Rian Bobbitt-Chertock, la artista radicada en Oakland que hace música como Maria BC, recuerda la primera vez que escuchó la música de Marissa Nadler hace como una década, cuando salió Bury Your Name. En una publicación de su boletín anunciando su gira actual con Nadler, este alumno de Artist Spotlight describe haberse sentido impactado por la calidad fantasmal y elevada de sus canciones, destacando ‘Weightless Above the Water’, donde Nadler canta, “Estoy fuera de alcance aquí pero más cerca de la luna/ Me prohibieron intentarlo una y otra vez”. Es fascinante, entonces, como lo cósmico y lo prohibido se intersectan en el proceso creativo de Bobbitt-Chertock, que lo compara con estar en una nave espacial iluminada por un montón de velas. Marissa Nadler se identifica. Ella ve a Maria BC como un alma gemela, una música más joven que también tiene un pie en la vanguardia pero muestra amor por la composición clásica – más que nunca en su fantástico tercer álbum Marathon, que sale este viernes por Sacred Bones, el mismo sello para el que Nadler graba desde que la descubrieron.
En la última entrega de nuestra serie In Conversation, Marissa Nadler y Maria BC hablan de su relación con la interpretación en vivo, los sueños, la autoproducción y más.
¿Cómo se sienten ambas con la gira hasta ahora? Marissa, sé que para tu último disco, New Radiations, parte de la intención era que fuera más sencillo de tocar en vivo. Y Rian, tu nuevo álbum Marathon aún no ha salido, pero tengo curiosidad por saber cómo tocar en vivo ha afectado tu relación con la música.
Marissa Nadler: Solo para aclarar, creo que dije eso en una entrevista, pero se malinterpretó. Mi proceso creativo definitivamente no está vinculado a cómo lo presentaré al mundo, pero una vez que me di cuenta de que las canciones sonaban bien de forma despojada, entonces pensé, esto no es necesariamente algo malo. Con el disco anterior [The Path of the Clouds], hay tanta producción y músicos y estrellas invitadas que era muy difícil darle vida a esas canciones en un escenario. Realmente nunca pude presentar la belleza de las capas en vivo, así que el nuevo disco definitivamente fue más fácil para ese propósito. Pero algo que me parece interesante de Rian y de mí – Maria está produciendo sus propios discos ahora y siempre lo ha hecho, y eso es algo que yo empecé a hacer más tarde en mi carrera, en los dos últimos. Tengo mucha curiosidad por tu proceso de grabación y producción, después de que hablemos de esta gira.
Rian Bobbitt-Chertock: Llevar las cosas al escenario en vivo siempre es complicado para mí, porque me encanta tener mis voces muy superpuestas. Creo que se pierde un cierto efecto de la música si eso no está. He hecho prueba y error, intentando diferentes formas de incorporar eso al show en vivo, especialmente cuando toco sola. Por complicado que eso pueda ser a veces, al final se siente muy bien asumir ese desafío, especialmente ahora, cuando este álbum, Marathon, está a punto de salir pero aún no está disponible. Estoy en un lugar donde he escuchado las canciones del álbum tantas veces, especialmente por haberlo grabado y producido yo misma. Puedes sobreescuchar algo y eso destruye tu relación con ello temporalmente, pero luego armar el set en vivo puede reconectarte emocionalmente con la música y rehabilitar algunas cosas. Además, interpretar la música y escucharla yuxtapuesta y en conversación con la música de Marissa es muy especial, y creo que resalta aspectos diferentes de las canciones.
Marissa, para responder a tu pregunta, interpretar mi música en vivo es algo que llegó muy tarde para mí, y todavía se siente muy nuevo. Creo que estaba en los primeros años de secundaria cuando conseguí GarageBand y empecé a grabar en casa, y la grabación casera fue algo constitutivo junto con escribir canciones. Una cosa permitía la otra, y fue, durante mucho tiempo, esta especie de cosa prohibida que hacía en los espacios entre otras cosas que tenía que hacer o sentía que debería estar haciendo o enfocándome. La forma en que me siento cuando entro en el espacio de grabación que he preparado para mí, es como si estuviera en mi nave espacial [se ríe], mi mundo de fantasía que es prohibido y solo yo lo entiendo. Tengo el control total, y es como un espacio de juego infantil. Pero también muy oscuro, y enciendo un montón de velas. ¿Cómo ha evolucionado eso para ti?
