Los 50 Mejores Temas Musicales del 2025

Sister., ‘Two Birds’

De una manera extraña y pequeña, ‘Two Birds’ empieza *in medias res*: “Entonces ella me dijo que estamos de luto / Y se queda en el aire”. Hannah Pruzinsky y Ceci Sturman, quienes lideran la banda indie de Nueva York Sister. y cuyas voces se entrelazan en la canción, cantan sobre dejar su antiguo apartamento y tener que vivir separadas por primera vez en casi una década. ‘Two Birds’ cristaliza el momento en que un dolor compartido se vuelve tangible y abrumador, flotando en el ambiente pero reverberando en el cuerpo – en ambos cuerpos. Deciden ir al cumpleaños de una amiga, solo para terminar volviendo a su sala de música ya empacada y crear algo: “Te necesito en la última noche / Para escribir el resto”. El resto de la banda conjura una intimidad difusa, el ruido más hermoso, como si estuvieran formando costra en esa vieja herida, o echando un último vistazo a su alrededor.

43. Sharon Van Etten & the Attachment Theory, ‘I Want You Here’

En mi reseña de Sharon Van Etten & the Attachment Theory, intenté explicar qué hace de ‘I Want You Here’ un final tan monumental en el proyecto colaborativo de la estrella de indie rock con sus compañeros de banda. Quizás se trata de sentirse atraído por canciones sobre pararse al borde de la Tierra, pero casi un año después de escucharla por primera vez, todavía me hace llorar. Al no ser un sencillo, puede tener una fracción minúscula de las reproducciones que tiene la canción más popular de Van Etten en YouTube (el ya icónico ‘Seventeen’), pero estoy seguro de que no soy el único. El romanticismo desafiante de ourculturemag.com/musician/sharon-van-etten – el anhelo que permanece firme y total ante un daño incalculable – se resume en esta declaración abierta: “Prepara el escenario / Un momento”. Para mí, suena a un suspiro del cielo.

42. Wolf Alice, ‘Bloom Baby Bloom’

Lo primero que debe venirte a la mente cuando entra ese riff de piano jazzy: Esto pega duro. Ellie Rowsell rápidamente capta tu atención con versos como, “Maldito bebé, bebé hombre”, luego atraviesa la fachada mientras aulla, “Estoy tan enferma y cansada de intentar ponerme dura”. Al hacer su nuevo álbum *The Clearing* producido por Greg Kurstin, la vocalista de Wolf Alice intentó evitar la guitarra como forma de rechazar el cliché de la “chica cantante en una banda”, resultando, al menos en el primer sencillo ‘Bloom Baby Bloom’, en su interpretación más camaleónica hasta ahora. Canaliza la frustración en seguridad, y luego en una vulnerabilidad radiante. “Cada flor necesita ser vecina de la tierra”, canta, una relación simbiótica donde ella naturalmente sale ganando.

41. Stella Donnelly, ‘Feel It Change’

Cuando una relación llega a su fin, ningún juez satisfará tu necesidad de que te prueben inocente mejor que la persona que ya no está en tu vida. “Pedí un deseo a un satélite / De que vinieras a decirme que tenía razón / De que soy la amiga perfecta que no hace daño”, canta Stella Donnelly en su último sencillo ‘Feel It Change’, con una melodía tan agradablemente ligera, su voz tan suave – y, considerando los tres años desde su último álbum Flood, tan extrañada – que incluso su sentido del humor no podía evitar que le creyeras. Sin embargo, Donnelly es demasiado consciente de sí misma para dejar pasar la verdad, admitiendo que miente tan pronto como dice que puede arreglarlo todo. Y mientras otro artista podría esconder la confesión más brutal en los márgenes, ella la convierte en el estribillo: “Te amo, cariño, pero tengo miedo de estar cerca tuya”. Lo repite como alguien que sabe que el amor y el miedo son incompatibles, restregándoselo en la cara al que aún no se da cuenta, y sonriéndolo.

40. They Are Gutting a Body of Water, ‘trainers’

Doug Dulgarian no asigna un sujeto al verso “Trata a la muerte como la mascota del profesor”: el *yo* está aplastantemente silencioso, el *tú* posible igual de autoincriminatorio. Pero lo que cuelga sobre ‘trainers’ como una nube oscura es ese *nosotros*. They Are Gutting a Body of Water trata tanto de crear un ruido tremendo como de cortar a través de él, y mientras la mayoría de bandas contemporáneas cantarían esas letras con sumisión melancólica, la cacofonía de TAGABOW parece luchar activamente contra ella. Los momentos de quietud son igual de necesarios y omnipresentes. “El amanecer se extiende sobre atardeceres muertos”, canta Dulgarian, el pensamiento de un obsesionado con la muerte en un paseo temprano a la tienda. Lo que esperas, al final del día, es que te enseñe a vivir.

39. Deftones, ‘milk of the madonna’

Ninguna banda puede hacer que la música cataclísmica suene tan suntuosa como Deftones, quienes se apresuraron en recordarnos ese hecho con el sencillo temprano ‘milk of the madonna’. En su invocación de lluvia sangrienta, truenos, vientos que tiemblan y, sobre todo, fuego, Chino Moreno suena completamente consumido pero revitalizado por la fuerza abrumadora de la instrumentación, que solo cede por unos segundos etéreos antes del último estribillo. “El espectáculo enciende tu mente”, canta. ¿Cómo podría no hacerlo? Cuando tantas bandas contemporáneas de shoegaze recurren a las mismas imágenes pero suenan extrañamente indemnes, Deftones aún igualan su legado con pasión.

