Quince años después de su lanzamiento, Seahaven saldrán de gira a principios de 2026 para celebrar su querido álbum debut “Winter Forever”, interpretándolo completo por primera vez. Esta gira aniversario ofrece a los fans la oportunidad de experimentar el disco de principio a fin.
“Winter Forever” fue un disco fundamental que capturó a una generación de oyentes en los círculos del emo, indie y post-hardcore. También habrá una variante exclusiva del LP de “Winter Forever” disponible únicamente en los conciertos.
“Este disco lo guardamos en un lugar muy especial para nosotros”, compartió la banda. “Estamos emocionados de celebrar este aniversario con todos los que han llegado a disfrutarlo a lo largo de los años”.
Lanzado originalmente en noviembre de 2011 a través de Run For Cover Records, “Winter Forever” llegó en un momento pivotal en el revival del emo americano. Con su mezcla de guitarras atmosféricas, emoción cruda e introspección poética, Seahaven creó un sonido que se sentía a la vez cinematográfico y profundamente personal.
Canciones como “Black & White”, “PV” y “Save Me” se convirtieron en himnos para los fans que encontraron consuelo en su vulnerabilidad y catarsis, situando a Seahaven junto a grupos como Balance and Composure, Title Fight y Brand New como líderes de un nuevo underground emocional.
Desde entonces, la banda con base en California —Kyle Soto, Cody Christian, Mike DeBartolo y Eric Findlay— ha seguido evolucionando. Su siguiente trabajo de 2014, “Reverie Lagoon: Music for Escapism Only”, cambió la distorsión por la contención, ganando elogios por su minimalismo exuberante, mientras que “Halo of Hurt” de 2020 marcó un poderoso regreso después de un hiatus de seis años. A través de sus tres discos, Seahaven ha construido una obra definida por la honestidad, la atmósfera y la profundidad emocional.
Quince años después, “Winter Forever” sigue siendo una piedra angular del canon emo moderno, un álbum que todavía resuena por su sinceridad y ambición.
La gira del 15º aniversario de Winter Forever —con Commoner y Flycatcher en fechas seleccionadas— comenzará el 22 de enero de 2026 en Phoenix, AZ, con paradas por Estados Unidos y Canada hasta el 6 de febrero. Tras esta gira, la banda ha insinuado más actividad para más adelante en el año.
Consigue tus entradas: http://winterforever.com/
Crédito de la foto: Bibian Bingen
La visionaria artista neerlandesa-británica Tessa Rose Jackson regresará en enero de 2026 con “The Lighthouse”, un tercer álbum inquietante pero que afirma la vida, y que medita sobre la ascendencia, la mortalidad y la pertenencia.
Antes de su lanzamiento, Jackson ofrece otra mirada al disco con su nuevo sencillo “Fear Bangs The Drum”, disponible para streaming hoy. Anclada por atmosféricas espectrales y un gancho de brass juguetón, la canción explora la idea de reconocer el miedo en lugar de reprimirlo. Publicidad. Desplázate para seguir leyendo.
“Yo soy una persona bastante miedosa — me preocupo de que algo le pase a mis seres queridos, por el estado del mundo”, dijo Jackson. “El miedo puede ser paralizante. Recientemente, en vez de intentar suprimirlo, me he permitido dejarlo burbujear en la superficie y simplemente dejarlo estar un rato — no actuar en base a él, pero tampoco luchar contra él. Y entonces… exhalar. Y dejarlo ir”.
A pesar de su tema pesado, “Fear Bangs The Drum” es uno de los momentos más optimistas del álbum, una celebración de la liberación y la renovación.
Su video acompañante, dirigido por David Spearing con diseño de producción de Joseph Bisat Marshall, transforma esa emoción en poesía visual.
“Para mí, la película trata sobre el momento en que dejas de intentar excluir al miedo y, en su lugar, aprendes a vivir con él — quizás incluso a usarlo”, dijo Spearing.
Escrito durante un período de reclusión en la Francia rural, “The Lighthouse” muestra a Jackson saliendo de detrás de su monónimo de una década “Someone” para reclamar su propio nombre. Rico en folklore fantasmal y texturas de alt-folk cinematográficas, el disco canaliza influencias de artistas como Feist y Charlotte Gainsbourg mientras permanece completamente propio — lumínico, íntimo e intrépido. Crédito de la foto: Bibian Bingen
“‘The Lighthouse’ se sintió como un faro”, dijo Jackson. “Es un álbum que habla sobre la muerte, pero no en un sentido puramente oscuro. Para mí, también se trata de la celebración de la vida — abrazando los miedos, la identidad y las historias que heredamos”.
Tras el lanzamiento del álbum, Jackson emprenderá una gira europea de 11 fechas European tour comenzando el 11 de marzo de 2026 en Brighton.
Escucha “Fear Bangs The Drum”: https://hypeddit.com/o585zv
Pre-guarda “The Lighthouse”: https://hypeddit.com/h0rdd5.
Después de un hiatus de cinco años, Lunar & The Deception regresaron con otra cautivadora muestra de su tan esperado álbum debut “The Somnambulist”, que llegará el 6 de marzo de 2026. Su nuevo sencillo, “No More Secrets”, es una pista hipnótica y ahumada que fusiona cuencos tibetanos en capas, theremín, guitarra nerviosa y voces invertidas en una inquietante sesión musical.
Inspirada por The Doors, Portishead y Nico, la canción canaliza seducción y desafío en igual medida. Publicidad. Desplázate para seguir leyendo.
“Estos son tiempos poderosos”, dijo la vocalista Britt Xyra Dusk. “Los muros del viejo mundo se están desmoronando, y los secretos que los sostenían están siendo revelados. ‘No More Secrets’ trata sobre la caída de los sistemas opresivos y el regreso del equilibrio — es un grito de guerra por el ascenso de lo femenino, el artista y la verdad”.
