El jazz es una música de presencia. Vive en el momento de su creación, en el aliento que precede a una frase, en el energía que se intercambia entre los músicos que escuchan con la misma atención con la que tocan. Es una música que prospera en la apertura y la capacidad de respuesta. Sin embargo, las historias que se cuentan sobre el jazz no siempre han reflejado esa misma apertura. Muchas de las mujeres que moldearon esta música en momentos cruciales a menudo han sido incluidas en la historia solo como notas al margen, voces secundarias o anomalías excepcionales. Esta exposición las devuelve al centro. Reconoce que su trabajo no estaba simplemente al lado del jazz. Formó el jazz.
Cuando me pidieron que diseñara la identidad visual de *El Ritmo es Mi Asunto*, entendí desde el principio que este trabajo no era solo diseño gráfico en el sentido tradicional. Era un acto de enmarcar la historia. Se trataba de cómo el público se encontraría con la historia. La pregunta era cómo crear un lenguaje visual que apoyara el reconocimiento de estas mujeres sin reducirlas a símbolos o reintroducir la jerarquía que las había oscurecido en primer lugar.
Mi proceso comenzó no con imágenes, sino con sonido. Pasé tiempo escuchando las grabaciones presentadas en la exposición. Algunas eran sesiones de estudio. Otras eran transmisiones en vivo donde los aplausos eran débiles, pero la sensación de intimidad era fuerte. Escuché buscando patrones en las frases. Presté atención a las pausas y a las notas sostenidas. El jazz a menudo avanza no acelerando, sino permitiendo que el tiempo se expanda. Quería que el diseño reflejara esa cualidad. Los momentos más poderosos a veces son los que se toman su tiempo.
Esto llevó a una identidad visual construida alrededor del espaciado, el ritmo y la cadencia del texto. En lugar de tratar la tipografía como un mensaje estático, el diseño la considera una interpretación. La forma de una palabra en una página puede ralentizar al lector o dejarlo deslizarse. Un salto de línea puede imitar la toma de aliento antes de un riff vocal. Las disposiciones verticales sugieren la altura de una frase que se eleva, mientras que los márgenes generosos dan espacio para la interpretación. No se apresura al espectador. El diseño le permite llegar al significado gradualmente, a su propio ritmo. Cuanto más lenta es la lectura, más presencia trae el espectador.
El color juega un papel igualmente intencional. La paleta se inspira en archivos fotográficos que muestran salas de ensayo, ambientes de clubes y espacios después de horas donde los músicos se reunían lejos de los focos. En las etapas finales de desarrollar la paleta de la exposición, elegí un azul con un nivel medido de saturación. El azul ha estado asociado durante mucho tiempo con el jazz, no como un símbolo, sino como un registro emocional. El término “notas azules” se refiere a la flexión del tono, el ligero cambio del tono esperado que aporta intimidad y vulnerabilidad a la música. El color sugiere memoria, reflexión y vida interior. Permite espacio para que el espectador sienta, en lugar de ser instruido.
A través del sistema visual, el azul se convierte en un entorno que acoge el trabajo de estas artistas con respeto. Crea un campo donde la historia puede ser encontrada con cuidado.
Trabajar en la Biblioteca Pública de Nueva York para las Artes Escénicas hizo que este enfoque no solo fuera apropiado, sino necesario. La Biblioteca es una institución pública con una misión directa: custodiar la cultura para todos. Este entorno moldea cómo funciona el diseño. No puede ser autoritario. No puede dar conferencias. Debe ofrecer espacio para el descubrimiento.
Nuestro equipo trabajó estrechamente con los departamentos curatorial, de archivo, de fabricación y administrativos para entender cómo se experimentaría la exposición. El diseño necesitaba hablar claramente a los visitantes que podrían entrar por casualidad, y también ofrecer matices a académicos, músicos, estudiantes y artistas que vienen con conocimiento previo. Ese equilibrio era esencial. Una institución cultural pública no es un museo de objetos estáticos. Es un lugar donde el aprendizaje es continuo y la comprensión es en capas.
Las artistas destacadas en esta exposición llevaban cada una un mundo de influencia. Billie Holiday cambió el vocabulario emocional del canto. Mary Lou Williams formó generaciones de músicos a través de la composición, la tutoría y los arreglos. Melba Liston desarrolló arreglos para vientos que siguen siendo fundamentales para la orquestación de jazz. Ella Fitzgerald creó un estándar de claridad vocal e improvisación que sigue sin igual. Betty Carter redefinió la dinámica de la frase y el aliento. Toshiko Akiyoshi construyó toda una orquesta alrededor de una visión personal que expandió la identidad del jazz más allá de las fronteras nacionales. Estas mujeres no simplemente participaron. Crearon direcciones.
Sin embargo, sus historias también contienen realidades de exclusión, oportunidades restringidas y la necesidad de sostener una convicción artística en entornos que no siempre las acogieron. Parte de diseñar esta exposición significó reconocer estas complejidades sin reducir a estas mujeres a narrativas de lucha. El diseño honra su musicalidad, liderazgo, rigor intelectual e influencia cultural. Su resiliencia se entiende a través de su trabajo, no se impone como un resumen de sus identidades.
La ubicación de esta exposición en el corazón del Lincoln Center tiene un significado cultural particular. Lincoln Center es un centro simbólico de la historia de las artes escénicas estadounidenses. Presentar la exposición aquí ofrece una visibilidad que integra las contribuciones de estas mujeres en la vida cultural continua de la ciudad. Los visitantes pueden venir a escuchar a la Filarmónica, a asistir a actuaciones de jazz, a ver ballet, a estudiar en la Biblioteca o simplemente a caminar por la plaza. Se encuentran con la exposición en un espacio cultural común compartido. Esto invita al reconocimiento sin ceremonia. La exposición se convierte en parte del movimiento diario. Se vive.
Mientras la identidad visual se extendía a banderas, señalización exterior, gráficos interiores, materiales impresos y comunicación digital, la intención fue siempre mantener la claridad y la dignidad. Nada en el diseño busca atención a través del espectáculo. El trabajo busca ser visto, pero no por la fuerza. La presencia es constante. Reconoce a las artistas en lugar de hablar por encima de ellas.
Creo que el diseño en este contexto se convierte en un acto de cuidado cultural. Apoya la visibilidad sin imponer una narrativa. Permite que la historia respire. Proporciona espacio para que el espectador se dé cuenta de algo por sí mismo. Cuando los visitantes dicen los nombres de estas mujeres en voz alta en una conversación, cuando recuerdan una letra o una frase, cuando van a casa y buscan una grabación que nunca antes habían escuchado, la exposición continúa haciendo su trabajo.
El jazz no ha terminado. Todavía se está haciendo, reinterpretando y viviendo. Estas mujeres no son figuras del pasado. Siguen activas a través de la influencia, la transmisión, la memoria y el sonido. Su ritmo continúa en los músicos que aprenden de ellas, en los oyentes que encuentran resonancia en sus voces y en los espacios culturales que honran su presencia.
Esta exposición es una forma de asegurarse de que su ritmo siga siendo escuchado. Invita al visitante a relentizarse, a mirar de cerca, a escuchar con intención. Ofrece espacio para el reconocimiento. Sacan a la luz lo que siempre ha estado ahí.