38. Asher White, ‘Cobalt Room: Good Work / Silver Saab’

Un riff asesino de sludge barre el piso en ‘Cobalt Room: Good Work / Silver Saab’, la pieza central de 7 minutos del nuevo álbum de Asher White *8 Tips For Full Catastrophe Living*. Luego la narrativa, al igual que la gama ridícula de referencias sónicas de White – Tropicália brasileña, jazz experimental, death metal, krautrock – se enreda por completo. Inspirada en la película *Beau Travail* de Claire Denis de 1999, White canta desde la perspectiva de una esposa militar mayor que, en sus palabras, “se queda imaginando el tipo de amor fraternal y pertenencia que su esposo disfruta en el campamento y empieza a sospechar que es su manera de realizar un estilo de vida gay no realizado, y luego reflexiona sobre su matrimonio con un nuevo escepticismo.” La teatralidad de White tiene un toque de lo absurdo: “Sé que la casa no nos costó nada, pero me sentí tan evacuada/ Las mañanas atraían el polvo a asentarse donde una vez te habías masturbado.” Es casi caricaturesco, pero ella deja que la frustración enconada se derrame, anhelando su propia liberación.

### 37. U.S. Girls, ‘Bookends’

“70,000 hombres, ¿por qué me pregunto dónde se fue Riley?” canta Meg Remy a los diez minutos de ‘Bookends’. “Tengo que hablar al final de mi aliento/ Porque sigo preguntándome dónde se fue Riley.” El Riley en cuestión es el difunto vocalista de Power Trip, Riley Gale, y como tributo, sencillo principal o canción de U.S. Girls, ‘Bookends’ es poco convencional. Tomando de *Eyewitness to History*, un libro sobre testimonios de eventos históricos, la canción va y viene entre referencias, meditaciones soul y solos de varios instrumentos, pero cuando llegas a esos diez minutos, los dos últimos suenan reveladores. La voz de Remy se vuelve penetrante y primaria, difuminando la línea entre la desesperación y el éxtasis. Caity Arthur, directora del video musical, habló de subvertir “la narrativa tradicional de la muerte como un vacío desesperanzador, retratándola más bien como una experiencia transitoria y eufórica.” Pero lo mejor que puedes sacar de todo ello, sugiere Remy, quizá sea la simple aceptación. “Te guste o no/ Es lo que tienes.”

### 36. Hotline TNT, ‘Julia’s War’

*Raspberry Moon* marca la primera vez que Will Andersen graba un álbum de Hotline TNT con una banda completa – el guitarrista Lucky Hunter, el bajista Haylen Trammel y el baterista Mike Ralston. El sencillo principal ‘Julia’s War’ llegó como prueba de ese sentimiento de unión, con un estribillo de “na na na” y llevando la voz de Andersen al frente de la mezcla; no para que entiendas mejor la letra, que sigue siendo críptica, sino como para invitarte a cantar – no solo tararear – junto con él. Cuando es tan pegadizo, incluso el fan del shoegaze más introvertido no tendrá que esforzarse tanto para salir de su caparazón.

### 35. Samia, ‘Bovine Excision’

“Me atrajo el fenómeno de la mutilación de ganado sin sangre como metáfora de la autoextracción – esta búsqueda clínica del vacío,” dijo Samia curiosamente en un comunicado sobre ‘Bovine Excision’, el sencillo principal de su tercer LP. Sinónimos que encuentra para estar vacía en la canción: “intocable,” “imposible,” y *Bloodless*, el título del álbum. Pero la sangre que corre por ‘Bovine Excision’ arde intensa y caliente: las guitarras con twang fritas de arena, su propia voz estallando en el espejo mientras canta sobre estar vaciada. Pero la necesidad de autoanularse, aunque ambigua, se revela como un síntoma de un ideal inalcanzable, o simplemente un deseo de calidez – ser calidez, “una taza de té en tu mano fría.” Por más que te escondas, no puedes negar el latido de tu propio corazón, y Samia corta la metáfora para encontrar algo palpablemente humano.

### 34. Ethel Cain, ‘Nettles’

En lo que técnicamente es el post-estribillo de ‘Nettles’, Hayden Anhedonia suelta una línea devastadora: “Gardenias en el azulejo, donde ya no importa quién se contuvo de quién.” Devastadora como posdata en la historia de amor de Ethel Cain y Willoughby Tucker, cuya boda sigue siendo un sueño lejano porque ya sabemos de la muerte de este último. También conocemos el destino de Cain por *Preacher’s Daughter*, pero ‘Nettles’ – la primera canción que escribió en la casa de Alabama donde terminó ese álbum – sirve como precuela. Y también es devastadora porque, aunque pasó por muchas versiones, la visión de la canción sobre el americana se extiende por ocho minutos pero se mantiene dulce, arropada por capas de violín, pedal steel y banjo; una devoción que no se atreve a ser del todo lúgubre ni menos que idealista. La historia de dos adolescentes “en una carrera por crecer” es familiar en el universo de Ethel Cain, pero lo conmovedor de ‘Nettles’ es cómo son forzados a la lentitud de la adultez por “el parpadeo de la luz del hospital,” y cómo la canción misma honra y extiende esa lentitud, claramente más allá del realismo. Donde no importa si son ortigas o gardenias, sufrimiento o amor. Donde es para siempre.

