwGIydgHNS/?hl=el), un artista de Ohio que trabaja principalmente en pinturas acrílicas de temática fantástica y de heavy metal. Devlin ayuda a pintar la escena para el metal negro sinfónico, helado, cavernoso y similar a un videojuego de la colaboración, sus texturas caóticas y bordes rugosos – mientras afirma que sí, es oscuro, pero también más colorido que mucha música con etiquetas de género similares.
Mogwai, The Bad Fire
Dave Thomas ha tenido una relación creativa de larga data con Mogwai, que exploramos en nuestro [perfil que abarca su carrera](https://ourculturemag.com/2021/11/30/dlt-dave-thomas-breaks-down-his-album-artwork-for-mogwai-the-twilight-sad-frightened-rabbit-and-more/) con el artista, también conocido como [dlt](https://www.d-l-t.co.uk/). Su arte para *As the Love Continues* encabezó nuestra lista de las mejores portadas de 2021, y su trabajo para *The Bad Fire* encapsula la cualidad cataclísmica de escuchar la música de la banda tanto con auriculares como en vivo. Grabado en Blantyre, Escocia, el disco toma su nombre de un coloquialismo escocés para el Infierno, un hecho que Thomas no supo hasta las etapas finales del arte. Fue entonces cuando la banda decidió el título, aunque Thomas había estado trabajando para igualar visualmente la estética de la música desde que escuchó las mezclas preliminares en junio de 2024. En esta etapa, todas las pistas tampoco tenían título. “Comenzando con la pista del disco que luego se llamaría ‘God Gets You Back’, su línea melódica en bucle sonando continuamente – me trajo a la mente la imagen de algo inmenso y de movimiento lento,” nos dijo Thomas. “Los ritmos y sonidos me sugirieron un objeto en espiral, de escala geológica, abrumadoramente grande, inamovible. Algo que evocaba una especie de temor inminente que no puedes precisar. Esto como que estableció la escena para las imágenes que tenía en mente mientras escuchaba todo el álbum, fragmentos de detalles del mismo paisaje.”
Inspirado por los cómics de fantasía y ciencia ficción de principios del siglo XX, la portada expande el enfoque de dlt al reflejar no solo la intensidad sino la profundidad textural de las composiciones. “Esta vez, después de dibujar los elementos con tinta negra, usé una fotocopiadora antigua para reimprimirlos numerosas veces y dejé que cualquier ruido de fotocopia, polvo y suciedad que se capturara permaneciera en la imagen,” explicó él. “Para contrarrestar el arte lineal negro hecho a mano, había algo más limpio y digital que sentí que podía capturar algunos de los sonidos más delicados que estaba escuchando. La palabra que me venía a la mente era ‘crepitante’. Una especie de versión visual de destellos de estática o chispas al desvanecerse. Los veía en colores brillantes que contrastaran con el negro. Creé algunas formas vectoriales simplificadas y enmascaré áreas de textura pintada y con rodillo de tinta en ellas.”
Aunque este es el primer álbum de Mogwai en un tiempo que incluye tanto el nombre de la banda como el título en la portada, Thomas se aseguró de que se alineara con esa textura, que también aplicó a las imágenes adicionales del paquete físico. “Quería algo fuerte y legible, pero que tuviera impacto y encajara con la sensación texturizada del arte. Experimenté adaptando y recortando las formas de las letras usando una tipografía estrecha y en negrita. Las líneas verticales en cada extremo de la palabra MOGWAI me parecieron que encajarían perfectamente en la forma cuadrada de la portada.” Junto con el logo de la banda, también creé una tipografía exclusiva que fotocopié, traté y escané de nuevo, de la misma manera que hize con el dibujo lineal, para darle un poco de vida y textura.
### Yetsuby, 4EVA
El arte de portada de [Sofia Hjortberg](https://sofiahjortberg.com/) para 4EVA se siente sintético pero humano, detallado como un caleidoscopio pero con texturas suaves; fácilmente podrías mirarlo durante toda la duración del álbum. “Siempre me ha gustado lo onírico y lo surrealista – escuchar 4eva me hizo querer sintonizar con esos aspectos de la música de Yetsuby, que también sentí contenía una mezcla de oscuridad y luz”, nos dijo la artista. “La portada terminó siendo una mezcla de muchas cosas, como el álbum mismo: orgánico vs. digital, suavidad vs. aspereza, serenidad vs. intensidad. Intenté capturar la sensación táctil del paisaje sonoro del álbum a través de muchas texturas. Mi deseo para el oyente es que la experiencia del álbum se mejore al tener esta obra para mirar; hay tantos detalles que espero que la gente note. Con una imagen así, quiero que puedas hacer zoom en hasta la parte más pequeña y aún así encontrarla interesante y cautivadora.”