MN: Esta gira me parece particularmente interesante porque somos almas gemelas musicales, y hay una brecha generacional entre nosotras. Lo que decías sobre poner nuestras voces, que a menudo están muy superpuestas en los discos, en un entorno en vivo – eso también ha sido un desafío para mí, aceptando lo que puedo y no puedo hacer en vivo, y aceptando que será diferente, que no va a haber diez Marissas o todos estos coros. Intentar elegir la esencia de las canciones, y sabiendo que la gente, cuando ve música en vivo, quiere escuchar algo un poco distinto. "Está bien ser cruda" es algo que he aprendido más tarde en la vida.
Dijiste que para ti actuar llegó más tarde que grabar – desearía, en cierto modo, que ese fuera mi caso, porque todavía soy muy tímida, y tenía tanto pánico escénico que mis primeros años estuvieron realmente marcados por eso. La invención de tanta tecnología de grabación que ha surgido durante mi carrera me ha dado valor y me ha permitido mejorar mucho en el escenario. Cuando estaba en la secundaria, tenía una grabadora de cuatro pistas con un cassette – no fue hace tanto, pero hay que recordar, internet es un invento bastante reciente, así que cuando yo estaba en la secundaria, teníamos una clase real sobre lo que era un motor de búsqueda. No tuve un celular hasta el final de la universidad. Cuando finalmente conseguí GarageBand, era muy mala usándolo. Pero en estos últimos ocho años, aprendí Pro Tools y me cambió la vida. Lo que dijiste sobre "estar en mi nave espacial, en mi mundo de fantasía" es muy parecido para mí, y poder tener por fin las herramientas para grabarme sin que otras influencias dañen mi visión creativa ha sido increíble.
Me parece genial que hoy en día la gente pueda crecer y, desde muy joven, tener acceso a tecnología tan buena para hacer grabaciones de alta calidad sin pagar un productor que te diga qué hacer o que bajes la reverb. Creo que tenemos mucho en común en eso. Lo interesante de ser músicos más o menos ambient los dos es que, sin los efectos y sin esas capas de ensueño, tu música sigue siendo muy sólida, incluso si la tocaras acústica en la calle. Para mí, eso es la marca de un gran compositor.
RBC: ¡Gracias!
MN: A mí me costó mucho —al principio nunca tocaba sin como ocho segundos de reverb en la voz. Luego, ya mayor, hice esa canción con John Cale sin nada de reverb y la gente respondió muy bien. Me enseñó que puedo jugar con eso, sorprender un poco quitando el velo. Ha sido muy interesante ver las diferentes versiones de tu proyecto, incluso en esta gira. Son un montón de preguntas y respuestas juntas, pero así es una conversación, ¿no?
RBC: Sí. Ah, gracias, eso se oye muy bien. Sí se siente como quitar un velo, y requiere un salto de fe confiar en que lo que la gente conecta en la música es el material, y también alguna cualidad inefable que viene del cuerpo, no de la producción. Tu voz tiene una cualidad muy poderosa, es espiritual por sí misma, más allá de la reverb. El alma, el timbre de la voz de una persona —eso no se puede imitar o quitar con ciertos efectos, ni fingirlos tampoco.
MN: Te entiendo. Algunos de mis músicos favoritos, incluso colegas a los que adoro ver en vivo, como Angel Olsen —es amiga mía—, la he visto tocar en salas pequeñas sin reverb, y luego con sus seis segundos de reverb. Para mí es lo mismo, porque es esa voz, es la composición. Entonces, cuando antes mencionaste "prohibido" —me interesa mucho tu crianza y quería preguntarte un poco. Sé que eres de Ohio. Sé que tomaste lecciones de canto de niña. Leí tu Wikipedia.