### 33. Tyler, the Creator, ‘STOP PLAYING WITH ME’

Tyler, the Creator está en modo agresivamente fanfarrón en ‘STOP PLAYING WITH ME’, la única canción de DON’T TAP THE GLASS que tiene video musical, pero apenas suena provocativa. El rapero ya nos tiene a todos en la pista de baile; es fanfarrón sin esfuerzo, lo que la mayoría de fans debe encontrar emocionante y familiar. A diferencia del disco de regreso de Clipse, quienes aparecen en el visual, aquí no es un juego de quién engaña a quién. Ni siquiera son sus palabras las que más hablan; la provocación está en la línea de bajo, la fuerza en el ritmo, los ad-libs son la cereza del pastel. Todos dicen: ya sabes que el juego se acabó. Ahora divirtámonos.

### 32. Matt Berninger, ‘Bonnet of Pins’

“Se necesita mucho para desaparecer de verdad/ Siempre dejas rastros en las hojas,” canta Matt Berninger en ‘Bonnet of Pins’, las primeras palabras que escuchamos de su próximo álbum en solitario. A primera vista, parece ahondar en los patrones depresivos de los dos últimos álbumes de The National, que salieron de un periodo de agotamiento creativo y personal del cantante. Pero en el sencillo principal de *Get Sunk*, el narrador no es el que aparece como fantasma. “Lo más parecido al amor que ha encontrado/ Es del tipo del que no te puedes desacer lo suficientemente rápido,” dice de la persona que repentinamente reaparece, en carne y hueso, la que se termina su trago. **31. Pulp, ‘Spike Island’**

‘Spike Island’ empieza, de manera bastante inocente, rastreando las semillas de la inspiración: “Es una suposición/ Ni idea/ Es un sentimiento/ No una voz/ En mi cabeza/ Solo un sentimiento”. Jarvis Cocker se deleita alargando la palabra *sentimiento*, dejando que lo guíe hacia una autorreflexión sincera sobre su tiempo en el centro de atención: “Estaba conformándome a un diseño cósmico, estaba actuando según el tipo”. Como primer vistazo del primer álbum de Pulp en 24 años, no podría ser más apropiado. Pero esto siendo Pulp, el flujo de conciencia de Cocker hace que la canción sea más enredada cuanto más himno se vuelve. Un aparte – “Y por cierto, Spike Island” – se convierte en el estribillo, una referencia compleja a un concierto único de los Stone Roses en 1990 que alcanzó estatus legendario a pesar de los problemas técnicos y la mala organización. Cocker se aferra no al aspecto de la fama sino a la frase que gritó uno de los DJs en la línea: “¡Spike Island, cobra vida!”. La ironía, parece, es que no puedes ordenar un sentimiento; si tienes suerte, sin embargo, puedes simplemente disfrutarlo.

**30. Chappell Roan, ‘The Giver’**

La oferta de pop country que Chappell Roan llevaba tiempo anunciando podría haber sorprendido a algunos, pero, ya sea que se te haya quedado en la cabeza desde su debut en *Saturday Night Live* o su lanzamiento oficial en marzo, sabes que ese violín es puro camp, nada de vergüenza ajena. Roan interpreta una canción country con todo el brío y la diversión de saber que quizás nunca saque otra, sin que esta suene como un caso único. Puedes sacar mucho aire de una canción con un gancho guiñando un ojo como “Yo termino el trabajo”, pero el sencillo se convierte en un himno gracias a las líneas que dejan sin aliento que se cuela alrededor del coro: “Chica, no necesito una camioneta levantada/ Rugiendo fuerte para recogerte/ Porque cómo luzco es cómo toco”. El resto del proyecto en el que acabe apareciendo quizás sea estilísticamente más ruidoso, pero ‘The Giver’ suena tan efectiva como dice ser.

**29. The Beths, ‘No Joy’**

No llamarías alegre al último sencillo de The Beths, pero es una representación inusualmente animada de la anhedonia. No es exactamente un territorio nuevo para la banda, cuyo último álbum, *Expert in a Dying Field*, mostró su habilidad para colocar ganchos en himnos con el corazón roto. Pero como primer adelanto de su cuarto álbum, *Straight Line Was a Lie*, encuentra a la vocalista Liz Stokes menos preocupada por las emociones dolorosas que por su propia química cerebral, especialmente después de empezar a tomar un ISRS que, entre otras cosas, introdujo una barrera para escribir canciones. “El latido del corazón apenas bombea”, canta, sin embargo la banda está naturalmente enganchada a un ritmo; Stokes dijo que sus instintos musicales “no eran tan de pánico”, pero la respuesta de lucha o huida es exactamente lo que ‘No Joy’ parece incitar en sus momentos finales, como si cada nueva capa tirara de sus conductos lagrimales. Expulsar cualquier cosa – incluso lo opuesto a la alegría – sería delicioso.

