El mundo del arte contemporáneo ha perfeccionado un tipo particular de hospitalidad. Las puertas están abiertas, la mayoría de las exposiciones son gratuitas y la persona en recepción sonríe y te entrega un comunicado de prensa. Y, sin embargo, en el momento que entras en una sala con obras de arte, ya no estás seguro de que este sea un lugar al que debes estar. Las paredes blancas y los suelos pulidos parecen esperar algo de ti. Miras la sala, luego tu ropa. ¿Cómo debo comportarme? ¿Sé lo suficiente para estar aquí? ¿Qué debería sentir y cómo debería responder?
Para mucha gente, esta incomodidad es razón suficiente para mantenerse alejados. Para otros, determina cómo se mueven por el espacio y cuánto de sí mismos quieren llevar consigo. En lugar de conectar con la obra, se vuelven conscientes de su propio cuerpo, su comportamiento y de si están ocupando el espacio de la manera correcta.
Este es el espacio en el que trabaja y contra el que lucha Erika Song. Su práctica curatorial comienza con el reconocimiento de lo alienante que pueden ser las exposiciones. Ella no intenta suavizar esa tensión ni fingir que no existe. Al contrario, trabaja dentro de ella. Song no promete que el arte que encuentres será fácil o inmediatamente comprensible. En su práctica, plantea preguntas más desafiantes: ¿Y si entender no es el objetivo? ¿Y si una exposición puede llegar a ti de una manera que las palabras no pueden? En su trabajo, la atmósfera importa más que las respuestas.
Para ella, el cubo blanco no es un espacio neutral. Habla abiertamente de cómo las paredes desnudas, la luz artificial fría y la ausencia de muebles pueden hacer que el arte parezca distante y más difícil de conectar. En lugar de rechazar este formato por completo, elige trabajar dentro de él, añadiendo pequeñas intervenciones que podrían pasar desapercibidas hasta que alguien las señale. Para *In Between* (2023), invitó a amigues a escribir los textos de la pared a mano. Era una forma de involucrarlos en el proceso y hacer sentir su presencia. También colocó snacks de su infancia cerca de la entrada, pequeños recordatorios de risa y despreocupación. Estos gestos son sutiles, incluso vulnerables, pero el momento en que rompe la barrera entre la galería estéril y elementos de la vida cotidiana es exactamente donde surge su fuerza curatorial.
Este enfoque continuó en su exposición de Londres de 2024, *Ephemeral Radicals*, que exploraba cómo podría ser la radicalidad más allá del ruido o el espectáculo. Aquí también, no era algo para ser consumido o representado, sino algo lento, arraigado e incrustado en la experiencia diaria. El diseño, el ritmo y la estructura de la exposición no eran solo un fondo, sino parte de la conversación, tan integrales como las propias obras de arte.
*“Ephemeral Radicals”, 10 Greatorex Street, septiembre de 2024*
Su compromiso de hacer espacio para lo que a menudo queda en los márgenes se extiende más allá del público. Incluye las propias formas artísticas. En 2025, organizó el *ESEA Performance and Sound Art Festival* en Londres, colocando el sonido y la performance en primer plano. Estos medios a menudo son tratados como una idea tardía en las galerías, permitiéndoles aparecer brevemente mientras las pinturas y esculturas permanecen toda la exposición. Al elegir un formato de festival, creó una estructura donde no eran elementos de apoyo. Eran el centro. El público no solo era invitado a mirar, sino a quedarse, a escuchar, a dedicar tiempo.
*“Undercurrent: ESEA Performance and Sound Art Festival”, Copeland Gallery, septiembre de 2025*
Junto con estos proyectos, emerge un patrón claro. Erika Song no quiere decirle a los espectadores cómo mirar el arte. En cambio, busca cerrar la brecha entre el espacio, la obra y el público. Su práctica sugiere que la sensación de pertenencia no viene de conocer las referencias correctas o interpretar la obra de la manera “correcta”. Viene del cuidado. Está claro que quiere crear entornos que permitan a la gente concentrarse en el arte en lugar de en cómo son percibidos. Que les permita experimentar el arte en sus propios términos, sin la presión de entenderlo bien.