Hacia el final de nuestra entrevista de 2023, Scott Fair, guitarrista y productor de Mandy, Indiana, mencionó una fuente de inspiración inesperada: *Moana*. “La película de Disney”, aclaró, algo importante considerando que su álbum de noise rock caótico fue grabado en cuevas, criptas y centros comerciales. (Supongo que en *Moana* también hay cuevas. No interrumpí su respuesta para admitirlo entonces, pero de hecho he visto la película). La llamada al inicio de la película “inflenció este tipo de grito tribal que sucede mientras [la vocalista Valentine Caulfield] canta en el fondo”, refiriéndose a ‘Sensitivity Training’, la canción que cierra su disco debut *i’ve seen a way*. Para Mandy, Indiana, la inspiración puede venir de cualquier lado, y sus oídos están tan atentos a los sonidos de su entorno – ya sean cercanos (o en las paredes de su casa) o completamente ajenos – como a la forma en que pueden imaginarlos dentro de su penetrante y extraña obra. Y el cuerpo es precisamente la fuerza que anima *URGH*, su primer álbum para Sacred Bones, que tomó forma en parte durante “una residencia intensa en una casa-estudio inquietante” cerca de Leeds, pero mayormente, y con mucho trabajo, a larga distancia. Zumbando, golpeando y chapoteando por espacios indefinibles que solo pueden describirse con las coordenadas de su propio nombre, el álbum inspira igualmente innumerables reacciones pero solo puede ser capturado realmente por su propio título.
Hablamos con Scott Fair y Alex Macdougall de Mandy, Indiana sobre la fisicalidad, un avispero, atmósferas de videojuegos y otras inspiraciones detrás de su nuevo álbum *URGH*.
Fisicalidad
Este tema principal se refleja en distintos aspectos del álbum, y el título es un buen punto de partida. ¿Cómo dieron con él?
Scott Fair: He visto que en varias reseñas mencionan que es una encapsulación sonora del disco, una verbalización o expresión colectiva. Supongo que, para un disco, hay que escribirlo, pero se podría deletrear de muchas maneras. De hecho, eso fue tema de debate durante semanas entre los miembros de la banda: ¿Cómo vamos a escribirlo realmente? Pero es una respuesta física, siento, que trasciende el lenguaje. Es algo que se siente más primitivo, pero podría tener muchos significados. Discutíamos las definiciones de esa palabra, y habían sinónimos que rondaban, pero teníamos que decidirnos por algo. Siempre intentamos operar en áreas ambiguas, cosas difíciles de definir, y usar lenguaje no verbal para comunicarnos, así que eso se sintió como una representación muy apropiada de lo que queremos comunicar como artistas. Preferimos que no nos den todo masticado, dejar las cosas mal definidas o sin resolver, más cerca de la vida.
Alex Macdougall: Yo pensaba en la diferencia entre este álbum que sale y el anterior. El primer disco es mucho más escapista, crea otras atmósferas y mundos, y el nombre y la portada carecen del cuerpo, la fisicalidad – es como un mundo virtual. En cambio, este es lo opuesto; el arte viene de esos dibujos anatómicos antiguos.
SF: Carnovsky interpretó estas obras originales en RGB.
AM: Nuestra mánager, Tasha, cuando le presentamos esta idea para la portada, dijo: “Ah, recuerdo exactamente estos dibujos de mi libro de texto en la universidad”. Pero sí, el contexto en el que se hizo este disco se ha sentido mucho más estresante. El mundo a nuestro alrededor está tan jodido y caótico, y pienso en cómo ver las noticias y todo lo que pasa se imprime en mi sistema nervioso, porque soy adicto a mi feed de Instagram, viendo pasar toda esta información y teniendo reacciones emocionales. Realmente se te mete bajo la piel, así que me gusta cómo el arte tiene la cara, el cráneo, y debajo estos nervios y el sistema nervioso central, porque realmente refleja cómo me sentí haciendo este disco también.
Estas ilustraciones de tres capas también me hicieron preguntarme si tienen una visión similarmente anatómica de la música al estructurarla.