**28. billy woods – ‘Misery’ [feat. Kenny Segal]**

billy woods presentó su nuevo álbum GOLLIWOG con una colaboración con Kenny Segal que se apega a la fórmula que la pareja dominó en *Maps* marcando un tipo de cambio lírico. Supuestamente el álbum encuentra al rapero revisitando una historia sobre un golliwog malvado (como el de la portada) que escribió cuando tenía nueve años, pero uno espera que ninguna parte de ‘Misery’, una canción que incluye la línea “ella vino a mí ya mojada de sexo”, pueda rastrearse hasta su infancia. El tema con influencias de jazz es de ensueño de una manera que parece viajar en el tiempo aunque solo dure dos minutos, difuminando la línea entre el éxtasis y la confusión, la noche y la mañana siguiente – tan rápido que apenas hay un momento para cuestionar nada de ello.

**27. oklou y FKA twigs, ‘viscus’**

El dolor en ‘viscus’ es sutil pero palpable. Sería fácil para oklou, que canta sobre dejarse “perder tan adentro de mí”, dejarlo derivar en el éter para una canción tenue y delicada que cierra la edición de lujo de su celebrado debut, *choke enough*. En su lugar, se conectó por él – dolor estomacal crónico, específicamente – con FKA twigs, meditando sobre el cuerpo no solo como un templo sino como un hogar que cargamos a lo largo de nuestras vidas. Sus voces se entrelazan maravillosamente, pero una vez que la de twigs entra por su cuenta, es puramente tranquilizadora: “Quiero encontrar un lugar donde me sienta viva/ El latido de mi corazón/ Es sin duda un buen lugar para empezar”. Ninguna cantidad de sol, fama o fe ajena es suficiente para concederte esa sensación, pero mientras ‘viscus’ repasa estos pensamientos porosos, ofrece una oportunidad para recentrarse – o mejor aún, reiniciar.

**26. Snocaps, ‘Doom’**

Debajo de su determinación emocional, ‘Doom’ trata de una relación colgando de un hilo. Por discreto que pueda empezar, se convierte en una de las canciones más impactantes que Katie Crutchfield ha escrito en años, intentando mantener la calma sobre “esta podredumbre sentimental” pero produciendo uno de sus coros más grandes hasta la fecha. El álbum homónimo de su nueva banda con Allison Crutchfield llegó con poca fanfarria, y MJ Lenderman y Brad Cook mantienen sus contribuciones al mínimo. Pero incluso la producción de la canción, que ahoga en lugar de amplificar su arreglo simple, sirve a las letras de Katie sobre quedarse sin aliento: “Lo dices como es/ Y te sofocarás/ Cada visión llena/ Con un gran cielo negro/ Noche más vacía”, canta, casi jadeando por aire. Pero ella sabe que estará perfectamente bien.

**25. Blood Orange, ‘Mind Loaded’ [feat. Caroline Polachek, Lorde, Mustafa]**

Cuando le das play al sencillo *Essex Honey* de Blood Orange, quizás estés de vacaciones en algún lado. Quizás el clima es diferente, o tu teléfono está en modo avión, o intentas engañar a tu cerebro para que esté en un lugar estable. Pero la voz todavía te golpea como una buena mirada al espejo: “Aún pareces igual / Todavía roto, no puede pensar claro”. Pocos artistas pueden articular este estado confuso de quebranto con el mismo esplendor fantasmal que Dev Hynes, y mucho menos lograr que Lorde y Mustafa entreguen una breve pero desgarradora interpolación de Elliott Smith o hacer que Caroline Polachek puntue sus propias melodías exuberantes. La belleza aquí es tan innegable como la oscuridad, tomando la música-no-del-todo en tu mente y haciéndola sonar rica y no-sola.

### 24. Perfume Genius, ‘No Front Teeth’ [con Aldous Harding]

“Mejores días / Nada me toca / La luz se rompe en las alas de una paloma”, canta celestemente Aldous Harding en ‘No Front Teeth’, el primer atisbo de trascendencia que hemos tenido del próximo álbum de Perfume Genius, *Glory*. (Y esto sin descartar el sencillo principal ‘It’s a Mirror’, que también es genial). La primera vez que entra, la voz de Harding está sin acompañamiento y desmitificada por guitarras estruendosas que se alinean más con la ferviente vulnerabilidad de Mike Hadreas. Luego su voz, de manera inquietante, se une al coro, antes de perderse en capas y procesamiento. La canción resulta ser enorme, ardiendo lentamente hacia la revelación de que, en realidad, todo va a salir bien. No de manera irónica o frívola, sino como esas raras ocasiones en las que realmente se siente espiritualmente iluminador. Hadreas vocaliza esta realización antes de que entre Harding, pero si quieres la sensación desplegada en toda su, bueno, gloria, deja que ‘No Front Teeth’ se desarrolle.

