Todos conocemos la historia familiar del arte en los años sesenta: el pop art, el conceptualismo y el minimalismo dominaron la década, con figuras como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Sol LeWitt y Jasper Johns. La nueva y atrevida exposición del Whitney, *Sixties Surreal*, aporta una bienvenida dosis de contranarrativa a esta historia ya rígida. Su objetivo es presentar un nuevo grupo de artistas de los 60 que canalizaron el ‘ello’ caótico de la década, pero que solo recibieron una fracción del reconocimiento.
“Una generación de artistas que eran jóvenes en los 60 buscaba cada vez más vocabularios artísticos que pudieran usar para explorar la época extraña y salvaje que les tocó vivir,” dijo el curador de la exposición, Scott Rothkopf, quien había deseado organizar esta muestra exacta desde sus días de estudiante en los años 90. “Los 60 fueron una época de muchos cambios: el miedo a la bomba atómica, múltiples revoluciones sexuales, el movimiento por los derechos civiles, la cultura de las drogas. Para muchos jóvenes, esos días se sentían como días surrealistas.”
*Sixties Surreal* es ambiciosa, reuniendo el trabajo de 111 artistas, muchos de los cuales simplemente no encajaban en ninguna de las narrativas dominantes del mundo del arte de los 60, y otros que trabajaban lejos de los centros establecidos de influencia. Es una experiencia ruidosa y directa, con colores vibrantes, un humor que te hace reír a carcajadas, muchos cuerpos e incluso tres camellos de tamaño real hechos de madera, acero y arpillera.
“Al salir del ascensor, te encuentras inmediatamente en una habitación con estos camellos, que son muy realistas,” dijo Rothkopf. “Se convierte en un encuentro surreal.”
La exposición también está llena de demografías marginadas que, incluso en los liberales años 60, fueron relegadas a un segundo plano frente a los cabezas de cartel, mayoritariamente hombres blancos de la era. Esto incluye una selección de *Flesh Wall* de Martha Edelheit, un coro psicodélico y giratorio de cuerpos de mujeres, y el collage sin título, impresionista y abstractamente erótico, de Joan Semmel.
“Las mujeres artistas son unas protagonistas enormes en esta historia, porque buscaban nuevas formas de explorar la vida que llevaban y deshacerse de las ideologías dominantes,” dijo Rothkopf. “También es por eso que encontrarás muchos artistas queer y de color en esta muestra. Ellos buscaban estos impulsos liberadores.”
La exposición incluye dos instantáneas de la fotógrafa y directora feminista Barbara Hammer, así como su primera película, *Schizy*, de la cual ella dijo: “[Trataba] de aprender a ver doble. ¿Cuál era la realidad que yo veía? ¿Y qué se esperaba de mí? ¿Y cómo me veían otras personas? Así que, esquizofrénico.” Filmando a través de lentes bifocales, Hammer ofreció una sensación profundamente personal de su experiencia fragmentada como mujer en los 60, lanzando una carrera en el cine extremadamente exitosa, aunque una que no recibió el debido reconocimiento hasta décadas después.
“Hay obras de exploración y descubrimiento sexual,” dijo Rothkopf. “Ves a mujeres tomando el control de la representación de sus propios cuerpos en lugar de ser representadas por artistas hombres. Les ofreció una posibilidad de imaginar estos espacios de liberación y autodeterminación.”
*Sixties Surreal* también presenta prominentemente a artistas nativoamericanos, incluyendo a Linda Lomahaftewa, Oscar Howe y Fritz Scholder, a quien el Whitney también dio un lugar estelar en su exposición de verano “Untitled” (America) por su casi abstracta *Masacre en Wounded Knee II*. Aquí Scholder ofrece *Indio y Rinoceronte*, mientras que *Rostros de Mujer sin Título* de Lomahaftewa muestra una impresionante mezcla de texturas, patrones y colores que se unen formando un paisaje abstracto anclado por un rostro central inquietante que nos mira fijamente.
Howe aporta una abstracción caleidoscópica en triángulos irregulares de azules y rojos que parecen girar en un remolino, impartiendo una sensación de movimiento que atrae continuamente la mirada una y otra vez. Ella fusionó creencias indígenas con la estética modernista para crear un tipo de arte que no era fácilmente clasificable.
“Artistas indígenas como Lomahaftewa o Howe no necesariamente crecieron en su formación con la misma cultura occidental estadounidense tradicional,” dijo Rothkopf. “Howe en particular tenía un gran interés en pintar tradiciones nativas de espiritualidad y danza en estas formas abstractas y modernistas. Ves modos de experiencia cultural y espiritualidad expresados como una alternativa a la cultura blanca cristiana dominante de la época.”
Esta exposición también se sale del guion al intentar involucrar al público con todo el cuerpo, y de maneras sorprendentes. El Whitney ha incorporado elementos como paredes del museo cubiertas de rojo y azul chillones, iluminación oscura para evocar un estado de ánimo sombrío, y piezas táctiles como *El Gran Cambio* de HC Westermann, para impactar fuertemente a los espectadores.
“Intentamos en la instalación crear situaciones que intensificaran la experiencia,” dijo Rothkopf. “Al moverte por la exposición, estás en un viaje de sentidos agudizados. Esperamos que la gente lo sienta en sus entrañas.”
*Sixties Surreal* tiene altas ambiciones de reescribir la historia de la década: en lugar de centrarse en el corazón canonizado del mundo del arte de Nueva York, mira a lo largo de todo Estados Unidos para traer los márgenes al centro de atención.
“Si le das la vuelta a los años 60, lo que parecía un espectáculo secundario en esta gran marcha de ismos era en realidad lo principal,” dijo Rothkopf. “Lo que los artistas estaban haciendo desde la costa oeste hasta la este, hacia el sur en Texas y hasta Chicago. Así que la gran historia que nos hemos contado puede parecer casi un poco esotérica, en relación con los muchos artistas que estaban involucrados en este tipo de pensamiento.”
También ha sido una oportunidad para que muchos de estos artistas – aún vivos, con 80 y 90 años – finalmente obtengan un poco de protagonismo. Muchos de los creadores han venido a formar parte de la exposición, marcando un momento emotivamente conmovedor de cierre de ciclo a lo largo de las décadas.
“Esto es quizás lo que más me conmueve a mí,” dijo Rothkopf.
Crear un espacio para que todas estas increíbles voces puedan cantar juntas de una forma nueva y encontrar publico. Fue emocionante verlos brillar en las galerías frente a las obras que hicieron cuando eran jovenes.