El festival de Sundance ha terminado. Bueno, no del todo. El Sundance que todos conocemos, con Robert Redford como su cabeza y Park City, Utah, como su locación, sí se acabó. El querido fundador del festival falleció el año pasado, meses después de que el festival también optara por un traslado a Boulder, Colorado.
Pero en el suelo, alarmantemente falto de nieve, también se hablaba sobre qué sería de Sundance en su conjunto, otrora faro brillante del cine independiente estadounidense, ahora que entra en una nueva fase. Hubo películas destacadas como siempre, pero nuevamente no suficientes para superar las preocupaciones sobre lo que el festival representa ahora en un mundo nuevo y duro, donde es más fácil hacer una indie (o lo que sea que se llame el ensamblar trozos de basura con IA) pero más difícil venderla.
La identidad del festival ha estado ligada por mucho tiempo tanto a Redford y Utah como a un cierto tipo de película y una cierta definición de cine independiente. La trayectoria soñada, a la antigua, para una película de Sundance – recepción extática en el estreno, subasta caliente toda la noche, éxito sorpresa tras el lanzamiento en cines, posiblemente algunas nominaciones al Oscar después – es más difícil, si no totalmente imposible, de lograr en este panorama. Hay ejemplos de libro de texto de que esto funciona – películas como *Little Miss Sunshine*, *Napoleon Dynamite*, *Garden State* y *The Big Sick* – pero ahora también hay más obstáculos, así como una generación de cineastas criados con estas películas que se esfuerzan demasiado por conjurar la misma magia. Asistentes, y críticos hambrientos de atención con seguidores en X o Letterboxd, han intentado forzar esto en años recientes, a menudo con volumen suficiente para convencer a los estudios, o cada vez más a las plataformas, de que piquen, pero vistas sin toda esa altura, los éxitos se han convertido en fracasos. Ha habido *Patti Cake$*, *Brittany Runs a Marathon*, *Blinded by the Night*, *Late Night*, y *Me and Earl and the Dying Girl*, todas existiendo apenas fuera de Utah, y aunque siempre ha habido apuestas de Sundance que no dieron resultado (*Happy, Texas* o *Hamlet 2*, ¿alguien las recuerda?), estamos en un momento en que cada pérdida duele más, riesgos mucho menos justificables en la mente de ejecutivos cautelosos.
La idea de una “película de Sundance” se ha ido desplazando y estratificando con el tiempo – el éxito de terror inesperado, el documental imperdible, el éxito de cine arte, la obra dramática de comediante para premios, el reel llamativo para trabajos más comerciales – y este año nos dio todo eso y más. Una vez más, las películas que se sienten menos calculadas, menos hechas en fábrica para atraer a una audiencia de Sundance, fueron las que funcionaron mejor. El año pasados, los destacados narrativos para mí fueron películas como *Lurker* (un thriller oscuro de la industria musical sobre obsesión y celebridad), *Twinless* (un relato cambiante de género sobre sexo, mentiras e identidad), *Together* (un *body horror* salvaje que juega con la codependencia extrema) y *If I Had Legs I’d Kick You* (una espiral abrasadora, oscuramente graciosa, sobre el agotamiento de la maternidad), todas formadas de manera única, no calculadas para hablarle a un Sundance pasado o apaciguar a la audiencia en uno nuevo.