### 23. feeo, ‘Here’

No le toma mucho a feeo, la cantante londinense nacida Theodora Laird, describir lo que le ha pasado a la ciudad que ella llama ‘Here’. “El sol no brillará / No el de verdad de todos modos / No el sol que una vez nos besó para despertar”, canta sobre un pad solitario que suena, simplemente, como un vacío. Mientras hace su intento de despedirse de este lugar, una guitarra un poco crujiente y pulsada abre la canción como un viento que podría llevarse a la pareja. feeo se vuelve a anestesiar, pero su punto, como su poesía, es cristalino: “Este lugar fue construido para durar / No fue construido para el amor”. Como para demostrar cuánto ha desgastado el argumento, incluso el sentimiento, ‘Here’ es la canción más larga de su álbum debut *Goodness*, extendiéndose hasta siete minutos. Pero también es un absoluto destacado, haciéndote sentir como feeo: pequeño, impotente, deseando un cambio.

### 22. Smerz, ‘You got time and I got money’

Se honesto: Cuando escuchas ‘You got time and I got money’ de Smerz – en la que podrías obsesionarte desde marzo pero que recientemente tomó un maravilloso nuevo sabor con un remix con Clairo – ¿se siente como si dos humanos la estuvieran cantando? ¿Se siente como si Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt se estuvieran desvaneciendo por un abrazo mortal? Es atemporal, por supuesto, y muchas de las cosas en las que el dúo noruego confía parecen románticamente intangibles – cuerpos, dinero, vacaciones. Al mismo tiempo, ningún amante alienígena podría canalizar el anhelo venerando cosas como camisetas, zapatos y detergente para la ropa. Cómodos pero con los ojos brillantes, repiten el título como si dijeran: Creamos en algo más grande.

### 21. MJ Lenderman y This Is Lorelei, ‘Dancing in the Club’

Cuando se lanzó su versión de ‘Dancing in the Club’ de This Is Lorelei, MJ Lenderman reveló que *Box for Buddy, Box for Star* fue el álbum que más escuchó en 2024. Al invitarlo a interpretar la canción para la edición de lujo del disco, Nate Amos expresa su propia admiración mediante la confianza: alguien como MJ Lenderman solo podría llevar la desesperación solitaria de la canción más a la superficie. Lenderman entiende que arruinar tu guitarra significa arruinar tu corazón, no solo al revés. Él ralentizará la canción y alargará las letras para que su disociación se sienta más personal que situacional. Y él, por supuesto, tomará placer en cantar las palabras “Un perdedor nunca gana / Y yo soy un perdedor, siempre lo he sido”, levantadas como parecen de su propio *Manning Fireworks*. Más que autoflagelante, sin embargo, la versión llega también como una fuente de consuelo: ser tu peor enemigo no significa que no puedas ser visto, o encontrarte un poco menos solo.

### 20. Wet Leg, ‘CPR’

Wet Leg nunca escribiría una canción de amor convencional. ‘Being in Love’, un destacado del debut homónimo de la banda británica, comparaba el sentimiento con náuseas, distracción y que te golpeen en las entrañas. ‘CPR’, el segundo sencillo de su segundo LP *moisturizer*, se siente bastante como que te golpeen en las entrañas, pero en realidad es revitalizante. Sobre una línea de bajo gruñona y zumbante, Rhian Teasdale reflexiona sobre la dinámica de vida-o-muerte de toda la relación; tal vez estar enamorado no siempre se siente como “el mundo derrumbándose”, como en la canción anterior de la banda, sino como saltar de un acantilado. No digo que sea más saludable, necesariamente, pero cuando Teasdale se pregunta, “¿Esto es un ambiente?”, la respuesta es obvia.

### 19. Dijon, ‘Yamaha’

La aclamación inmediata que rodea el segundo álbum de Dijon habla, en parte, de lo inmediatas y universales que son sus canciones, plasmando emociones con la mezcla perfecta de brillo y fuego, pasado y futuro. ‘Yamaha’ puede destacar porque es una de las canciones de más fácil acceso del álbum, pero también porque, en un esfuerzo por expresar cuán grande es la euforia de estar enamorado, es una de sus canciones más largas. Dijon y su grupo de colaboradores (además de confidentes cercanos como Mk.gee, Cara Delevingne aparece como coescritora aquí) superponen tantos sintetizadores brillantes y armonías acrobáticas que casi enturbian la mezcla, pero no chocan tanto alrededor de su voz como alrededor del ritmo estremecedor. “Entonces, ¿debería repetir?”, pregunta en un momento, “Todavía te quiero más”. Cuatro minutos y medio es suficiente, pero él suena como si pudiera continuar para siempre.

### 18. Bad Bunny, ‘DtMF’

Si no hablas ni una pizca de español, ‘DtMF’ te dan ganas de pasar por la molestia de aprender al menos las palabras de su coro – uno de los mejores y al instante lagrimógenos estribillos del 2025.

17. Sabrina Carpenter, ‘Manchild’

La canción principal, ‘Manchild’, sale a todo volumen con un estilo country puro y tiene tantos ganchos que es fácil descubrir algo nuevo con cada escucha. Lo primero que me llamó la atención fue la descripción que hace Sabrina Carpenter de los hombres inmaduros que protagonizan el álbum: “¿Por qué tan sexy si tan tontos? ¿Y cómo sobrevivieron en la Tierra tanto tiempo?”. Después, la decisión de rimar el título con “Fuck my life”, gritándolo para que tod@s podamos corearlo en el coche. Es una canción pop que aparentemente no tiene sentido, lo que la hace aún más divertida; no es difícil de entender, sino astutamente compleja.