RBC: Oh, no. [risas]
MN: Porque acabamos de conocernos en esta gira y no hemos hablado de nuestra infancia. ¿Tu familia apoyaba esta carrera musical?
RBC: Digamos que el camino que tomé fue inesperado, pero la música siempre fue importante. Mi papá es músico, mi mamá actriz, y crecí cantando y actuando mucho en la iglesia. Me crió principalmente mi mamá, y ella siempre me animó a cantar, pero lo de componer canciones fue algo inesperado. Y ahora, sí, tengo su apoyo.
MN: Eso es genial.
RBC: Fui hija única de una madre soltera, y tenía mucho tiempo sola para explorar un mundo interior. Cantaba para mí misma todo el tiempo, como para hacerme compañía y profundizar en mi mundo interno. Creo que de ahí sigue saliendo la música. Sí. Para ti, cuando eras niño en tu casa, ¿de dónde te llegaba la música? ¿Cómo era tu relación con ella?
MN: Mis padres eran hippies de verdad, así que nos llevaban a muchos conciertos buenos. Mi primer concierto fue Jethro Tull y Procol Harum. Fuimos a ver a los Rolling Stones. Fui a ver a Neil Young en solitario con ellos en la secundaria. Son grandes fans de la música, y mi mamá quería ser cantante en un grupo en la escuela, pero nunca la he oído cantar. Dice que tenía un soprano precioso, pero no sé, nunca canta. Pero eran hippies, así que tenían una gran colección de discos. Y mi hermano tocaba la guitarra en una banda de jam en la secundaria.
Siempre me encantó cantar, pero nunca tomé lecciones de música ni de canto, porque yo era la artista —pintaba, era la niña de la sala de arte, y demasiado tímida para el coro. A los 13 años empecé a tocar la guitarra como diestro, aunque soy zurda, porque era la que había en casa. Tenía un cancionero de Bob Dylan con todas sus canciones, y así empecé a tocar, leyendo cancioneros y tablaturas, y pronto empecé a escribir canciones. Intenté tomar clases. Ahora, como educadora artística, he entendido mucho sobre los estilos de aprendizaje de ciertas personas creativas y por qué las clases de música no funcionaron para mí. Pero en ese entonces, yo pensaba: "No quiero aprender el ‘Himno a la Alegría’, ya estoy escribiendo estas canciones locas". Tendría como 12 años.
Mi hermano es un escritor increíble, y él es el responsable de que me centre tanto en las letras. Cuando era niña —te lo conté anoche— él tomaba las portadas de los discos de vinilo y recuerdo claramente que me decía: "¿Qué ves? ¿En qué mundo estás?". Y me ayudaba a escribir cuentos cortos. Ahora puedes encontrar sus libros en las librerías, es un novelista reconocido, pero en aquel entonces, yo solo sentía envidia por lo buen escritor que era. Pensé: "Vaya, ojalá pudiera escribir así de bien". Pero claro, es porque él trabajó mucho en ello, y soy un firme creyente de que cuanto más trabajas en algo, mejor te vuelves. No creo que el primer disco de una persona sea su mejor obra.
RBC: Sí.
MN: Pues con la nueva escritura, especialmente en los dos últimos discos, he analizado minuciosamente cada sustantivo, cada verbo, cada adjectivo. Stuart me dio un consejo cuando tenía problemas con algunos significados en este disco de ciencia ficción-fantasía que hice, y me dijo: "Revisa cada sustantivo". Realmente lo hice, y es divertido tener ese tipo de artesanía, no solo en una pintura, sino en las propias letras. Respeto mucho todos los elementos de una canción, ya sea la duración del verbo, el giro de la frase, el estribillo, el puente.
