Según un informe reciente de Consumer Affairs, los estadounidenses pasan aproximadamente cuatro horas y media al día en sus teléfonos, lo que representa un aumento del 52% desde 2022. El reporte también destaca que revisamos nuestros móviles unas 200 veces por día.
En una época donde el diseño gráfico es protagonista en nuestras pantallas, el trabajo de Ingrid Schmaedecke se siente tangible. Desde un título de exposición en gelatina verde que se disuelve lentamente, hasta un gato ilustrado amante del sake que se convirtió en un icono de culto en Greenpoint, el portafolio de Schmaedecke desafía el “aplanamiento” de la marca moderna.
Diseñadora, arquitecta y estratega radicada en Brooklyn, Schmaedecke ha pasado los últimos ocho años construyendo una reputación basada en la lógica material—una filosofía de diseño donde el medio es tan importante como el mensaje. Ya sea trabajando en señalética ambiental para grandes museos o en un archivo digital de técnicas constructivas indígenas, su meta sigue siendo la misma: crear identidades que no solo se vean bien, sino que actúen con intención en el mundo físico.
Para muchos diseñadores, el “estilo” es una firma. Para Schmaedecke, es una variable. “El lenguaje material y visual en cada caso surge del concepto, nunca de un estilo personal,” explica. Este enfoque le permite moverse entre proyectos que, en superficie, no tienen nada en común.
Tomemos, por ejemplo, su trabajo en Isometric Studio para Bin Bin Sake. La marca se centra en un personaje “cautivador”—un gato regordete y relajado llamado Bin (que significa “botella” en japonés). Lo que comenzó como un boceto informal en una libreta durante una reunión con el cliente, floreció en un sistema visual completo. Bin Bin aparece sirviendo, durmiendo, en bicicleta y de fiesta en bolsas, cartones de bingo y fachadas.
“El cliente quería algo diferente al tradicional ‘Maneki-neko’ japonés,” recuerda Schmaedecke. “Bin Bin terminó cargando con gran parte de la identidad. La gente publica fotos de la bolsa tote con sus propios gatos, y a veces veo personas usándola en la calle. Se convirtió en algo que la gente genuinamente adoptó.”
En este caso, el “diseño” no fue solo el logo; fue la calidez y la identificación que permitieron a una marca comercial entrar en la vida doméstica de sus clientes.
La obsesión de Schmaedecke con la materialidad no es algo reciente; está en su ADN. Creciendo en Brasil, veía a su padre trabajar en su taller de carpintería, eventualmente construyendo cosas junto a él. Esta educación táctil la llevó a obtener una licenciatura en Arquitectura de la Universidad Federal de Paraná (UFPR), un título que formó su pensamiento espacial de manera fundamental.
Antes de mudarse a Estados Unidos, Schmaedecke se estableció en el ámbito del diseño brasileño. En el Museu Paranaense en Curitiba, se desempeñó como Coordinadora del Departamento de Diseño Gráfico. Allí, no solo diseñaba carteles; trabajó junto con la dirección del museo en el rediseño institucional, colaborando con antropólogos y curadores para asegurar que la identidad visual resonara con su diversa misión cultural.
Sus raíces arquitectónicas son quizás más visibles en la Caixa Morada, un proyecto en la intersección del diseño de mobiliario y exposición. La estructura de madera es literalmente una “exposición en una caja” que se pliega en su propio contenedor de envío y se despliega en una muestra a escala completa. Es una lección maestra de logística y estética, demostrando que una exhibición puede ser un objeto tridimensional que se diseña dentro de sus propias limitaciones.
Mientras que parte de su trabajo está diseñado para disolverse, otros proyectos están hechos para ser atemporales. Una de sus contribuciones más significativas es la Dimensão Imaterial do Habitar e Construir Indígenas. Trabajando junto a un equipo de arquitectos y antropólogos, Schmaedecke lideró el diseño gráfico para este proyecto en el Museu Paranaense, tendiendo un puente entre la historia de archivo y las comunidades vivas. El museo conservaba más de mil fotografías y películas de los pueblos Xetá, Kanhgág y Guarani de principios del siglo XX—imágenes que las propias comunidades a menudo nunca habían visto.
Schmaedecke diseñó el archivo digital y el sistema visual del proyecto, que registró las respuestas orales, recuerdos y conocimientos técnicos de construcción de representantes indígenas mientras revisaban los archivos.
“Este proyecto necesitaba durar, superar el olvido,” dice. En este contexto, el sistema visual no se trataba de “verse bien” para una galería de diseño; se trataba de legibilidad, cuidado y accesibilidad para una comunidad que reclama su propia historia.
Al aprovechar su formación multidisciplinaria— desde la cofundación de Studio Bombus, una práctica que abarca diseño gráfico, mobiliario y arquitectura, hasta su trabajo con ATO1Lab en el Museo Oscar Niemeyer— Schmaedecke aborda cada proyecto como un desafío espacial. Ya sea un personaje en una bolsa o un sistema de señalética en una gran institución cultural, ella se pregunta: ¿Cómo debería comportarse esto con el tiempo?
En el mundo de Schmaedecke, el diseño no es una imagen estática en una pantalla. Es algo vivo—que se multiplica en las redes sociales, se disuelve en una galería o preserva una cultura para el próximo siglo.
“Siempre quiero que la identidad haga algo más que verse bien,” concluye. “Debería cargar una idea.” Y en una industria a menudo obsesionada con el “ahora”, el enfoque de Schmaedecke en el “cómo” y el “dónde” es precisamente lo que hace que su trabajo se sienta tan permanente.
Imágenes cortesía de Ingrid Schmaedecke e Isometric Studio.