### Japanese Breakfast, For Melancholy Brunettes (& sad women)
Tanto en su identidad musical como visual, Michelle Zauner se tomó muy en serio las influencias de pop barroco detrás de su último álbum. Días antes de anunciar *For Melancholy Brunettes (& sad women)*, publicó una selección de pinturas de mujeres con aspecto melancólico antes de revelar la portada de su cuarto álbum, inspirada en el *memento mori*, que la muestra desmayada sobre una mesa. Le gustó la idea de estar en la portada sin que se viera su cara, contó a [Vault Magazine](https://vaultmagazine.com/extra_archive/extra_2025_japanese.php), y explicó: “Quería que se sintiera como una pintura o un bodegón y que el diseño de la escena y los accesorios correspondieran a un significado simbólico. Obviamente está la calavera, que es *memento mori*; creo que mucho de este disco trata sobre contemplar la mortalidad. Hay ostras, que son un guiño a Venus en una concha en *Orlando in Love*, y agua con miel y un caldo lechoso, que son títulos de canciones. Hay un cuenco de entrañas, que mencioné en *Here is Someone*, y un jarrón de flores, que mencioné en *Winter in LA*. Así que todos los objetos sobre la mesa son guiños a diferentes letras. Quería emular esos mitos o suposiciones sobre lo que se supone que representan ciertas cosas en las pinturas de bodegones. También pienso que se puede interpretar como que hay una gran riqueza de bienes frente a mí, y de alguna manera, aún es abrumador y agotador.”
### Perfume Genius, Glory
Perfume Genius tiene una historia de portadas extraordinarias; nombramos la portada de su álbum anterior, *Ugly Season*, como [la mejor de 2022](https://ourculturemag.com/2022/12/01/the-50-best-album-covers-of-2022/). Este año, fue emocionante ver a *Glory* nombrada una de las primeras nominadas al Grammy a Mejor Portada, en parte porque todavía resulta tan desconcertante. Aunque no está pintado encima como en *Ugly Season*, la figura de Mike Hadreas aún aparece ligeramente contorsionada, dramáticamente desparramada en el suelo mientras el mundo mira con indiferencia. Hadreas trabajó con el fotógrafo [Cody Critcheloe](https://www.instagram.com/ssion_official/) enviándole una lista de escenas de películas, incluyendo *La Pianista* y *Julien Donkey-Boy*, usándolas más como influencias energéticas que visuales. En una [entrevista con UPROXX](https://uproxx.com/indie/perfume-genius-every-album-cover/), destacó una escena de una película polaca llamada *Humanity*, donde un hombre consuela a su amigo que acaba de confesar haber matado a una niña. “Y luego su amigo entra en la habitación y comienza a consolarlo a él, y luego comienzan a besarse, lo que se siente completamente extraño [risas]. No sabes cómo sentirte. Hay ternura, pero también es realmente repulsivo. Hay algo muy humano en ello. Quería que la portada del álbum y los videos tuvieran esa energía.”
### HAIM, I quit
Además de ofrecerle a Alana Haim su debut actoral en *Licorice Pizza* (2021), Paul Thomas Anderson ha dirigido varios videos musicales de HAIM. Con su foto de portada para el último álbum de las hermanas, *I quit*, también es responsable de lo que podría ser la portada más elegante de la banda – una estética que se trasladó a los shows en vivo del grupo, que convirtió el cartel de *I quit* en su propio personaje juguetón. “Principalmente parece funcionar hasta que queda claro que todos necesitamos estar en el mismo espacio juntos y luego alguien llama a ‘reunión de compañeros de piso’ y nos juntamos y lo resolvemos”, dijo PTA a [GQ](https://www.gq.com/story/haim-gq-hype) sobre su relación colaborativa con HAIM. “Parece que estamos en un ciclo natural y agradable de colaboración. No se va a acabar, si tiene sentido. Estamos atrapados juntos.”
