Después de una gira agotada por Asia, elijah woods entra en su siguiente etapa con “Slicked Back Hair”, un sencillo vibrante y positivo que demuestra por qué se ha convertido rapidamente en una de las voces independientes más fascinantes del pop. La canción sigue a su anterior lanzamiento “Ghost on the Radio” y adelanta su tan esperado álbum debut “Can We Talk?”, que sale el 14 de octubre.
A partes iguales juguetón y emotivo, “Slicked Back Hair” se basa en la mezcla característica de Woods de ganchos inteligentes, narrativa cinematográfica y brillo pop puro.
“Esta canción trata sobre conocer a alguien que lo cambia todo — el tipo de persona que te convierte de oruga en mariposa”, dijo elijah.
Para Woods, “Can We Talk?” representa más que un debut — es un momento definitorio. En los últimos cinco años, ha acumulado más de mil millones de streams, cultivado una base de más de 5 millones de fans y agotado entradas en giras por varios continentes, todo mientras se mantiene completamente independiente. En el camino, ha sumado 4 nominaciones a los JUNO, múltiples certificaciones de oro y platino, y cinco EPs lanzados a un ritmo acelerado. Su impulso es simplemente remarkable.
Originario de Ottawa y ahora establecido en Los Ángeles, Woods se ha convertido en una fuerza multidisciplinar: cantante, compositor, productor y performer con una visión que va más allá de la música, extendiéndose a la moda y la cultura. Ha aparecido en la portada de Esquire Singapore, sido perfilado por The Greatest Magazine y VMAN SEA, y abrió para Niall Horan en Jakarta, todo mientras desarrollaba un estilo individual y audaz que lo hace destacar en el saturado panorama pop.
Con “Can We Talk?” en el horizonte, elijah woods demuestra que los artistas independientes no solo pueden sobrevivir, sino prosperar en el escenario global — y 2025 podría ser su año más grande hasta ahora.
Escucha “Slicked Back Hair”: https://elijahwoods.lnk.to/slickedbackhair
Pre-guarda “Can We Talk?”: https://elijahwoods.lnk.to/pre-save
El artista de indie rock con base en Los Ángeles, Alex Bloom, siempre ha escrito música como un diario, pero su nuevo álbum “Across the Country” se siente como su capítulo más personal hasta la fecha. Como el tercer álbum de estudio en su catálogo en crecimiento, es su proyecto más largo y más involucrado — interpretado y grabado casi completamente por sí mismo. El resultado es una declaración autobiográfica que captura tanto la intimidad de la historia de vida de Bloom como la universalidad de partir, anhelar y aferrarse a lo que más importa.
La canción que da título al álbum, que llega con un video agridulce, sirve como pieza central. Estrenada primero por Magnet Magazine, “Across the Country” se desarrolla como una meditación sobre la distancia y el cambio, emparejando melodías melancólicas con instantáneas de memoria y movimiento. En el video, Bloom y su esposa — la persona sobre la que se escribió la canción — documentan su propio proceso de empacar, mudarse y construir un nuevo hogar juntos. Es un momento calladamente poderoso de arte imitando a la vida, que refleja los temas de transformación que recorren el disco.
“Musicalmente, la canción me parece en limbo, dando una sensación de estar en dos lugares a la vez y terminar sintiendo que no estás en ninguno”, dijo Bloom. “En el video, quisimos capturar algunos de los temas de la canción: empacar y mudarse, viajar y la nostalgia por todos los recuerdos hechos en un lugar al que quizás nunca regreses.”
“Across the Country” fue auto-producido y en gran parte auto-interpretado. El álbum equilibra arreglos de chamber-pop ornamentados con la inmediatez del alternative de los 90 y el brillo del studio rock de los 70. Colaboradores de largo tiempo como Brendan McCusker (batería) y Alex Pachino (mezcla) ayudaron a dar vida al disco, pero las huellas de Bloom están por todas partes — cada arreglo, cada giro de frase, cada atmósfera creada para servir a la canción.
Este álbum deja claro que, pase lo que pase después, Bloom estará allí para capturarlo con la misma honestidad y detalle que ha definido su carrera hasta ahora.
Escucha “Across the Country”: https://www.youtube.com/watch?v=K5JFPHYDabU
Jamie James ha vivido su vida inmerso en el rock & roll. Desde sus primeros días liderando el trío de rockabilly de culto The Kingbees hasta intercambiando riffs con Dennis Quaid & The Sharks e incluso compartiendo escenario con Harry Dean Stanton. Este otoño marca un nuevo hito: la primera pressing en vinilo de su álbum en solitario de 2025 “Straight Up”, que sale el 12 de septiembre por Oglio Records.