SF: Sí, yo diría que nuestra música refleja en cierta manera las capas. De hecho, descubrimos en los primeros días de gira que estábamos descuidando rangos de frecuencia enormes, porque teníamos unos bajos extremadamente graves, y luego estas guitarras y voces en el rango de medios agudos y agudos, y no había nada en los medios graves. Es casi como si tuvieras esta base baja, tienes las voces, y luego estas partes más etéreas y ásperas que se sitúan encima. Está estratificada un poco así, quizás más que otra música, que intenta usar todo el rango de frecuencias.
La película de 2024 It’s What’s Inside
SF: La idea real para el arte RGB – si no has visto la película, considero esto un *spoiler* menor. Pero básicamente es una película de intercambio de cuerpos, donde un tipo llega a una fiesta, no ha visto a sus amigos en años y años, y trae un dispositivo. No les dice qué es, pero les va a mostrar de qué se trata, y luego todos intercambian cuerpos. El cineasta usa este ingenioso dispositivo, una forma visual de decirte quién está en qué cuerpo cambiando la iluminación. Como recurso, me pareció muy interesante y único, y no algo que hubiera visto intentado en una película antes, especialmente de una manera tan bien lograda. De ahí vino la inspiración para el arte. Descubrí a Carnovsky, lo compartí con los demás, y dije que esto encajaba muy bien con la música. Me encanta que sea algo con lo que tienes que interactuar físicamente para apreciarlo. Creo que hubo algo de confusión, tal vez al principio, cuando lo compartimos por primera vez con el sello.
**Experiencias colectivas compartidas**
Ellos decían algo como, “Puede que la gente no entienda qué es esto”. Y la respuesta era como, “Esa es un poco la idea”. Queremos que la gente se sienta confundida y a la vez motivada a descubrir por qué es tan difícil de ver. Creo que esto es una extensión de cómo hacemos música también.
Antes de profundizar en las experiencias colectivas compartidas, quería preguntarle a Alex algo que está en la intersección entre lo físico y la interpretación, y que luego influye en su show en vivo. Has descrito el proceso de tocar la batería durante las jornadas de 10 horas cuando grababan el álbum como estar en “modo supervivencia”. ¿Sientes que hay un tipo específico de intensidad en la energía que puedes ejercer cuando empujas los límites de tu cuerpo, en comparación con cuando lo relajas?
AM: Es una pregunta muy interesante. Es algo en lo que pienso bastante como baterista, porque cuando aprendes a tocar la batería, te enseñan a relajarte lo máximo posible, ya que tus músculos funcionan mejor si están relajados. Pero simplemente no es la forma en la que yo he podido tocar nunca. [risas] La energía de la situación en vivo siempre se apodera de mí. Estoy cambiando eso poco a poco, pero hay algo realmente interesante y distinto en tocar al límite físico, sin duda en vivo. Creo que tiene que ver con ver a una persona real frente a ti, un ser humano realmente al límite. Por eso me encantan bateristas como Zach Hill, ese tipo de estilo.
Recordando la grabación, hicimos las baterías en el transcurso de tres días, y estábamos allí únicamente para grabar las baterías; no pretendíamos grabar otros instrumentos. Es la primera vez que hago una sesión de grabación donde ha sido así. Antes, cuando te cansas un poco haciendo tomas, puedes cederle el turno al bajista u otro músico para que haga sus partes y descansar. Yo tomaba descansos, pero era todo mi responsabilidad terminarlo en tres días, que era todo el tiempo que teníamos dinero para pagar. Esto fue después de una cirugía que me habían hecho a principios de año, y de todos modos entraba en el estudio sintiéndome como al 70% de mi energía. Realmente no quiero glorificar todo eso, pero creo que el sonido de la batería y la urgencia del mismo sí surgieron en parte de ese contexto de realmente esforzarse al máximo, porque no es nada fácil. Algunas de estas partes de batería son muy intensas de tocar, especialmente cuando haces tomas una tras otra. Creo que eso ha quedado marcado en el disco.