RBC: Esto me hace querer preguntarte muchas cosas. Retomando lo último, me parece muy bonito que tengas la influencia de un escritor de prosa en tu trabajo. También tengo curiosidad por saber cómo comparas la experiencia de escribir letras con la de escribir historias y textos, porque para mí son medios muy diferentes. Con las letras, tienes que pensar en donde encajan las sílabas y en tu voz. ¿Cuánto influye la relación entre las palabras y la melodía cuando escribes una canción?
MN: Es una verdadera lucha constante. The Path of the Clouds es mi disco más narrativo, hay una canción sobre D.B. Cooper, otra sobre los fugados de Alcatraz, otra sobre Bessie Hyde. Quería incluir todos esos detalles, así que me centré mucho en la historia. Pero luego, para encontrar el gancho o el coro, es un tira y afloja; no creo que nadie escuche la canción de Alcatraz y sepa que trata de eso. Probablemente yo sea la única persona que lo sabe, porque me gustó como sonaba "Did you give up the ghost". En este nuevo disco, me incliné más por el sonido de las palabras. Es una batalla feliz, pero la mayoría de las veces elijo lo musical sobre lo analítico. Si me gusta cómo suena algo, aunque no tenga sentido, digo: "Bueno, suena genial, así que lo dejaré". Esa es la licencia creativa. Sigo divirtiéndome mucho escribiendo canciones: ahí es cuando sabes que has elegido el camino correcto.
Marathon es tu tercer disco oficial que sale el 27, y es tu año 27 de vida. Cuando hice mi primer disco, Ballads of Living and Dying, todavía estaba en la escuela de arte. Lo escribí a máquina; era una verdadera ludita. Pensaba: "La tecnología va a arruinar el universo", y todavía lo pienso un poco. Pero no pensé que nadie fuera a escuchar ese disco. Creía que sería pintora. Pensé que era imposible que esta música tan rara, conmigo cantando canciones de Pablo Neruda y canciones marineras – había muchas cosas raras en el álbum –, coincidiera justo con un momento de auge del folk psicodélico. Esto fue en 2003, incluso 2002. Cuando hiciste tu primer disco, ¿sabías que la gente lo escucharía, o lo hiciste en esa burbuja donde era solo tu bálsamo privado? ¿Y te sorprendió que la gente lo escuchara?
RBC: Primero saqué un EP, que se llamaba Devil’s Rain. Cuando lo hice, lo autoedité. Creo que tardé tres semanas en hacerlo, y fue realmente yo trabajando en mi espacio privado. Era solo para mí, y realmente no pensé que nadie lo fuera a escuchar. Alguien se fijó en él, y luego hice el primer álbum, Hyaline, pensando: "Puede que alguna gente que no conozco escuche esto". No pensé que tendría mucha repercusión. Me ha sorprendido y encantado sin cesar el interés de la gente en lo que intentaba hacer.
También preguntaste cómo se siente ahora, con tres álbumes, y diré que nunca deja de sentirse bien hacer música, es emocionante y también un desafío. Pero surgen nuevos retos constantemente, y tener público es parte de eso. Tal vez me ha hecho obsesionar con ciertos detalles que antes no hubiera considerado, lo cual es para mejor, creo. Pero en este punto, he entrado en un territorio nuevo e interesante donde antes sentía que cada vez que escribía una canción era un milagro. Ahora sé que puedo hacerlo, así que tengo que crearme obstáculos o algo así. Cole Pulice, que toca el saxofón en el nuevo disco, empezó a tocar la guitarra hace un par de años, y me contaba que era muy emocionante experimentar con la guitarra. Siente que tiene mucha memoria muscular, e incluso "bagaje" con el saxofón, simplemente porque es un instrumento que conoce tan bien y con el que ha compuesto tanto. Tener este nuevo paisaje físico con la guitarra le abre cosas nuevas. Me pasa algo similar; ahora tomo la guitarra y me resulta muy familiar, así que tengo que probar cosas nuevas.
MN: ¿Es por eso que experimentas con afinaciones abiertas, por ejemplo?
RBC: Sí, exacto. Eso ayuda mucho.
