Sword II: De la experimentación a la armonía en ‘Electric Hour’
Sword II es un trío de Atlanta formado por los multiinstrumentistas Mari González, Certain Zuko y Travis Arnold, quienes comparten las voces principales. Después de ganar experiencia en distintas partes de la escena musical de la ciudad, la banda lanzó un EP en 2020 antes de presentar su álbum debut, Spirit World Tour, en 2023. Si bien ese disco se centró en una experimentación abrasadora, su seguimiento, Electric Hour, los encuentra afinando su escritura colaborativa: aún ecléctico y radical en espíritu, pero esta vez canalizado a través de arreglos exuberantes, mayor claridad lírica –sin mencionar la añoranza– y armonías cálidas y acogedoras. Aunque la primera canción se llama literalmente ‘Desconexión’, la energía comunitaria y alterada se siente vivida en lugar de deconstruida por una computadora, que era lo que la banda mayormente usaba para unir Spirit World Tour. El nuevo álbum, tan dichosamente desorientador como renovado con propósito, fue grabado en el sótano de una casa antigua que alquilaron, donde el cableado estaba tan defectuoso que tuvieron que usar instrumentos acústicos para evitar descargas eléctricas. “Estás tan desconcertado/ Tratando de creer en algo/ Por tu cuenta”, cantan en ‘Halógeno’. ¿Pero juntos? Eso es un mundo completamente diferente de posibilidades.
Nos reunimos con Certain Zuko de Sword II para la última edición de nuestra serie Artist Spotlight para hablar sobre las influencias detrás de Electric Hour, su próxima gira, Guitar Hero y más.
¿Están emocionados por llevar el disco al escenario?
Tenemos como ilusiones de grandeza para la gira. Al principio dijimos: queremos tener tres coristas, y queremos tener otro instrumentista, y queremos llevar ocho personas de gira. Pero es tan caro hacerlo. Queremos que los shows en vivo sean realmente increíbles. Acabo de ver el musical My Fair Lady, me gusta mucho ahora. Nunca supe lo bueno que era. Cuando la gente venga a nuestros conciertos, va a ser una parte noise-punk, una parte Britney Spears, una parte teatro musical, una parte anarco-punk. Eso es lo que va a pasar.
¿Sientes que esa es la intersección de todas sus influencias, o partes de lo que cada uno aporta?
Para mí, escucho mucho hardcore y música punk de los 80. En los últimos años – primero, Travis estaba muy metido en Avril Lavigne. Luego le gustaba mucho The Weeknd. También le gusta mucha gente nueva del pop underground – Snow Strippers, Frost Children, Basic Victim. A mí también me gustan. Y luego Mari siempre me muestra canciones de musicales literalmente. A ella le gusta ese tipo de cosas, y cosas de cantautores sensuales, un poco teatrales. También hay diferente música electrónica que a todos nos gusta. A todos nos gusta Crystal Castles.
¿Se concentran en diferentes aspectos de eso cuando piensan en un show en vivo, a diferencia de hacer un disco?
Totalmente. Básicamente, lo que hacíamos en el último disco era que estábamos de fiesta, y luego íbamos al estudio, y simplemente grabábamos. A veces grabábamos partes un millón de veces, pero muchas partes en realidad las grabábamos hasta que nos aburríamos. Y luego decíamos: “Bien, terminamos de grabar”, y lo cortábamos. Nunca realmente componíamos canciones como una banda. Pero cuando hacíamos los shows en vivo, queríamos tocar como un cuarteto de rock, así que no siempre se traducía bien para nosotros. Era torpe averiguar cómo tocar las canciones. Para este disco, sabíamos que íbamos a hacer muchas giras, porque empezamos a viajar después de ese último disco, Spirit World Tour. Así que dijimos: “Vamos a hacer muchas giras, así que deberíamos escribir canciones que podamos tocar fácilmente en el escenario”. Todas las canciones de nuestro nuevo disco son fáciles de tocar y interpretar para nosotros, mientras que antes, intentábamos tocar estas partes complicadas que venían de la computadora. Pero en este álbum, estábamos reaccionando un poco a nuestro último álbum. Creo que en el próximo, podría ser como una síntesis.