También estabas pensando en los diferentes ritmos que hacen que el cuerpo se mueva de distintas maneras, lo que se relaciona con observar al público en el directo. Estando en tu concierto en Primavera Barcelona hace un par de años, me sorprendió cómo había una línea muy fina entre el mosh y el baile en vuestro show. No había visto realmente esa combinación específica antes.
SF: Es una observación increíble escucharla de ti. Muchas de estas formas de moverse con la música se originan en algún lugar – no se llama mosh inicialmente, alguien le pone esa etiqueta. Creo que si puedes inspirar una forma de movimiento que, al principio, sea un poco irreconocible, hay algo muy emocionante en eso. Si le ofreces a la gente música con la que no saben si bailar, hacer mosh o ambas cosas, eso es realmente genial. Espero que sea algo que podamos alentar a la gente a explorar en nuestros conciertos, a moverse no necesariamente de una manera practicada, o que se sienta como una imitación de algo, sino en respuesta a la música y como sea que les haga sentir. Todo nuestro autodenominado experimento, por mucho que estés de acuerdo con eso, está en busca del descubrimiento. Intentamos llegar a algo que nos parezca nuevo y emocionante, y sólo al regurgitar tus influencias de la manera más interesante que seas capaz, tienes una remota posibilidad de llegar a algo que se sienta como un experimento, como si pudiera tener algún germen de novedad.
AM: Estaba pensando en cómo, a lo largo del disco, hay ritmos que son algo rígidos y en la cuadrícula, y luego hay ritmos que son más raros, un poco informes. Básicamente, entraba en la sala de batería y experimentaba con estas ideas, grabando mientras improvisaba con estas diferentes imágenes en mente. Un ejemplo que me viene a la mente es, al inicio de ‘Magazine’, hay un ritmo de cencerro que pretende sonar informe, un poco relajado. Ese fui yo entrando en la sala y pensando en esa banda Liquid Liquid, el tipo de ambiente que tienen, y lo que su música hace que mi cuerpo haga, tratando de sacar eso también.
**Avispero**
AM: Esta era una idea que tenía para charlar sobre algunas de las samples menos convencionales que llegaron al disco. Unas avispas hicieron un hogar en la pared de la casa donde vivo – de hecho, Val se quedó aquí unas semanas mientras eso pasaba, y bajaba al baño en medio de la noche, y había cinco avispas allí. No estaba nada contenta. Solo escuchar cómo la colonia se hacía más y más grande era extraño, y hacia el final de su ciclo, se volvieron más agresivas, así que hice una grabación con el teléfono a través de la pared, se la envié a Scott, y está en algún lugar del álbum. Quizás no debería decir dónde. Hay otros sonidos divertidos e interesantes. El metro de Budapest llegó al disco. Y luego también están los walkie-talkies de tus hijos haciendo feedback.
SF: Sí. Hicimos cosas de ASMR, manos frotándose, envoltorios y cosas así. Si se te ocurre una idea para algo textural —que es lo que normalmente me pasa a mí— y piensas: “Aquí necesita esto”, entonces viene la pregunta: “¿Cómo hago para conseguir eso?” Y a veces será algo como: “Oye Alex, ¿tienes algo que suene así?” Y él contesta: “Bueno, tengo una grabación de avispas justo ahí dentro de mi pared.” Y tú dices: “Ah, sí, necesitamos un sonido tipo avispa.” [risas] No necesariamente soltamos esas cosas como pequeñas pistas ocultas con esa intención, es más bien ampliar la paleta sonora de esa manera. No somos tan quisquillosos sobre qué deberíamos o no incluir —si funciona y lo hace más interesante, pues así sea.
AM: Tenemos suerte de tener dos formas de incorporar esas cosas también en el directo. Simon tiene una pad de samples SP404, y yo tengo un pad SPD junto a la batería.
SF: Ah, ¿y los perros de afuera del White Hotel?
AM: ¿De ahí son?
SF: Sí, en ese aparcamiento. Es literalmente yo caminando a casa después de un concierto en el White Hotel, y ellos acercándose e intentando pillarme. [risas]
AM: No debías tener tanto miedo si sacaste el móvil.
