El inicio de su carrera estuvo marcada por la guerra de Vietnam, con primeros papeles en películas políticas como Hail, Hero! y Summertree. Así que parecía natural para Michael Douglas, que tenía solo 31 años, hacer su primera incursión en la producción con Alguien voló sobre el nido del cuco, una historia sobre un hombre que se rebela contra el sistema.
Cincuenta años después de su estreno, a Douglas le impacta como El nido del cuco resuena de nuevo en el panorama actual. “Es una historia tan clásica como cualquiera que tendremos y parece atemporal ahora, con lo que pasa en nuestro país políticamente, sobre el hombre contra la maquinaria y la individualidad contra el mundo corporativo”, dice el octogenario por Zoom desde Santa Bárbara, California.
¿Se refiere a Donald Trump? “No solo en América, pero vemos el autoritarismo continuar por todo el mundo”, añade Douglas. “Cuando hay inseguridad, la gente tiende a recurrir a una figura omnipotente que resuelva todo.”
El autócrata en El nido del cuco es la enfermera Ratched (Louise Fletcher), que impone rutinas estrictas y suprime cualquier chispa de individualidad en un hospital psiquiátrico de Oregon. Ella libra una batalla de voluntades con Randle McMurphy (Jack Nicholson), un criminal rebelde de poca monta que finge locura para evitar trabajos forzados y termina ingresado en una institución mental. Conforme el espíritu anárquico de McMurphy se extiende, la sala se siente brevemente más libre y viva.
La película, relanzada el mes pasado en Blu-ray 4K por su 50 aniversario, está basada en la novela de 1962 de Ken Kesey. Recién llegado de su éxito en Espartaco, el padre de Douglas, Kirk, había adquirido los derechos e interpretó a McMurphy en una obra de Broadway en 1963. Douglas, mientras tanto, leyó el libro en la universidad. “Al leerlo, y siendo un hippie en esa época, con los psicodélicos y todo eso, era como una Biblia para nosotros”, recuerda.
Kirk pasó años intentando hacer una versión cinematográfica, pero decidió rendirse y vender los derechos. Douglas recuerda: “Nunca pensé en producir, pero dije ‘déjame intentarlo’ y él fue lo suficientemente generoso para permitirlo. Como resultado, finalmente la hicimos. Le di mi mitad del sueldo de productor a papá y él ganó más dinero con eso que con cualquier película en su carrera.
“Pero él estaba decepcionado por no poder hacer el papel, lo cual siempre fue un problema, y yo sé perfectamente después de todos estos años que los buenos papeles en una carrera se cuentan con los dedos de una mano. No surgen tan a menudo. El único consuelo fue que cuando finalmente vio la película, le encantó y le encantó el trabajo de Jack.”
La decepción de Kirk se compensó con “lo orgulloso e impresionado” que estaba, añade Douglas. “Me miró con nuevos ojos, era algo increíble, porque para tu padre siempre eres un niño, así que fue bonito. Pero sí, a él le gustaba recordármelo.”
El socio productor de Douglas, Saul Zaentz, pidió a Kesey que escribiera un guion, pero no encajó y tuvieron una desavenencia con el autor. El proyecto empezó a tomar forma, sin embargo, con el guionista Lawrence Hauben, quien dirigió a Douglas hacia el humor salvaje y mordaz del director checo Miloš Forman.
Forman, entonces refugiado en el hotel Chelsea de Nueva York y con fama de sufrir una crisis, aun así voló a California. A diferencia de la mayoría de directores, que guardaban sus planes, Forman diseccionó el guion página por página. Douglas quedó convencido.
Tuvieron que esperar seis meses a que Nicholson terminara otro proyecto, pero esto fue una bendición porque pudieron ampliar el casting. Danny DeVito, el amigo más antiguo de Douglas y que había actuado en una producción off-Broadway de El nido del cuco en 1971, fue el primero en unirse. Encontrar al actor correcto para el Jefe Bromden, un nativo americano imponente que finge ser sordo y mudo, sería más casualidad.