### 10. Malibu, Vanities
En una conversación [con Meaghan Garvey](https://scarycoolsadgoodbye.substack.com/p/scary-cool-sad-goodbye-81) que llega al corazón del anhelo liminal en la música de Malibu, Barbara Braccini dijo que la inspiración para la portada de *Vanities* fue una pintura de [Alex Colville](https://www.aci-iac.ca/art-books/alex-colville/key-works/pacific/) que casualmente colgaba en la sala de estar de la entrevistadora. Cuando se contactó por correo electrónico, el fotógrafo [Igor Pjörrt](https://www.igorpjorrt.com/) recordó otra variación de ese tema, vuelta más suave y difusa en sus manos, que sirvió como punto de partida. “La idea inicial para esta imagen fue un fotograma del video musical ‘Ring the Alarm’ de Beyoncé, donde ella mira por una ventana con vista a una costa tormentosa bastante hermosa. En ese instante congelado, hay algo pacífico en su pose y el paisaje que se siente muy distinto de la energía del video y de la música en sí.”
“A ambos nos gustó la idea de tener a Malibu presente en la portada sin necesariamente ver su rostro, jugando en cambio con la idea de que la audiencia la observa mientras ella misma observa el paisaje desde la aparente seguridad de su casa con paredes de vidrio”, añadió Pjörrt. “En la distancia, la niebla parece asentarse mientras se aproxima una tormenta. Hay una sensación de espera, de impotencia en la lenta aceptación de un destino más grande que uno mismo. Para mí, también habla de la experiencia de lo sublime – el paisaje reflejando algo poderoso hacia ti, confrontándote con un anhelo inexplicable por algo más, algo más profundo.”
### 9. **Ninajirachi, I Love My Computer**
Se podría llamar caos controlado, pero la portada de *I Love My Computer* de Ninajirachi evoca esa sensación de saber que tu habitación está desordenada y conocer exactamente dónde está cada cosa, sin importar si la has usado en la última década. En vez de aludir al universo altamente digitalizado de la artista, la foto enreda todos los objetos materiales que sirven como su portal. “La habitación fue mi primer instinto para la portada a mediados-finales del 2024”, nos dijo Nina Wilson en un comunicado. “Mi amiga Aria organizó el desorden y tomó la foto en mi propia habitación, usando cosas de mi casa y prestadas de amigos. Mi amigo John y yo brainstormeamos como diez ideas alternativas y casi encargamos una estructura de acero gigante para fotografiarla, pero al final volvimos a mi primer instinto.”
**8. billy woods, GOLLIWOG**
El nuevo y magistral álbum de billy woods toma su título y portada de un tipo de muñeca de trapo, una caricatura racista que fue común en la cultura británica y estadounidense. “Creo que escuché por primera vez sobre GOLLIWOG mientras pasaba el rato con woods escuchando música”, recordó el fotógrafo Alexander Richter en un comunicado a Our Culture. “Recuerdo que él me dijo que estaba trabajando en un álbum con una escritura inspirada en el horror y me preguntó si quería hacer las fotos del empaque. Creo que luego le pregunté si tenía un título y fue la primera vez que escuché la palabra GOLLIWOG. Antes de ese día, nunca había escuchado esa palabra ni conocía esas muñecas. Después de una explicación sobre la palabra y la histórica muñeca racista, supe que las fotos iban a ser un desafío. Un amigo de woods le hizo una muñeca GOLLIWOG, así que mi enfoque fue fotografiarla en situaciones del mundo real. Afortunadamente, woods y yo hemos trabajado juntos tanto tiempo que la confianza que tiene en mi trabajo me deja espacio para crear sin supervisión excesiva. Discutimos ideas y ubicaciones, pero woods realmente me deja crear lo que siento correcto y luego seleccionamos desde ahí. La verdad, estaba un poco nervioso de fotografiar la muñeca en escenarios de la vida real.
“Afortunadamente, nadie se volvió loco al verme fotografiando al GOLLIWOG en la ciudad”, continuó Richter. “Una señora sí dijo ‘qué muñeca tan linda’, lo cual se sintió muy incómodo. Al final, elegimos la foto de portada con el GOLLIWOG en vías de tren abandonadas en Queens. Me gusta mucho cómo la muñeca está un poco oculta por las ramas y arbustos en esa mañana soleada pero fría de octubre. Soy gran fan de este empaque. Me encanta el arte original de Backwoodz para el álbum, y también la portada estilo Polaroid que hicieron en China. Creo que, en general, las fotos encajan muy bien con la sensación de la música y el tono del disco. Siempre estoy agradecido de que woods crea en mi arte y haya querido que sea lo primero con lo que interactúen sus oyentes antes de escuchar la música. Creo que a estas alturas los fans de Backwoodz Studioz saben que nos enorgullece hacer trabajo icónico que resista el paso del tiempo, y esta portada hace justo eso.”