MN: A mí me pasa lo mismo. Me aburro mucho gravitando hacia lo mismo por la memoria muscular. Ya me cansé de DADFAD, el re menor abierto, que es mi afinación favorita. No sé si lo sabes, pero si vas a la página web oficial de Joni Mitchell–
RBC: ¡Sí, recuerdo que lo dijiste!
MN: Puedes ver todas las afinaciones, y son una locura. Es difícil usarlas en vivo. Necesitas como 8 guitarras. O, no sé, tú pareces cambiarlas bastante rápido. Pero pienso que las afinaciones abiertas son una forma genial de obligarte a encontrar nuevas maneras de acercarse a una canción.
RBC: Quiero saltar a algo que tengo ganas de preguntarte, que es tu formación y vida como pintora. ¿Cómo han co-evolucionado tu música y tu arte, si es que lo han hecho? ¿Se han influenciado mutuamente?
MN: Cuando escribo letras, todo es basado en escenarios. Por ejemplo, en ‘Bessie, Did You Make It?’, mis letras son muy pictóricas, creo yo, simplemente porque cuando miro afuera, quiero tomar una foto de todo lo que veo. Pintar y dibujar fue mi primer amor. Mi madre es artista, pintora abstracta, así que toda mi infancia fue solo dibujar y pintar. Mi música, a medida que se ha vuelto más etérea y ambiental, algunos de mis nuevos cuadros de paisajes desolados se han degradado hasta el punto de la nada, lo cual me da gracia. En el instituto, hacía estos retratos realistas muy detallados al carbón, y ahora es un lavado de nada. Me hace mucha gracia que si vinieras a mi casa, todo es blanco y desolado, y no hay ni un poco de color en toda la casa. Es como mi monasterio zen.
Musicalmente, voy por ese camino – no estoy segura de qué dirección tomará mi próximo disco, pero sé que para tener longevidad como músico, tienes que innovar. The Path of the Clouds fue un disco súper psicodélico y muy Pink Floyd; desafortunadamente, salió durante la pandemia, así que ojalá más gente lo hubiera escuchado. Todavía hay tiempo. Pero creo que este próximo va a ir al territorio de la nada de Harold Budd – o súper ambiental o súper jazzy. Son como el mismo cerebro, para responder tu pregunta. No hay separación entre los dos, y eso es muy claro en mis vídeos musicales, los cinco que he hecho hasta ahora.
RBC: ¿Pero sientes que hay ideas o partes de ti misma que puedes explorar en un medio, pero no en el otro? ¿O ambos sientes que ofrecen posibilidades infinitas?
MN: Ese cliché, una imagen vale más que mil palabras, es muy cierto. Puedes tener una fotografía que es tan icónica que captura la esencia de todo lo que has querido decir. Muy similar a un poema, incluso uno corto, como un poema de Emily Dickinson, puede abarcar tanto. Parte del desafío con la composición de canciones es que no tiene que ser una historia, puede ser solo una pequeña cantidad de palabras, así que es como, "¿Cómo tomas esa única foto?" Una de mis fotógrafas favoritas es Francesca Woodman.
RBC: Oh, me encanta ella.
MN: La adoro. Fuimos a la misma escuela de arte, y ella tomó muchas de esas fotos donde yo estudié. La cualidad fantasmal de sus fotos – ni siquiera sé cómo describirla. Por eso las diferentes formas de arte todavía existen y tienen su lugar. ¿Por qué la gente todavía pinta si puedes tomar una foto? Soy profesora de pintura cuando no estoy de gira, así que hablo de eso mucho con mis estudiantes: el desafío de dejar atrás el realismo, el desafío de no estar atado a la representación. Es lo mismo en la música, por qué la música vanguardista – creo que tú y yo tenemos un pie en los mundos vanguardistas, un poco de cruce, donde mis primeras giras fueron con Sun O))) y Earth y Boris, todas esas bandas locas. Obviamente amo la composición clásica, pero también me encantan las cosas raras. Sé que no te hemos dejado hablar nada, pero esto está bien, ¿verdad?