En un vuelo a Nueva York, Douglas se sentó al lado de un vendedor de coches usados y anunciador de rodeos llamado Mel Lyman, de Eugene, Oregon, y le habló de la película. “Le di mi número y lo olvidé, y como seis meses después, recibo una llamada en mi oficina. ‘Oye, Michael, el indio más grandón que he visto en mi vida apareció por aquí el otro día. Este tipo es enorme, Michael, te lo juro.’ Ese era Will Sampson.”
Cuando Douglas y Nicholson conocieron a Sampson en el aeropuerto de Portland, supieron que era el indicado. “Will baja [del avión] con sus botas de cowboy y su sombrero, mide más de dos metros, con el pelo largo, y Jack grita: ‘¡Dios mío, es el jefe! ¡Es el jefe! No puedo creer que sea el jefe.’ Lo miró y era el casting perfecto. Ese fue probablemente el momento más eufórico: cómo íbamos a encontrar a este tipo, este personaje, y ahí estaba.
“Luego Jack dijo, ‘¿Puede hablar? ¿Puede hablar?’ Y después dijo, ‘Espera, ¡no tiene que hablar! No habla en la película.’ Estábamos tan emocionados que queríamos que se quedara con nosotros, así que vino. Íbamos en un avión pequeño de hélice y estabamos sobrecargados. Will estaba sentado al lado del piloto, y no teníamos suficiente espacio, y Jack estaba sentado en su regazo: ‘¡Maldita sea, es el jefe, es el jefe!'”
Volvieron a dar en el clavo con Fletcher para el papel de Ratched. Douglas dice: “Era una época políticamente – Gloria Steinem – en la que la idea de una mujer haciendo de villana era un tabú. A los hombres les encantaba ser el villano; los villanos eran geniales.” Cuatro importantes actrices rechazaron el papel y entonces Miloš encontró a Louise en una película de Bob Altman, interpretando un papel más pequeño. La probamos y fue maravillosa, así que también fue un gran descubrimiento.
La producción se trasladó a un hospital psiquiátrico activo en Oregón, en enero, cuando la luz del día desaparecía a media tarde. El director del hospital, el Dr. Dean Brooks (que luego apareció en la película), animó a sus pacientes a unirse al equipo. Y lo hicieron, trabajando en múltiples departamentos.
Douglas recuerda: “¿Por qué estamos en Oregón en enero? Se oscurece a las 3:30 de la tarde, con poca luz por las ventanas. Sentíamos que era necesaria esa verosimilitud y cooperación. El Dr. Brooks, quien fue incluido en la película, ayudó a integrar nuestros actores en sesiones reales de terapia grupal con los pacientes del hospital.
“Como era un hospital psiquiátrico estatal, también era para criminales dementes. Parte de nuestro trato con ellos fue contratar a muchos pacientes para trabajar en nuestra producción. En el departamento de arte teníamos a un pirómano trabajando, y recuerdo pensar: ¿es este el mejor lugar para este señor?”
Pero finalmente, Douglas sostiene que la decisión de filmar en locación valió la pena. “La diferencia entre ir cada noche a tu casa en Los Ángeles y luego venir a trabajar, versus estar allí. En un punto, muchos de nuestros actores dormían en sus catres en el set por la noche, porque eso creaba un vínculo.”
Nicholson y Fletcher observaron terapia electroconvulsiva una mañana a las seis. El actor Brad Dourif, que interpretaba a un paciente voluntario y joven en la sala, encontró valiosa la experiencia inmersiva. Desde su casa en Woodstock, Nueva York, el hombre de 75 años recuerda: “Íbamos y pasábamos cuatro horas en máxima seguridad con personas peligrosas.
“Las drogas cambiaron todo. Todos eran extraordinariamente normales. Hablé con varias personas y eran muy normales. Esa era la lección que Miloš quería que aprendiéramos: no quería que todos parecieran locos con algún truco. No paraba de decir: ‘Háganlo natural, natural’.