Gemma Chan, Mason Reeves y Channing Tatum en *Josephine*. Fotografía: Greta Zozula
En una vena similar, la mejor película que vi este año fue *Josephine*, una película devastadora sobre las consecuencias de que una niña de ocho años sea testigo de un asalto sexual, contado de una manera que realmente no habíamos visto antes. Sobre el papel suena demasiado familiar (el drama de Tema Serio es otro subgénero de Sundance), pero la directora Beth de Araujo lo convierte en algo totalmente original y profundamente conmovedor, una pesadilla parental de suspenso que existe cerca del horror sin caer en la explotación sórdida. Fue la película de la que todos hablaban en el lugar (y la que no he podido dejar de pensar desde entonces) y logró algo relativamente inusual al ganar tanto el premio del gran jurado como el del público. El premio del gran jurado en sí ha perdido mucho significado (*Nanny*, *Atropia* e *In the Summers* son ganadoras recientes y poco conocidas), pero llevarse ambos solía estar reservado para películas con un futuro más brillante (*Minari*, *Coda*, *Whiplash*, *Fruitvale Station*). Podría ver a Channing Tatum, que interpreta a uno de los personajes paternos más fascinantemente escritos e interpretados que he visto en mucho tiempo, ganando impulso para premios (me sorprendería si no es un favorito al mejor actor de reparto para esta época el año que viene) pero la película todavía no se ha vendido. Me imagino que es por el tema difícil (la escena de violación sin censura es extremadamente dura de ver) pero también por la manera incómoda en que se maneja (me contaron de un productor que salió furioso después de exclamar, “¡Ya basta, es suficiente!”).
También sigue siendo un mercado de ventas más lento de lo que solía ser. Sundance es el festival de cine más orientado al mercado que tenemos, con la gran mayoría de películas llegando sin distribución, pero los compradores se han vuelto más cautelosos – al menos fuera de los que tienen más dinero (véase: Netflix). Al final del festival del año pasado, títulos protagonizados por Jennifer Lopez, Josh O’Connor, Benedict Cumberbatch y Olivia Colman todavía no habían encontrado comprador, mientras que este año ha sido igual de tranquilo.
Olivia Wilde y Seth Rogen. Fotografía: Tommaso Boddi/Getty Images for Casamigos
Hubo emoción por *The Invite* de Olivia Wilde, que tuvo un estreno de sábado por la noche verdaderamente arrollador (Wilde lo llamó “la mejor noche de mi vida”). La comedia ácida y estelar, con Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton como dos parejas que discuten y coquetean durante una noche cada vez más reveladora y perversa juntos, funcionó de maravilla y, como alguien que ha soportado muchas comedias de festival no graciosas que aún encuentran risas de una audiencia ansiosa por engañarse, esta fue una rara experiencia comunal en la que pude participar. Llevó a una subasta a la antigua con prácticamente todos los grandes estudios o plataformas haciendo una oferta, pero Wilde, que se ha mostrado como una cineasta que antepone el oficio y a la que realmente le importa el cine clásico, exigió con razón un lanzamiento en cines y encontró hogar para la película en A24. Diría que es más una comedia de estudio sofisticada que una indie “cool” (más de Toronto que de Sundance en última instancia, yo esperaba que el nuevo sello independiente de Warner ganara) pero fue una venta reportada de más de 12 millones de dólares para una película que más que lo merece. Wilde tuvo un gran festival, impresionando también en un papel cómico muy diferente en la romp dom-sub por lo demás tibia de Gregg Araki *I Want Your Sex*, ganándose el estatus de reina del baile, algo que muchos esperaban que Charli xcx consiguiera, al protagonizar tres películas que se presentaban. Pero su gran mock doc *The Moment* decepcionó y sus roles más pequeños, de cameo, en comedias no hicieron mucho para asegurar que su asalto a la pantalla grande (hay más películas por venir) será del tamaño de *Brat*.
La otra venta importante, aunque a una escala mucho menor, fue una historia de éxito de Sundance mucho más orgánica: un pequeño terror queer australiano llamado *Leviticus*. Sigo frío con el título bastante engañoso, pero la película, sobre una maldición de terapia de conversión que hace que adolescentes gay sean plagados por un demonio con la apariencia de la persona que más desean, fue sensacional. Las comparaciones instantáneas con *Heated Rivalry* se sintieron un poco inspiradas por SEO (el sexo gay sí existió antes de esa serie), pero creo que su éxito inescapable ayudó a impulsar una película como esta, cargada de amor y lujuria gay, de un quizás Shudder a un sí de Neon. La compañía, que ha tenido gran éxito en premios en años recientes y un historial irregular con el horror, pagó alrededor de 5 millones, lo que al menos quita presión a la película para convertirse en un megaéxito (la venta de 17 millones de *Together* el año pasado llevó a solo 21 millones en taquilla en EE.UU.). Con una campaña inteligente y una puntuación crítica casi perfecta hasta ahora, podría ser un éxito sorpresa a pequeña escala a finales del verano, si no un éxito al nivel de *Talk to Me*. También ayudó a mantener los créditos de horror del festival, con otras ofertas (*Buddy*, *Rock Springs*, *Saccharine*) decepcionando.