Lo está. Este es un ida y vuelta tan hermoso que realmente no siento necesidad de intervenir. Un tema que quería mencionar, por si no sale naturalmente, son los sueños. Rian, en nuestra última conversación, dijiste que te encanta hablar con la gente sobre sus sueños, los cuales se filtran en vuestros últimos discos, pensando en las canciones ‘Bad Dreams Summertime’ y ‘Night & day’. ¿Es eso algo que te gustaría discutir, incluso en lo que respecta a afectar vuestro día a día en la gira?
RBC: Por mi parte, con ‘Night & day’, algo que me ha estado pasando los últimos años es que no he estado recordando mis sueños, lo que para mí se siente como una gran pérdida. Me despierto temprano para mi trabajo y empiezo mi día inmediatamente, y creo que es cierto que para recordar tus sueños, debes tener la práctica de escribirlos y dedicarles un momento al despertar por la mañana. Y creo que siempre ha sido verdad que los artistas están muy influenciados por su vida onírica. Me parece triste que haya estado perdiendo el acceso a eso, y la canción toca ese sentimiento. La letra dice, "Y en la luz, trato de recordar" – el momento de sentarse en la mañana y tratar de recordar la noche, que es el tiempo divino. Es cuando estás más en contacto con partes ocultas de ti mismo y del mundo.
Pero en esta gira, no he estado saltando de la cama tan temprano en la mañana – a veces sí, pero no siempre – así que he estado quedándome más quieta en el momento de despertar. Y he estado descubriendo que he estado reteniendo más mis sueños y sintiendo más como si la sensación o el timbre de ellos resuenan durante el día. Esa es una de las muchas cosas que me ha encantado de estar en la carretera. ¿Y tú, Marissa?
MN: Parecido, ya no recuerdo mis sueños a menudo, lo cual es una pena. Quizás esto suene un poco como una respuesta evasiva, pero siento que el mundo despierto a menudo se siente como un sueño. Creo que cuanto más tiempo vivo, a más lugares voy, más raro se vuelve el gobierno aquí, todo se siente muy surrealista. A menudo siento que me estoy disociando y procediendo por la vida en un estado de ensueño. Marissa Nadler (MN): Como en ese primer concierto en Asheville, donde tuve problemas porque no tenía mi atril para la música, y es como mi mantita de seguridad. Mi compañera, Milky, me decía: "No necesitas eso, tú escribiste estas canciones". Y yo pensaba: "Sí lo necesito ahora mismo". Porque empiezo a divagar, y durante ese show, sentí mi alma claramente por encima de mi cuerpo. Intento mantenerme atada al suelo la mayoría del tiempo, pero ver el mundo de esa manera puede ser muy divertido para la creatividad. Pero sí creo que hay una cualidad de sueño en nuestros dos mundos musicales, por nuestro amor a la ambientación y la atmósfera que puede trasladarse.
RBC: Has mencionado sentir que hay un arco en ti, con el tiempo, encontrando tu voz. Tengo curiosidad por si hubo un momento específico en que sentiste que te asentaste en ella, y también, si te sientes cómoda compartiendo cómo se siente eso en tu cuerpo – dónde vive tu voz.
MN: Esa es una gran pregunta. Escuchando mi trabajo anterior, es interesante, el primer disco suena un poco como yo ahora, en cierto modo. Suena natural. Pero luego el segundo disco y el tercero, Saga of Mayflower May y Song 3: Bird On the Water – ahí fue cuando otra gente empezó a escucharme, y recibí críticas, y empecé a escuchar la influencia de los demás. Little Hells también. Como todos los cantantes, tengo un poco de afectación en esos tres discos. Si escuchas el primer disco de alguien como Bob Dylan, él estaba obsesionado con Woody Guthrie, y podría poner un montón de ejemplos. En el segundo disco, yo acababa de hacer una gira con Josephine Foster, y pensaba: "Me encanta su voz rara, y yo también quiero ser cantante de ópera". Tenía 22 años. Era tan joven cuando los hice que, al escucharlos ahora, las canciones siguen siendo buenas, pero solo puedo oír afectación.