En “Straight Up”, James simplifica las cosas hasta lo esencial — diez canciones de rock con raíces, blues y Americana, entregadas sin filtros ni adornos. Ahora prensado en vinilo rojo translúcido (con un puñado de copias firmadas para coleccionistas), el álbum se siente como en casa en el formato analógico.
“Hay algo especial en escuchar estas canciones en vinilo”, dijo James. “El sonido es más cálido, las historias calan un poco más profundo y se siente como que el disco está exactamente donde pertenece — en una tornamesa.”
Grabado junto a sus compañeros de banda de largo tiempo en Sharks, Tom Walsh (batería), Ken Stange (órgano) y Tom Mancillas (bajo), el disco lleva la energía cruda e inquebrantable que primero definió a James hace más de cuatro décadas. Pero también está la perspectiva de una vida vivida plenamente a través de la música — historias que cortan más profundo con el tiempo. Temas como “Show Biz Boogie”, “Let the Praying Begin” y el tema que da título muestran el don de James para la narrativa, mientras que el destacado “Septuagenarian Blues” ya ha sido acompañado por un nuevo video de letras para marcar el lanzamiento.
Los críticos han llamado al álbum “rock ’n’ roll a la antigua hecho bien” (Backseat Mafia) y “un disco que sirve un whiskey y deja que el groove hable” (P&L Music). Es tanto una mirada atrás como un salto adelante: prueba de que la pasión de James por el rock & roll auténtico y con alma aún arde tan brillantemente hoy como hace 45 años.
Escucha: “Straight Up”
El trío con base en Sydney/Gadigal Valley Onda regresa con “Reebok Fantasy”, que sale el 12 de septiembre via Valley Onda Records. Tras su single lúgubre “Minacious” — y un video estrenado por CLASH Magazine — la nueva canción encuentra a la banda refinando su sonido introspectivo y cinematográfico en algo tanto sombrío como edificante.
Construida sobre texturas brillantes, capas acústicas y las impactantes voces del frontman Jordan Wilson, “Reebok Fantasy” es un viaje atmosférico que captura la disonancia entre el aislamiento y la conexión. Es una canción sobre encontrar pequeños escapes inesperados en medio de lo cotidiano.
“¿Conoces esa sensación cuando caminas por la calle sintiéndote aislado y todos los demás se ven genial con su ropa de diseñador?” Comparte la banda. “Así que te metes en un restaurante nepalés y pides un té para esconderte un minuto. Tal vez abres un libro de bolsillo o conoces a alguien interesante. Esa es la vibra de Reebok Fantasy.”
La historia de Valley Onda comenzó en un restaurante de Sídney, donde Wilson (anteriormente de Georgia Fair) se cruzó con el productor/baterista Galen Sultmann. Pronto invitaron al amigo de toda la vida de Sultmann, Michiya Nagai, un pianista formado clásicamente y versátil productor, y la química fue innegable. Desde entonces, la banda ha construido una reputación a través de shows inmersivos en almacenes, giras nacionales con The Money War y Brightness, y colaboraciones interdisciplinarias que expanden su mundo creativo.
Colectivamente, el currículum del trío es tan impresionante como su música: Wilson ha abierto para Paul Kelly, Laurel y John Mayer; Nagai ha actuado para públicos festivaleros de más de 15,000+ con el proyecto electrónico Lamalo e incluso ha puesto música a un evento TEDx Melbourne; y juntos con Sultmann han creado un sonido que toma influencia de Radiohead, Bon Iver, Muse y Gorillaz — mientras tallan algo distintivamente propio.
Con más de 350,000 streams ya y el apoyo de tastemakers como triple j, The AU Review, Happy Mag y Where The Music Meets, Valley Onda está posicionada para expandir su alcance aún más. “Reebok Fantasy” es tanto una continuación como un avance — prueba de que su mezcla de tensión, textura y liberación es el tipo de sonido al que los oyentes seguirán volviendo.
Escucha “Reebok Fantasy”: https://ditto.fm/reebok-fantasy
La cantante y guitarrista con base en Boston Emma Harner se está probando rápidamente como una de las nuevas artistas más emocionantes para seguir. Con un trabajo de guitarra intrincado y virtuoso junto a una composición emocionalmente directa, ya ha dejado su marca con su EP debut “Taking My Side”. Ahora regresa con su lanzamiento más ambicioso hasta la fecha: “The Lake (ft. Henry Jamison)”.
Escrita sobre llorar una relación antes de que se haya ido realmente, la canción toma su nombre de un lago cerca de la ciudad natal de Harner, Lincoln, Nebraska.
