En mayo, Dua Lipa presentó a un invitado especial en su concierto en Sydney: Kevin Parker, quien cantó a dúo con ella una versión de *The Less I Know the Better*, el mayor éxito que Parker ha lanzado bajo el nombre de Tame Impala. La pareja tiene una larga relación creativa –Parker coprodujo y coescribió la mayor parte del último álbum de Dua Lipa, *Radical Optimism*– pero aun así fueron un claro estudio de contrastes. Ella estaba espléndida en un ajustado traje de encaje brillante, botas de tacón de aguja y una estola de piel falsa sobre su hombro. De pelo lacio, vestido con un cardigan holgado de colores y un collar de cuentas de madera, Parker parecía un hombre que había llegado al escenario directamente después de una noche muy larga en el círculo de piedras de Glastonbury.
Podrías verlo como una metáfora visual del viaje inesperado de Parker a las altas esferas del pop, que comenzó, de manera bastante improbable, mientras escuchaba a los Bee Gees bajo los efectos de hongos alucinógenos. La experiencia lo llevó a alejarse de la psicodelia guiada por guitarras de sus dos primeros álbumes y abrazar su amor por la “música pop azucarada” en *Currents* de 2015. Como lo demuestra el éxito de su sencillo *The Less I Know the Better* –2 mil millones de streams en Spotify y sigue subiendo–, el disco vendió mucho más que los trabajos anteriores de Tame Impala. Además, varias estrellas pop mainstream decidieron que querían un poco de lo que él ofrecía. Parker subsequently trabajó con Rihanna, Lady Gaga, Kanye West, Travis Scott y The Weeknd, entre otros. El año pasado, apareció en la lista de las personas menores de 40 años más ricas de Australia.
Como lo demostró su aparición con Lipa, Parker parece haber logrado todo esto con una envidiable facilidad y despreocupación, pero el contenido de *Deadbeat* te hace dudar. Siempre ha habido una corriente de melancolía en su trabajo con Tame Impala: una teoría sobre el éxito de *Currents* era que el sonido de su voz anhelante, flotando sobre una base de electrónica, resonaba con un malestar muy contemporáneo, el miedo a que la tecnología nos esté aislando. Pero aquí, suena más desconsolado que nunca.
Puedes leer el primer álbum de Tame Impala en cinco años como un tratado sobre intentar equilibrar el éxito con una vida normal, la desconexión entre las demandas de la fama y la vida doméstica. En *Dracula*, está lleno de autodesprecio por divertirse como el “maldito Pablo Escobar” cuando debería estar en casa. En *Piece of Heaven*, parece estar en la habitación de sus hijos, atormentado por su ausencia en sus vidas: “No sé si estaré aquí / Supongo que depende”. “Despertando a tiempo para atrapar las últimas horas de luz solar / La gente caminando a casa pasa”, canta en *Not My World*. Pero si eso suena como el sueño bohemio de liberarse de la rutina de nueve a cinco, él no parece estar disfrutándolo mucho: “Debe ser agradable”, reflexiona, con tristeza. “Me hace darme cuenta de que no es mi mundo.”
Parker ha dicho que la influencia principal en *Deadbeat* es la escena rave “bush doof” del oeste de Australia, lo que explica la preponderancia de ritmos four-four contundentes: *Ethereal Connection* tiene un ejemplo particularmente fuerte. Claramente tiene una afinidad con la música dance, es hábil con un retorcido bajo electrónico y un tapiz sutil de sonidos electrónicos cambiantes. Pero ocasionalmente, deseas que hubiera dejado ciertas canciones como instrumentales: el impacto de *Afterthought* se ve reducido por la melodía pop que le superpuso. De hecho, si *Deadbeat* tiene un defecto, es la sensación ocasional de que las inclinaciones pop de Parker se sienten un poco forzadas esta vez. La simple melodía de vaivén de *No Reply* se desgasta antes de que termine la canción. La canción que cierra el álbum, *End of Summer*, alcanza un punto ideal entre la euforia de la pista de baile y la tristeza lavada por la lluvia, pero se ve sacudida por un gancho vocal acelerado y molesto: un *earworm*, pero del tipo que deseas poder sacarte de la cabeza.
Más impactante que la influencia dance del álbum es la frecuencia con la que la música refleja el tono inquieto y alterado de las letras. Tanto *My Old Ways* como *No Reply* saltan entre el producto final brillante y lo que parecen ser sus versiones demo en piano, tocadas con titubeos. En *Loser* y *Obsolete*, las voces de Parker son interrumpidas por suspiros y exclamaciones fuera del micrófono, el tipo de cosas que esperarías que editaran en la versión final: “¡Joder!”, exclama con aparente exasperación cuando termina la primera. *Oblivion*, mientras tanto, suena como una colección dispar de sonidos electrónicos nebulosos –ideas, incluso– sobre un ritmo dembow, que de repente cobran claridad cuando llega al coro.
El efecto es como si alguien corriera la cortina para revelar el funcionamiento interno de la música: piensas que es así, pero en realidad es de esta otra manera. Eso podría ser el lema de un álbum que constantemente sugiere que las cosas no son lo que parecen. Si a veces parece confuso, también es dolorosamente honesto y genuinamente angustiado: terminas de escucharlo esperando que el hombre que lo hizo esté bien.
Esta semana Alexis escuchó
Skullcrusher – *Living*
El nombre artístico de la cantautora neoyorquina Helen Ballentine podría ser el menos apropiado en la historia del pop: *Living* es suavemente nostálgico, impulsado por guitarra acústica y piano, y absolutamente encantador.