Agrega: “Hubo una gran pelea por las ventanas. El director de fotografía las escarchó y Miloš se molestó porque dijo que quería ver el exterior y ver los coches pasar, para tener la sensación de que no estaban aislados de un mundo en el que podrían participar. Estaba justo ahí fuera y, fuera lo que fuese lo que pasaba en la cabeza de cada uno, solo tenían que salir. Casi no tenían por qué estar allí.”
Dourif cree que Bibbit es bipolar, un término que aún no se había introducido. El personaje también tiene un tartamudeo marcado, que empeora bajo estrés o al enfrentarse a la autoridad, simbolizando cómo el mundo, y especialmente su madre, lo ha silenciado. Dourif recuerda cómo trabajó el tartamudeo.
“Hice ejercicios en los que iba a un lugar con una fila donde todos tenían prisa y tenías que saber lo que querías antes de llegar, o la gente te mataría, como la estación Grand Central, y yo iba y tartamudeaba.
“Miloš también me dijo, lo que fue una nota increíble, que en su experiencia, cualquiera que habla con alguien y tartamudeara está siendo increíblemente valiente, porque en el momento en que intenta hablar, está completamente solo.”
*Alguien sobre la costa* fue rechazada por todos los grandes estudios, pero luego ganó los cinco Óscars principales: mejor película, director, actor, actriz y guion. Steven Spielberg, que había dirigido *Tiburón* ese año, dijo recientemente: “Sí, yo hubiera votado por *Alguien sobre la costa* como mejor película sobre *Tiburón*. Lo hubiera hecho.”
Fue el primer premio de la Academia para Nicholson. Dourif reflexiona: “Se merecía un Óscar y estaba como, ‘No voy a dejar que esto se me escape, voy a hacer lo mejor que pueda’.
“Elevó a todos. Era la única persona que había hecho muchas películas. El resto veníamos del teatro, así que él sabía lo que debíamos hacer. Estaba allí para aconsejarnos. Básicamente, entendía la necesidad de jugar, así que cuando era difícil fuera de cámara, trataba de hacernos reír. Era algo genial.
Alguien dijo de Nicholson que sus actuaciones eran: ‘Yo puedo hacer lo que quiera’ – había algo inherentemente rebelde en su espíritu – pero para *Alguien sobre la costa* se había transformado en: ‘Yo puedo hacer lo que quiera, y tú también puedes’. Era una alegoría contra los peligros de lo que las instituciones le hacen a la gente.”
En el panteón de los grandes finales de películas – *Ciudadano Kane*, *El club de los poetas muertos*, *El graduado*, *El planeta de los simios* – seguramente hay un lugar para *Alguien sobre la costa*. El jefe descubre que McMurphy ha sido lobotomizado, lo ahoga con una almohada como acto de misericordia y encuentra una fuerza increíble para arrancar una enorme máquina de hidroterapia y lanzarla por una ventana para poder huir hacia la libertad.
Dourif se conmovió con la respuesta extática de Christopher Lloyd como uno de los pacientes cuyo espíritu fue liberado por McMurphy: “Pensé que Will fue increíble, hizo un trabajo hermoso, pero Christopher Lloyd lo vendió.” Su reacción fue asombrosa y totalmente acertada.
Douglas también destaca el inspirado uso que hizo el compositor Jack Nitzsche de una sierra musical, diciendo: “Jack creó esta partitura increíble – wah, wah, wah, wah, wah, wah – que se iba intensificando al final. Luego, Christopher Lloyd, esa última imagen… supimos que el final funcionaba.
“Fue una de esas películas en las que todo funcionaba a la perfección. Teníamos un guión sólido, un reparto excelente, una dirección muy buena y la banda sonora era genial. Mi primera película como productor me dio mucha información para el resto de mi carrera. Aprendí mucho de eso y estoy muy orgulloso de estar aquí hablando con usted sobre esto 50 años después.”