“Algunos de mis mejores recuerdos tuvieron lugar allí, así que se sintió como el escenario correcto para esta canción”, dijo.
Producida por Doug Schadt (Maggie Rogers, Claud, Ashe), la pista expande el mundo sónico de Harner mientras mantiene su base impulsada por la guitarra en primer plano.
El camino de Harner hasta este momento ha sido rápido. Originaria de Lincoln y ahora based en Boston, primero ganó tracción a través de clips virales de performance en Instagram y TikTok, donde su sofisticación armónica y vulnerabilidad cruda la distinguieron. Tastemakers como Zane Lowe, Rick Beato y Guitar.com la han elogiado no solo como una compositora compelling, sino también como una de las guitarristas nuevas más impresionantes de Estados Unidos.
Con “The Lake”, Harner ofrece su declaración más clara hasta ahora — una que equilibra el brillo técnico con la honestidad emocional. Y con su primera gira como cabeza de cartel en EE. UU. y Europa comenzando este otoño (con fechas en Londres y Mánchester ya agotadas), la historia de Emma Harner recién comienza.
Escucha “The Lake”: https://sndo.ffm.to/gzbypn4
Compra Entradas: https://emmaharner.com/shows
El cuarteto de alt-Americana con base en Bath Young Martyrs desvela el video musical para “Never Gave You The Blues”, lanzado el 12 de septiembre. El tema, originalmente parte de su álbum del 2023 “Time Is Not On Our Side”, mezcla ritmos delicados, líneas de guitarra elevadas al estilo country y armonías lush para explorar la ruptura de una relación significativa.
“Si él hubiera sabido que iba a lastimar a los dos, nunca la habría comenzado”, dijo el vocalista Tom Corneill. “Pero sabemos que eso no es realmente cierto. Es una clásica historia de él dijo / ella dijo; No todos pueden estar diciendo la verdad.”
Las voces invitadas de Natalie Brice agregan una capa adicional de resonancia emocional, mientras que la producción de Sebastian Brice en Real World Studios aporta claridad y calidez a la narrativa sincera de la canción.
Formados en 2020, Young Martyrs rápidamente dejaron su marca con un álbum debut homónimo y una gira por el Reino Unido que agotó entradas en todo el país. Pasaron a compartir escenarios con Badly Drawn Boy, The Hooziers y McFly, mientras actuaban en festivales como Glastonbury y Rock Oyster. Su segundo álbum expandió su alcance internacionalmente, llevando shows a Nueva York y haciendo crecer su devota base de fans.
La banda ha estado ocupada en el estudio a lo largo de 2025, con nuevo material esperado para 2026, mientras que Furball Films ha ayudado a dar vida visualmente a sencillos anteriores.
Con sus letras introspectivas, melodías expansivas y narrativa honesta, “Never Gave You The Blues” muestra la habilidad de Young Martyrs para combinar profundidad emocional con alt-rock de influencia Americana — un sonido que continua resonando con audiencias en casa y en el extranjero.
Escucha “Never Gave You The Blues”: https://www.youtube.com/watch?v=i1IgGMc1b4c
El veterano trío de punk con base en Chicago Horace Pinker regresó con “Now and the Future”, su primer álbum de larga duración en más de una década, ya a la venta en People of Punk Rock Records. El disco canaliza más de 30 años de experiencia en diez canciones que son afiladas, melódicas e inquebrantablemente honestas, probando que la energía y urgencia de la banda solo se han intensificado con el tiempo.
“Impulsado por ritmos contundentes, melodías afiladas y nuestra energía característica, el disco refleja cómo continuamos evolucionando mientras nos mantenemos fieles a nuestras raíces punk”, compartió la banda.
Temas como “Three Against Me” y “Call It a Day” equilibran impulso implacable con ganchos melódicos, emparejando guitarras urgentes y ritmos contundentes con letras sobre resiliencia, resistencia y crecimiento. Grabado en Bombshelter Recording Studio en Chicago con Dan Precision (Rise Against, 88 Fingers Louie), el álbum asiente a las raíces de Horace Pinker mientras empuja audazmente hacia adelante.
Formados en Tempe, Arizona, y ahora con base en Chicago, Horace Pinker se labró un lugar distintivo en la historia del punk. Con giras abarcando más de 20 países y escenarios compartidos con NOFX, Green Day, Fugazi, Bad Religion, Jawbreaker y Jimmy Eat World, se han ganado una reputación por una longevidad ferozmente independiente. Apariciones en festivales como Groezrock, Pouzza Fest y múltiples ediciones de The Fest han cimentado su influencia global.