Y luego escribí July, y ahí es donde creo que encontré mi verdadera voz. Soy una gran defensora de los trabajos de etapa tardía, porque algunos de mis discos favoritos de Joni Mitchell son de esa etapa. La he escuchado toda mi vida: puedo trazar la trayectoria desde su idealismo romántico de los primeros trabajos, hasta una misántropa desencantada, luego una chica de fiesta con problemas de drogas, hasta una forma de aceptación. Es tan interesante escucharla crecer a través de esos discos, y puedo oír eso en mí también. Finalmente tengo edad suficiente para no sentir vergüenza ajena al mirar atrás a mis primeros trabajos.
En cuanto a dónde se sitúa mi voz en mi cuerpo ahora, estoy cantando mucho más desde la voz de pecho. Antes tenía solo voz de cabeza, pero ahora empujo más desde el diafragma, así que tengo más potencia y más control. Incluso puedo hacer yodel ahora.
RBC: Ah, genial.
MN: Porque hay dos voces, la de pecho y la de cabeza, y el concepto del yodel es lanzarla de una a la otra. No fue hasta la segunda mitad de mi carrera que realmente encontré mi voz, y mis últimos cuatro discos me gustan más que los primeros. Tú has tenido un comienzo increíblemente fuerte, así que será muy interesante ver tu trayectoria y a dónde irás musicalmente. Tenía una última pregunta para ti, porque esta es tu semana de lanzamiento, y es un gran momento. ¿Cuál es la sala más grande en la que te gustaría tocar si, digamos, este disco explota? ¿Podrías verte llevando este proyecto a una sala grande, o prefieres las más íntimas?
RBC: Me siento muy atraída por los espacios íntimos. Estoy probando algo nuevo – cuando vuelva a casa, a la Costa Oeste, voy a formar una banda de cinco músicos para los conciertos de presentación del disco, y nunca había hecho esto antes, así que puede que revele algo. Estoy muy ilusionada con eso, pero el concierto que daré en San Francisco es en un cine con aforo para 100 personas, un espacio que me encanta y es íntimo. Lo elegí por eso, y no me veo realmente en un espacio grande. [ríe] Otra cosa es que me gusta sentirme cerca del público.
MN: A mí también.
RBC: Además, para sentirme un poco envuelta, tal vez. Me gusta – creo que compartimos esto – cuando la iluminación es más difusa, y es difícil imaginar conseguir un efecto que deseo a gran escala. También creo que es un medio totalmente diferente. No he ido a muchos conciertos en arenas en mi vida – bueno, he ido a uno de adulta, y fue un show de Björk. Y todo el tiempo pensaba, esto es un universo completamente diferente a pensar en la música.
MN: Yo sí creo que es possible. Vi a Neil Young en el instituto tocar acústico con luz de velas, solo él, una guitarra y tres pianos y órganos diferentes. Y el público estaba en silencio absoluto. Vi a Elliott Smith en el instituto; tuvo una gran influencia en mí. Creo que es posible conseguir ese público silencioso e íntimo a gran escala, pero será interesante verlo, porque el concepto de tocar frente a un grupo grande de gente me aterra. He hecho algunos conciertos como telonera para bandas grandes, y era demasiado para mí.
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Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad y brevedad.
New Radiations de Marissa Nadler ya está disponible. Marathon de Maria BC sale el 27 de febrero. La verdad es que la inteligencia artificial está cambiando mucho nuestras vidas. Por ejemplo, ahora los asistentes virtuales pueden ayudarnos con tareas cotidianas, como poner recordatorios o buscar información en internet. Además, en el campo de la medicina, se utiliza para analizar imágenes y detectar enfermedades más rápido y con más precisión. En el futuro, probablemente veremos aún más avances que nos sorprenderán. Es importante que aprendamos a convivir con esta tecnología y aprovechar sus beneficios, pero también debemos ser conscientes de sus posibles riesgos y usarla de manera responsable.