16. HAIM, ‘Relationships’

Cuando tienes un hit de verano en las manos, no lo complicas demasiado. Por eso HAIM mantiene ‘Relationships’ suave y bailable, resumiendo la tesis de su álbum en: “Las malditas relaciones, ¿tengo razón?”. Hay algo absurdo y unificador en disfrutar de esa conclusión, que la canción desarrolla sobre un beat de R&B impecable. Tiene todo el sentido como sencillo principal y, dentro del álbum, curiosamente levanta el ánimo: la línea “Realmente jugaste con mi confianza” puede verse respaldada por otras canciones, pero esta es demasiado encantadora para no sonar segura. No hay “él dijo, ella dijo” aquí, solo el reconocimiento de que tod@s, incluso tú, hemos pasado por eso.

15. Lady Gaga, ‘Abracadabra’

Lady Gaga siempre ha sido única en su habilidad para mezclar una teatralidad frenética con una precisión pop pura. En ese sentido, ‘Abracadabra’ no es nada sorprendente, incluso si su video llegó en medio de la ceremonia de los Grammys 2025. A día de hoy, cualquier artista que se atreva a hacer una música tan brillantemente absurda, melodramática y contagiosa debería destacar; viniendo de Gaga, roza la nostalgia, y ‘Abracadabra’ se acerca mucho a sonar como un facsímil de sus gloriosos momentos cumbre. Pero mientras la apariencia de multiplicidad se convertía en un tema central en *Mayhem*, esta canción logra conectar sus antiguos personajes. Por mucho que quieras analizarla, sin duda cumple su objetivo.

14. Rosalía, ‘Reliquia’

Rosalía canta en 13 idiomas en *LUX*, pero hay algo escalofriante en que vuelva a su español natal en ‘Reliquia’, una canción donde recorre ciudades del mundo que la han marcado. Igual que *LUX* resuena sin importar cuántos de sus idiomas hables, ‘Reliquia’ se siente como un mapa personal de la memoria, sin importar cuanto puedas proyectar en él. A mi personalmente me conmueve cuando empieza con Jerez, cuna del flamenco y donde yo vivía cuando *MOTOMAMI* triunfó. Conozco gente que se identificará más con perder los estribos en Berlín o huir de Florida. Rosalía memorializa todos estos lugares sobre un arreglo de cuerdas que la hace sonar como si flotara sobre la tierra, no atada a un solo sitio pero conectada a muchos. “Somos delfines saltando, entrando y saliendo del aro escarlata y brillante del tiempo”, canta; una traducción aproximada, una comprensión a medias, lo que nos une.

13. Addison Rae, ‘High Fashion’

La primera música nueva de Addison Rae en 2025 no fue solo una canción pop instantáneamente adictiva, sino una visión innovadora del subgénero pop del “no te necesito”. El tema titular es su alternativa al cariño barato de un amante (y a drogas de valor dudoso), y proclama su preferencia con un humor sensual: “Sabes que no soy un polvo fácil, pero en cuestión de zapatos, seré una zorra”. La producción etérea afirma que Rae está en otro plano, mientras que su voz aérea no oculta, sino que se deleita en su convicción. Es casi suficiente para disimular el rastro de negación que aún se cuela en la canción, un momento de vulnerabilidad que también revela su mejor truco: “Sé cómo hacer que las cosas difíciles parezcan realmente fáciles”.

12. Florry, ‘First it was a movie, then it was a book’

Qué manera de arrancar. Escuchando ‘First it was a movie, then it was a book’, la primera canción del próximo álbum de Florry, es difícil no prestar atención; el single se estira hasta siete minutos, pero justo cuando todo se vuelve más laxo, ese riff de guitarra te atrapa de nuevo. La vocalista Francie Medosch encarna a un personaje al borde de un ataque de nervios, la única respuesta plausible al ver tu vida en la pantalla: “Si no me sintiera tan vacía, nena, le daría a esa película un cinco de cinco”. La narradora intenta escribir una película, luego una canción, pero es solo al ver una que no está basada en su vida cuando llega la revelación: “Me vi en todo el mundo, ¿cómo hicieron una película así?”. Sea lo que sea, Florry posee ese mismo tipo de don.

11. Nourished by Time, ‘9 2 5’

Es una historia familiar: un artista que trabaja como camarero de día y hace música de noche, apenas aguantando pero aferrándose a un sueño. Muchos músicos han escrito este tipo de canción con distintos niveles de éxito y cinismo, y aunque ‘9 2 5’ de Nourished by Time está escrita en tercera persona, no hay duda de que la perspectiva de Marcus Brown viene no solo de la experiencia, sino del corazón.

Él ni se regocija ni se rebela del todo: es un tema bailable brillante cuyo *groove* circular podría reflejar el ritmo inalterable de la vida del narrador – “odiosa”, así la describe – pero el brillo de la instrumentación también sugiere dónde está la cabeza de Brown actualmente. No es cursi ni condescendiente, solo deseoso: “Ojalá siempre tengas una lucha/ Ya sea equivocada o justa/ Deja caer una lágrima cuando llores.” Y quizás escribir una canción sobre ello.