**7. Deftones, private music**
Visualmente, *private music* continúa la tradición de Deftones de usar animales blancos en sus portadas, y la serpiente albina—capturada por Kenneth Cappello—es tan impactante como el icónico caballo blanco de *White Pony* o el búho blanco de *Diamond Eyes*. También se conecta con la canción ‘ecdysis’, que referencia el proceso de muda de piel en reptiles. En una entrevista con Moshpit Passion, el baterista Abe Cunningham dijo que “[la serpiente] fue una de las primeras imágenes que vimos cuando estábamos juntando el arte y dijimos: ‘Esa es, paren. Esa es la indicada'”. Añadió: “Era una imagen limpia yuxtapuesta con lo que fuera que había en el fondo. No creo que haya mucho más que eso. ¿O quizás sí?”
**6. Djo, The Crux**
Neil Krug se ha ganado un lugar—a veces varios—en estas listas desde que las hacemos. Sus fotos de portada suelen ser elegantes pero distintivas, pero rara vez tan visualmente ocupadas y llenas de detalles ocultos como esta para Djo, que está nominada a Mejor Portada en los Grammy. Sin embargo, la escena frenética y vibrante hace poco para restar a la composición impecable de la foto. Por encima de todo, un avión remolca una pancarta que dice: “Lo siento Cindy y te amo”, pero Joe Keery no te dirá qué significa. Él sí admite que *La ventana indiscreta* estaba en el mood board—”y el límite entre lo real y lo falso”.
**5. Wednesday, Bleeds**
Las letras de Karly Hartzman tienden a difuminar la línea entre el horror y el humor, especialmente al filtrar recuerdos. Ese contraste se resalta en el arte de Kamila Mlynarczyk para *Bleeds*, que evoca ilustraciones infantiles pero acentúa los detalles inquietantes que a menudo se amplifican con el paso del tiempo. Es como sintonizar viejos shows de Cartoon Network y darte cuenta de lo oscuros que eran realmente—y luego darte cuenta que podrías decir lo mismo de toda tu infancia. “Había sido fan del trabajo de Kamila por años, captura la forma en que mis recuerdos de la niñez *se sienten* más que cualquier otro arte visual”, compartió Hartzman por correo. “El miedo, la maravilla y la impotencia que viene con ser un niño, lo cual lleva al descubrimiento perturbador de cómo funciona el mundo: todo esto me lo describe esta portada.”
**4. Real Lies, We Will Annihilate Our Enemies**
Hay múltiples capas en la portada de *We Will Annihilate Our Enemies* de Real Lies, tan suntuosa y romántica como la música que contiene. Se centra en una fotografía del legendario Tom Wood, con dirección creativa de Galen Bullivant y diseño gráfico/composición de Luke Owen. “Teníamos que crear algo llamativo pero que aún se sintiera como nosotros”, dijo el vocalista y letrista de la banda, Kevin Lee Kharas, a Our Culture. La vida moderna es un juego de codazos: entre las *thirst traps*, las imágenes de guerra, los trolls de las guerras culturales y los infinitos videos de peleas en el transporte público, la música puede quedar en un segundo plano. Especialmente una música como la nuestra, que se dedica deliberadamente a los matices y a explorar los espacios ambiguos del mapa emocional.
Siempre he sido un romántico. Hace tiempo decidí que era una tarea más noble intentar seguir siéndolo y romanticizar el mundo moderno, que lamentar sin fin sus irritaciones y tragedias. Así que decidí vivir en ese mundo y tomar lo que pudiera de él, usando el título de álbum más odioso que se me ocurrió junto con las imágenes más románticas que pude encontrar: dos amantes adolescentes marcados por el destino compartiendo un primer beso al atardecer en un imposible cielo balear.
Al principio, hice una versión cutre de la portada en Preview, de solo 68kb, después de darme cuenta de cómo debía ser estando borracho. Mi amigo Ciaran es hijo de Tom Wood, el legendario fotógrafo de la vida nocturna de Liverpool, y él eligió la fotografía perfecta del archivo para acompañar el título “We Will Annihilate Our Enemies”. Es mi arte favorito que hemos producido como banda y estoy eternamente agradecido a Ciaran, a Tom, y a nuestro diseñador gráfico Luke Owen y al director creativo Galen Bullivant por ayudarnos a darle vida.