El director de *Leviticus*, Adrian Chiarella, y sus estrellas Joe Bird, Stacy Clausen y Mia Wasikowska. Fotografía: Arturo Holmes/Getty Images
Decepciones, bueno, hubo muchas, la mayoría de las cuales se sintieron como intentos flojos de hablarle a películas de Sundance más viejas y mejores (dramedias sobredirigidas y subescritas de pueblos pequeños como *Carousel* y *Chasing Summer*). La peor fue la sátira del mundo del arte llena de estrellas de la directora de *Dead Pigs*, Cathy Yan, *The Gallerist*, que desperdició a Natalie Portman, Jenna Ortega, Da’Vine Joy Randolph y Catherine Zeta-Jones. Fue una prueba ardua, antigua y nada graciosa (aunque, como la mayoría de las películas de Sundance, era corta, no se sintió así), además tuvo la mala suerte de estrenarse justo después de *The Invite*, donde las risas se disiparon en gemidos. A pesar de ese reparto (¡tres ganadoras de Oscar!), no ha habido rumores sobre una posible venta.
El festival comenzó el mismo día que las nominaciones al Oscar, que trajeron buenas noticias para la cosecha narrativa del año pasado – nominaciones para *If I Had Legs I’d Kick You* y *Train Dreams* – pero grandes noticias para los documentales. El año pasado, cuatro de los cinco documentales nominados fueron estrenos en Sundance, pero este año fueron los cinco, el festival se ha convertido en el lugar más deseable para estrenar una película de no ficción, y aunque este año fue más ligero en éxitos obvios, hubo suficientes para sugerir que la Academia podría una vez más voltear al festival en busca de recomendaciones. El documental del que todos hablaban era *Once Upon a Time in Harlem*, un ensamblaje hábil de metraje de archivo de una cena de los años 70 que reunió a figuras clave del Renacimiento de Harlem. *Summer of Soul*, que también se estrenó en el festival y fue una película que dio nueva vida a metraje antiguo también en Harlem, logró conseguir una victoria en los Oscar, así que aunque las noticias de ventas han sido tranquilas, esperaría una avalancha de ofertas.
Con los rumores sobre quién podría comprar qué limitados mayormente a *The Invite*, la mayoría de las personas con las que hablé tenían más curiosidad sobre qué podría convertirse Sundance cuando se mude a Boulder. El festival ha mantenido un flujo constante de asistentes ricos de Utah que tienen muy poco respeto por el espacio personal (nunca en mi vida me han puesto o dejado caer más chaquetas encima) pero mucho dinero para gastar en pases de prioridad y entradas a estrenos. Una comunidad similar existirá en Colorado con sombreros igual de grandes, pero tomará tiempo ganárselos, especialmente con los festivales de cine de Denver y Telluride ya teniendo lugar en el estado. Lo que el estado sí tiene a su favor es mejor política (una preocupación rumoreada al dejar Utah fue el aumento en la legislación anti-LGBTQ+ entre otros temas) y alojamiento más asequible, con la esperanza de que una sección más diversa de críticos pueda asistir (Park City sigue siendo absurdamente caro).
Las preguntas más grandes son más existenciales. ¿Qué es Sundance ahora? ¿Qué queremos o necesitamos del cine independiente? ¿Qué permite o fomenta el sistema tal como está ahora? Un cambio de locación no va a cambiar las películas que se hacen, y aunque la calidad pueda haberse debilitado, sigue siendo una institución estadounidense importante, especialmente cuando nuevas y terribles fusiones amenazan con marginar al más débil. Sundance regresará el próximo año en Colorado con muchas expectativas, y con suerte un refrescamiento significará que la mira estará menos puesta en lo viejo y más en lo nuevo.