**10. Lorde, ‘What Was That’**

“What was that?” es otra forma de preguntar, ¿cómo pasaron los años tan rápido? El sencillo principal del nuevo álbum de Lorde, *Virgin*, es el primero en cuatro años, pero en realidad nos retrotrae a la era de *Melodrama*, e incluso más atrás líricamente: “Desde que tenía 17, te di todo”, canta. Un golpe bajo, pero no tan importante como la línea siguiente: “Ahora despertamos de un sueño, cariño, ¿qué fue eso?”. La producción de Jim-E Stack y Dan Nigro es contundente pero curiosamente contenida, como si las revelaciones a las que Lorde despierta recién se estuvieran asimilando. “Aún no puedo verme”, suspira al inicio de la canción, antes de que los recuerdos comiencen a fluir.

**9. Momma, ‘I Want You (Fever)’**

La palabra entre paréntesis lo cambia todo. Sí, “Pick up and leave her/ I want you, fever” forma un estribillo tremendamente pegadizo, pero *fever* – más allá de encapsular la sensación de la canción, que trata de un amor no correspondido que hace hervir la sangre de anhelo porque se trata más de saber que la otra persona te desea – también se siente como un interruptor, permitiendo que todo el deseo reprimido salga a la superficie sobre uno de los *riffs* más irresistibles de Momma hasta la fecha. El dúo dijo que la canción trata “sobre querer estar con alguien que tiene novia, o con alguien que no ha superado a su ex”, pero ese “o alguien” está abierto a la proyección. En realidad, trata de la fiebre, y todos la queremos.

**8. La Dispute, ‘Environmental Catastrophe Film’**

Una conclusión de la asombrosa épica de nueve minutos de La Dispute, ‘Environmental Catastrophe Film’, es que el tiempo avanza sin cesar y solo en una dirección. Trato de recordarlo cuando uno de sus versos – “Si cedes al veneno interior/ ¿Podrían negarte cuando intentas entrar?” – me transporta a la reacción visceral que tuve al escuchar a la banda por primera vez siendo un niño, hace más de quince años, y a una de sus letras más citadas: “¿Aún puedo entrar al Cielo si me suicido?”. Aunque el matiz narrativo de esa canción se perdió para algunos oyentes en aquel momento culminante, no me imagino que ocurra lo mismo con ‘Environmental Catastrophe Film’, en medio de una narrativa de tres partes que considera la historia del contaminado Río Grand, la creación de la Iglesia Cristiana Reformada y la fabricación de muebles. En el centro de todo hay un chico para quien el tiempo no parece solo avanzar: afligido por la muerte de un viejo amigo por suicidio, se pierde en un mar de metáforas y alusiones, hallando consuelo en su disolución: “Mira el pasado desvanecerse/ Todas nuestras vidas contra la cuchilla/ Porque el tiempo pasa y cambiamos/ No lo que hicimos, sino lo que puede ser”.

**7. Water From Your Eyes, ‘Playing Classics’**

Antes de acusar a Water From Your Eyes de aprovechar el *Brat Summer*, considera ‘Playing Classics’ como un alucinante viaje en el tiempo: el año pasado, la banda tocó en el mismo escenario del Primavera Sound 2024 que Charli XCX, justo horas antes del gran final, donde ella debutó temas como ‘Everything is romantic’ y ‘365’ antes del lanzamiento de *BRAT*. En ese momento, no podía imaginar que Nate Amos y Rachel Brown harían algo que sonara remotamente como ‘Club Classics’, pero ninguna aventura musical es totalmente inconcebible para este grupo. Si el sencillo anterior ‘Life Sings’ amalgamaba influencias dispares de un devoto del *indie rock*, ‘Playing Classics’ canaliza su presencia en la *club* a través de *non-sequiturs* existenciales como, “Intenté llegar al más allá/ Solo terminé en el centro comercial”. Hoy en día, bien podrías escuchar ‘Apple’ en un lugar así, despojado de todo su poder. ‘Playing Classics’ recuerda el baile más como un intercambio trascendente: “Almas con algo que perder/ Toman ese camino largo y duro de aquí a la verdad”.

**6. Amaarae, ‘S.M.O’**

No necesitas haber escuchado más de unos minutos del excelente *Fountain Baby* de Amaarae para adivinar que el título de su sencillo *Black Star* significa “Slut Me Out”. Es un tema infectioso, de capas complejas e inconfundiblemente sensual que hace alarde de la fusión de estilos de la artista ghanesa-estadounidense, la cual amablemente señala que incluye *highlife* ghanés, *bass* de Detroit, *zouk* y el *Control* de Janet Jackson. Todas esas referencias pueden notarse, pero no distraen en nada del mensaje titular de la canción, y mucho menos de la presencia y el ingenio cómico de Amaarae: “Quiero una semana con ella, sabe a Lexapro”. Ninguna canción de pop en 2025 podría aliviar la tensión como esta.