SF: Creo que ha pasado tantas veces que ya iba un poco preparado. Pensé: “Chicos, vais al disco. Ya me habéis molestado bastante.”
Una canción como ‘Cursive’ tiene tanto dentro, y puedo apreciar el producto final sin saber cómo llegasteis realmente a esos sonidos. Es casi como si el punto de partida pudiera ser cualquier cosa.
SF: Ésa es interesante, porque es la que tiene el sonido del metro de Budapest. La tocamos en vivo por primera vez, la hemos estado ensayando, y yo puedo hacer sonidos muy similares a ese metro y al tipo de ruidos que hace con mi guitarra. Eso casi pasó por accidente, así que es raro cómo suceden estas cosas.
## Gira por Europa y Estados Unidos
Recuerdo veros a ti y a billy woods en el mismo escenario en días distintos en Primavera. ¿Fue así como os conocisteis?
Scott Fair: En realidad, no fue en el de Barcelona, sino en el concierto de Porto. Él estaba en el backstage siendo entrevistado, y nosotros estábamos sentados justo al lado. Pero yo era tan fan. Pensé: “No voy a hablarle.” Y luego resultó que también compartimos cartel en Club to Club, otro festival en Turín, y su camerino estaba justo al lado del nuestro. Yo estaba comentando que escuchaba mucho su música en ese momento también, así que me daba demasiada vergüenza interactuar, pero Val se enteró de que era un gran fan y dijo: “Bueno, a mí no me importa, voy a entrar ahí.” [risas] Así que literalmente entró en su camerino sin ceremonias, sin avisar, irrumpió y dijo: “¡Hola, billy woods!” Siento que tenemos que guardarnos el resto de esa historia un poco más, tal vez, porque definitivamente es un poco —¿cómo lo llamarías? Ya sabes, cuando escuchas esas historias sobre la historia de la música y nadie sabe si son ciertas o no.
No es para la campaña del álbum, es para los libros de historia.
SF: Hablaremos con más detalle algún día, pero quizá lo dejemos en suspense por ahora.
AM: [risas] Me encanta cómo hablas como si eventualmente fuéramos a entrar en ese libro de historia en el cielo.
SF: Te diré algo: cuando nos ingresen en el Salón de la Fama del Rock and Roll o lo que sea el equivalente para una banda rara como nosotros, entonces soltaremos toda la información.
¿De qué otras maneras influyó la gira en el disco?
Scott Fair: Eso es lo que yo quería hacer cuando era más joven, simplemente viajar. Realmente no tuve muchas oportunidades de hacerlo, y estar en una banda es una manera increíble de experimentar otras culturas y conocer gente interesante, y eso tiene que tener un impacto y una influencia. Hubo un concierto, en el que sigo pensando mucho, que fue en Leipzig. Transmitían los shows en esta emisora por internet —todo era equipo de transmisión antiguo, pero usaban estos filtros y efectos, todo este equipo externo que manejaban en tiempo real mientras nosotros tocábamos el show. Era una sala muy pequeña, todo el mundo fumaba dentro, simplemente viviendo y respirando esta atmósfera artísticamente muy estimulante. Ese concierto fue una verdadera revelación para mí. Pensé: “Hacía mucho que no tocaba un show así.” No tocamos en vivo tan a menudo, porque estamos todos muy ocupados con nuestros trabajos diarios, nuestras vidas personales, todo lo demás. Así que cuando estamos juntos, es muy especial, porque aparte de esos tres días en esa casa en Leeds, no nos vimos realmente mientras escribíamos el disco. Siento que ahí es donde realmente existe el espíritu de la banda, cuando estamos juntos haciendo conciertos.
## Creando a distancia
SF: Hubo mucha más participación de los cuatro miembros en cuanto a ideas y de dónde venía la inspiración. El primer disco fue un poco más mío y de Valentine, ideas en las que habíamos estado trabajando mientras formábamos la banda a nuestro alrededor. Los gustos e ideas de los cuatro miembros individuales tienen mucha más presencia en este disco. Pero por lo demás, diría que probablemente fue un proceso aún más remoto y a distancia que el primero, porque gran parte del primero se escribió mientras Valentine aún estaba en el Reino Unido. Esta vez ella vivía en Berlín desde el comienzo del proceso, y eso significó que todo se hizo de forma remota, aparte de los tres días que pasamos juntos, que fueron muy productivos.