### 3. Jane Remover, *Revengeseekerz*
La foto de portada de *Revengeseekerz* puede ser dramática, pero encaja perfectamente con el sonido explosivo y saturado del último álbum de Jane Remover. El fuego es real, además. En una entrevista, Jane Remover explicó cómo se le ocurrió la idea con el fotógrafo Brendon Burton: “Le di una idea visual aproximada, y honestamente estaba basada en capturas de pantalla de videojuegos. Luego buscamos un lugar y fotografiamos en Oxnard, California. Y él me dijo: ‘Así es como se hace un fuego’. Básicamente es solo butano, agua y jabón. El agua no se prende fuego, solo las burbujas. Y como las burbujas están en contacto con el agua, en cuanto el fuego toca el agua se apaga. Así que en realidad no te quemas”.
### 2. Quadeca, *Vanisher, Horizon*
El álbum más ambicioso y exploratorio de Quadeca, *Vanisher, Horizon*, se centra en el viaje de un marinero; el rapero incluso aprendió a navegar para los visuales. Sin embargo, la imagen más cautivadora de la campaña es la portada minimalista pero maravillosamente intrincada, hecha por Digiyams. “Vanisher es un álbum conceptual apocalíptico sobre un viaje por mar para alcanzar el horizonte”, dijo Quadeca. “La portada es un giro artístico sobre los mapas náuticos, donde los puntos y las líneas de puntos suelen representar información posicional. Los puntos forman una figura abstracta que funciona tanto como olas del mar como un ala (el clímax del álbum ocurre cuando el narrador se encuentra con un dragón marino mítico llamado bakunawa que provoca el fin del mundo). La portada también se parece un poco a un ala de dragón, lo cual es genial”. Harry Wilkinson de Maruja contribuye significativamente al álbum, lo que nos lleva a…
### 1. Maruja, *Pain to Power*
Maruja describe la portada de su álbum debut, *Pain to Power* —a la vez impresionante e inquietante— como “ubicada incómodamente en un punto intermedio entre mundos, inquietantemente familiar pero abrumadoramente desconocida”. La banda de jazz-punk de Mánchester ya estuvo en nuestra lista del año pasado por la fotografía de su EP *Connla’s Well*, pero esta portada existe en un plano propio. Fue creada por Mikey Thomas, un amigo de la infancia cuya práctica comparte las mismas raíces, historias y folclore que la música de la banda.
“Mikey es alguien que conocimos creciendo en Stockport tocando en bandas, pero cuando seguimos caminos separados hace unos años, nosotros nos dedicamos a perfeccionar nuestro arte musical”, explicó la banda. “Mikey se adentró en el mundo del arte visual. Aún honrando la misma filosofía que aprendió como músico —una filosofía que compartimos y mantenemos—, similar a nuestro proceso de escritura, Mikey se basa en la improvisación. Al conectar con el estado de *flow* y permitir que las herramientas de quienes te rodean canalicen el trabajo, este arte posee la verdadera esencia de la creatividad. No podíamos pensar en nada que encajara con la música de forma tan única como esta obra; eleva y completa el mundo de *Pain to Power*, algo que solo el gran arte puede lograr”.
Thomas reflexionó sobre la colaboración en una publicación de Instagram, diciendo: “La primera vez que escuché el álbum fue el día que la banda terminó de grabarlo en el estudio. Lo escuchamos completo juntos esa misma noche. Inmediatamente tuve claro —por los destellos de imágenes que evocaba en mi mente— que mi trabajo era habitar el mundo de este álbum e intentar extraer y cristalizar algunos de los destellos que veía de este mundo enormemente rico y profundo que habían creado”. Añadió: “Cada acto de creación y traducción revela y distorsiona el mundo del que surge. La pintura me ha hecho sensible a este proceso y igualmente escéptico ante las categorías. Veo estas obras casi como subproductos capturados, fragmentos ralentizados del álbum filtrados a través de una forma de rima visual y auditiva”. Claro que si, aquí tienes la versión en español:
Para entender bien cómo funciona el cambio climático, es fundamental recordar un concepto simple: el efecto invernadero. Imagina que la atmósfera de la Tierra es como una manta que nos cubre. Sin ella, el calor del sol se escaparía y nuestro planeta sería demasiado frío para vivir.
Lo que pasa ahora es que actividades humanas, como quemar combustibles fósiles, están añadiendo demasiados gases de efecto invernadero (como el dióxido de carbono) a esa “manta”. Es como ponerle capas y capas adicionales. El resultado es que más calor queda atrapado, haciendo que la temperatura global suba, un fenomeno conocido como calentamiento global.