El video de la canción, filmado en las antiguas cavernas de Wookey Hole y en el estudio, difumina la línea entre el ritual y la resistencia. Con vestuarios hechos a mano, imaginería elemental y simbolismo mítico, las imágenes reflejan la exploración de la canción sobre el colapso, la exposición y la renovación.
Cinco años en proceso, “The Somnambulist” (que significa “sonámbulo”) fue grabado en Woodworm Studios y Old Street Studios, completado con el productor Michael Rendall (The Orb, Peter Murphy, The Jesus & Mary Chain). El álbum abarca temas del despertar personal, el colapso social y la transformación espiritual — entretejiendo protesta y poesía en una visión trascendente.
Liderados por la poeta, vocalista y diseñadora irlandesa-sudafricana Britt Xyra Dusk, Lunar & The Deception se han ganado una reputación por sus actuaciones inmersivas y una identidad visual impactante, moldeada por los antecedentes de Britt en cine, antropología y mitología. Habiendo actuado previamente en Glastonbury (2016, 2019), la banda continúa difuminando los límites entre arte, activismo y sonido — uniendo lo antiguo y lo urgente.
Escucha “No More Secrets”:
Crédito de la foto: Eliot Lee Hazel
Tras el éxito de su álbum debut “Storytelling”, el compositor y productor sueco afincado en Los Ángeles Olovson regresa con “UNTANGLE” — el tema que da título a su próximo álbum, previsto para el 24 de octubre a través de su propio sello 1136 Diamond.
La primera muestra del disco, “THINGS I COULD’VE LEFT BEHIND“, ya ha recibido elogios de NPR Music, KCRW y KEXP 90.3 FM.
Conocido por sus emotivos trabajos para piano y su producción ganadora de Grammy para artistas como Frank Ocean, Dua Lipa y Mark Ronson, Olovson ahora vuelve la mirada hacia dentro — centrando su propia voz por primera vez.
“UNTANGLE” es una pieza contenida pero resonante, llevada por un sub-bass pulsante, el suave ritmo de pasos y el frágil y flotante falsete de Olovson. La pista suena como una meditación — donde el duelo se encuentra con la liberación y la oscuridad da paso a la luz.
“Esta canción trata sobre desenredar las emociones y patrones que cargas — y darte cuenta de que tienes permitido soltarlos — saliendo al otro lado sintiéndote más en paz”, dijo Olovson. Publicidad. Desplázate para seguir leyendo.
Tras “Storytelling” — que acumuló más de 3 millones de streams y recibió elogios de medios como Rolling Stone India, Wonderland, CLASH y PopMatters — Olovson continúa expandiendo su universo cinematográfico.
Su tema “Books Are Flying” apareció en la serie de SHOWTIME The Man Who Fell to Earth, mientras que el video de “Gyroscope” fue nominado en múltiples festivales de cine con opción a BAFTA, incluyendo Encounters, London Short Film Festival y LIFA.
Con “UNTANGLE”, Olovson entra en nuevo territorio — combinando el delicado trabajo de piano con texturas vocales atrevidas y una producción electrónica minimalista. Los fans de James Blake, Sampha y Blood Orange reconocerán el mismo equilibrio entre intimidad y experimentación.
Escucha “UNTANGLE”: https://awal.uk/untangle
La formación de rock de Bristol Oswald Slain hizo su tan esperada llegada hoy con el lanzamiento de su álbum debut “BUCKY”, disponible en dos variantes de vinilo de edición limitada.
Surgidos de su estudio casero construido por ellos mismos, el debut de Oswald Slain marca tanto un renacimiento personal como musical. A lo largo de ocho pistas, la banda navega por el caos de la juventud, las realidades de envejecer y la belleza de la autoaceptación — todo entregado con una honestidad irónica, crudeza emocional y el descaro de una era pasada del rock.
Tras su EP revelación “Kiss Me on the Mouth” (abril 2025), que obtuvo el reconocimiento de Asbo Magazine, RTE, Fame Magazine, KUTX, Sirius XM, Rough Trade’s Counter Culture, Ones To Watch y Apple Music’s “New In Rock”, la banda aprovecha ese impulso con un disco que es tan crudo como refinado.
Grabado y producido internamente por Ryan Rogers (Mumble Tide) y la banda misma, “BUCKY” fue mezclado por John Logan y masterizado por Jason Mitchell en Loud Mastering (PJ Harvey, XTC, Big Special). Para Fitzgerald y Williams — pareja en la vida y en la música — el álbum representa tanto un ajuste de cuentas como una liberación: un álbum de recortes sonoro del fracaso, la esperanza y todo lo intermedio.
“Hacer este disco fue un punto de inflexión masivo en nuestras vidas”, dijo Fitzgerald. “Después de estar un poco inseguros de hacia dónde se dirigían las cosas y qué estábamos haciendo, los días pasados grabando estas canciones en nuestro pequeño estudio fueron los momentos de claridad que necesitábamos para poner en marcha algo nuevo y creativamente emocionante”.
El proceso fue rápido e instintivo — las canciones a menudo se escribían por la mañana y se grababan por la tarde, con tomas en vivo y un pulido mínimo que capturaba la inmediatez del momento.
La nostálgica canción que da título al álbum, “Bucky”, lanzada el 10 de octubre, une los temas del disco en un himno nebuloso de los 90 sobre el escapismo y la liberación.
Con “BUCKY”, Oswald Slain captura el sonido de la renovación — imperfecto, intrépido y lleno de vida — la clase de disco que no persigue la nostalgia sino que vive dentro de ella. Publicidad. Desplázate para seguir leyendo.