**5. Destroyer, ‘Hydroplaning Off the Edge of the World’**

‘Hydroplaning Off the Edge of the World’ es tan gloriosamente teatral como su título. Lo instrumental, repleto de sintetizadores nebulosos y guitarras *crudas*, es tan cautivador como lo mejor de Destroyer, pero son las incesantes voces de “la la la” las que realmente venden la sensación de estar al borde del mundo. Luego está la entrega implacablemente poética de Bejar – por no hablar de sus letras. “Susurro/ Oye, brisa/ ¿A dónde vas?”, canta, sin susurrar en absoluto. A partir de ahí, cada línea ofrece algo para analizar, que simultáneamente podría no significar nada más que embriaguez. Lo innegable es que la canción es efervescente de anhelo, y ¿el objeto de este anhelo? “Cada persona que conozco”, pero también, en última instancia: “Muerte por iluminación”. Te corresponde a ti conectar los puntos.

**4. caroline, ‘Tell me I never knew that’ [feat. Caroline Polachek]**

caroline volvió a estallar en escena con ‘Total euphoria’, la primera muestra de su segundo álbum de larga duración.

3. Alex G, ‘Afterlife’

Después vino una sorpresa aún más dulce: una colaboración de Caroline Polachek en ‘Tell me I never knew that’. La música experimental de Caroline a menudo se balancea al borde de lo abstracto, un patrón que se refleja no solo en la letra de la canción sino en el tratamiento de sus melodías de pop deconstruido. “Quizás no quiero ser nadie / Y no quiero ser otra persona”, canta, contemplando no tanto la naturaleza como el deseo de una identidad estática. Luego, la voz de Casper Hughes se eleva, con un parecido increíble a Jonsi, para centrarse en capas de sentimiento y encarnación. Podría venir de otro mundo, pero duele demasiado cerca del corazón.

Es tentador describir ‘Afterlife’, el primer sencillo del décimo álbum y debut discográfico de Alex G, como “afirmador de la vida”. Pero, ¿de qué vida hablamos? Desde luego no de esta, ni de una concepción tradicional del más allá. Canta con reverencia de un espacio liminal entre “el cielo y la pantalla de la tele”, como si se alimentara directamente de su trabajo en la banda sonora de *I Saw the TV Glow* de Jane Schoenbrun. Pero lejos de ser inquietante y ominoso, ‘Afterlife’ se sostiene por rasgueos de mandolina y sintetizadores brillantes, “llenando el tanque con” esta gran y brillante luz de inspiración, por escurridiza que sea su definición. Es una de las canciones más alegres de Alex Giannascoli hasta la fecha, pero no malinterpretes ese estribillo de una sola palabra: “Hijo”, canta con pura alegría. Es raro como esa carga de responsabilidad también te puede hacer sentir como un niño otra vez, y Alex G aprovecha esa sensación.

2. Geese, ‘Taxes’

En la superficie, el narrador del mejor sencillo de Geese parece estar asombrosamente molesto por la idea de pagar sus impuestos, incluso dispuesto a convertirse en mártir. “Más te vale venir con un crucifijo”, grita Cameron Winter, “Vas a tener que clavarme”. Sin embargo, más en el fondo y yendo al grano, suena sobrenaturalmente comprometido con toda la moral de la responsabilidad personal, haciendo que la banda detrás suene aún más inquietantemente eufórica. “¡Doctor! ¡Doctor! Cúrate a ti mismo”, ordena, una preparación insufriblemente egocéntrica para la broma más aplastante: “Me romperé el corazón yo mismo de ahora en adelante”. Que se joda la sociedad, no, Dios.

1. Wednesday, ‘Elderberry Wine’

‘Elderberry Wine’ es un cálido y suave suspiro de canción. Pero que no te engañe: “Una canción dulce es un timo largo” es el primer verso que canta Karly Hartzman en el primer sencillo de Wednesday desde 2023, sugiriendo que el cuerpo de trabajo en el que acabó incluida no necesariamente será fácil de digerir. En canciones como ‘Bull Believer’, la gigantesca primera muestra de *Rat Saw God*, cada instrumento servía para acentuar un dolor atroz; aquí, su propósito es de consuelo. Cuando canta que “todos se llevan bien”, el punto no es solo que las apariencias engañan, sino que la burbuja está destinada a estallar. Cuando has probado la resaca tantas veces, no puedes evitar pensar a largo plazo. “Me consuela que a los ángeles les importe un bledo”, se da cuenta, mientras su banda suena bastante angelical. Ojalá los humanos no estuviéramos tan atados por el destino. Claro que sí, aquí tienes mi intento de escribir sobre este tema.

El cambio climático es un problema muy grave que afecta a todo el planeta. Una de las principales causas es la emisión de gases de efecto invernadero, como el dióxido de carbono, que provienen de actividades humanas. Por ejemplo, la quema de combustibles fósiles para obtener energía o el uso de automóviles.

Estos gases se accumulan en la atmósfera y atrapan el calor del sol, lo que provoca un aumento de la temperatura global. Este calentamiento tiene consecuencias peligrosas: derretimiento de los polos, subida del nivel del mar y fenómenos meteorológicos más extremos, como huracanes y sequías.

Para combatirlo, es esencial que los gobiernos, las empresas y las personas tomen medidas. Podemos usar más energías renovables, mejorar el transporte público y reducir nuestro consumo. Cada pequeña acción cuenta para proteger nuestro futuro.