Fue un gran desafío, pero también sabíamos que estábamos haciendo algo que valía la pena, así que mereció la pena el esfuerzo extra que supuso para nuestras vidas personales, y eso fue bastante frecuente. **ENTREVISTA**
Siendo sincero, hubo momentos bastante duros para nosotros como banda y como individuos, considerando las otras dificultades que algunos estábamos pasando, como cirugías y varios temas de salud. No fue una experiencia tan agradable como hacer el primer álbum, diría yo. A veces se sentía más como un trabajo. Muchas veces parecía que ya estaba terminado, y después nos dábamos cuenta de que no, y teníamos que desarmar cosas y reconstruirlas otra vez. Y todo eso es más difícil cuando no ocupas el mismo espacio físico, porque la comunicación se puede fracturar si todo es por mensaje de texto o nota de voz o una llamada de Zoom ocasional. Como decía Alex antes sobre llevarte a tus límites, es como un futbolista en el campo, dando absolutamente todo lo que tiene. Yo me sentí así a veces, como: “Ya no me queda nada más que darle a este álbum”. Todo ha sido exprimido, todo está ahí dentro.
¿Y para ti, Alex, qué fue lo más gratificante del proceso? ¿Es ahora, escuchando el disco, o quizás durante esos tres días?
**AM:** Siento que ahora que está por salir, toda la dificultad está quedando en un segundo plano. Pero simplemente disfruto mucho pasar el rato con estos chicos, así que lo de los tres días fue genial por eso. Lo otro es que estábamos bastante aislados, no había mucha cobertura de teléfono, solo estábamos nosotros allí. Me da pena que ahora no podamos vernos tan seguido. Los tres chicos sí, porque vivimos en Manchester o cerca, pero ver a Val es un poco más complicado. Así que los momentos en que los veo son los más gratificantes, porque nos retroalimentamos y simplemente la pasamos muy interesante y tontamente juntos.
### **Atmósferas de videojuegos**
Eso definitivamente es algo que influenció tu primer disco también. Recuerdo que mencionaste BioShock.
**SF:** Supongo que esto alude a muchas cosas —puede ser una película, puede ser un videojuego. La música es lo que me sale más natural, pero a menudo me motiva el estímulo visual, y muchas veces en combinación con la música. Podrían ser cualquier cantidad de películas o juegos. En particular, lo que estaba jugando en ese momento: *Alien: Isolation* fue uno importante, y eso definitivamente fue una gran influencia para muchos de los sonidos que creaba con mi guitarra en el disco. Había un juego llamado *Detention*, que me tenía realmente fascinado. Es un juego de terror y puzles en 2D con una atmósfera muy inquietante. Realmente no hay nada mucho más profundo en estas influencias, pero yo prefiero siempre citar esas cosas visuales que enumerar un montón de discos o artistas, porque siento que eso es menos interesante. *Inside* de Playdead fue otro —también me encantó *Limbo* de ellos, pero recuerdo específicamente jugar *Inside* muy tarde de la noche y pensar: “¿Cómo sonaría este juego como una canción?”.
No creo que sea un proceso súper único necesariamente, pero esa es la manera honesta en que empecé muchas de estas ideas: ¿Cómo transfieres la atmósfera de este juego, o de esta película, a la música? Imagino que eso debe ser divertido para la gente que compone bandas sonoras, pero en muchos sentidos, hay mucha más libertad cuando no haces eso porque no tiene que encajar con una imagen; no hay puntos de loop o lo que sea. Es solo intentar encontrar un tono, una sensación, y eso puede venir de cualquier parte.
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Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad y extensión.
*URGH* de Mandy, Indiana ya está disponible a través de Sacred Bones.
[URGH by Mandy, Indiana](https://mandyindiana.bandcamp.com/album/urgh)