El título del álbum alude en parte a esta sensación de tener una hora para transmitir tu mensaje cuando estás en el escenario. Tengo curiosidad si eso se siente más real o pertinente ahora que están conceptualizando el show en vivo.
Originalmente, cuando pensamos en el nombre Electric Hour, dijimos: “El álbum debería durar una hora”. Y, honestamente, si tuviéramos todo el tiempo del mundo, me hubiera encantado hacer un álbum de una hora. Pero como que queríamos mantener la pelota rodando. Hay tantas formas de interacción social que en realidad se han convertido en aislamiento, así que creo que cuando la gente entra a la sala para un show y vas a ver una banda, es un momento tan cargado, porque hay menos de eso sucediendo en el mundo. Aumenta un poco las apuestas, en cuanto a lo que queremos hacer con el show. Cada vez que la gente se reúne en una multitud grande, hay una especie de magia de la multitud que es la misma que en una protesta o un disturbio.
Todos crecimos tocando Guitar Hero. Es un juego tan extraño, porque empiezas, y el primer nivel es una “canción fácil”, y estás en el patio trasero de alguien. Al final de tocar la canción, te muestra esa pequeña lista, y es como: “Ustedes ganaron tanto dinero, pero rompieron algo, así que tuvieron que pagar esto, así que solo ganaron 100 dólares”. Es esta cosa profundamente ficcionalizada y graciosa. Pero siento que tuvimos un momento de revelación una vez cuando todos lo estábamos jugando juntos, y dijimos: “Nos encanta Guitar Hero, pero la versión de Guitar Hero que estamos jugando es real”. Pero en lugar de querer ser las estrellas o lo que sea, pensamos: “¿Cómo creamos esa energía? ¿Cómo creamos esa energía dentro de la multitud, de una manera que no sea solo hacer un solo de guitarra loco? ¿Cómo mantenemos esa energía que intentamos llevar a la multitud?”
Porque hay estos momentos en los que el mundo entero se divide – alguien quema una comisaría, o alguien cierra la autopista – y es este sentimiento masivo de poder. En el pasado, los problemas que te afligían en el modo carrera eran como: alguien se emborrachó demasiado y arruinó el set. Pero el modo carrera 2025 es como: el nacionalismo y el fascismo están avanzando, el COVID está cerrando todos los locales, y te echan del cartel porque dijiste “Palestina Libre”. Esa es en realidad la mierda con la que tienes que lidiar ahora. Cuando entramos al estudio, decimos: “Hagamos un éxito. Hagamos una gran canción”. Pero para nosotros, eso significa: “Hagamos algo que la gente loca y los punks crean que es bueno”.
El juego obviamente también está muy orientado a la gira. Todos los contratiempos te llegan cuando estás de gira, no cuando estás en el estudio escribiendo canciones. No te estás electrocutando…
También pensamos en eso cuando nos estábamos electrocutando. Dijimos: “Maldición, este es un nivel tremendo de Guitar Hero”. También pensamos en todos los artistas que nos precedieron y que enfrentaron desafíos políticos por su música o sus puntos de vista. Como, Pearl Jam intentó luchar muy fuerte contra Ticketmaster. Aunque era un poco desde una perspectiva liberal, realmente lo intentaron. Hay todas estas bandas crust punk que me gustan de los 80, como Nausea, y ellos estaban okupando en el Lower East Side. Todas las grandes bandas punk y de rock que vinieron antes que nosotros – queremos continuar ese legado de ser como: “Intentan que nos callemos, pero no lo vamos a hacer”.
¿Piensan en cómo un álbum puede canalizar esa energía fuera del contexto de una multitud o su identidad como banda? Si alguien se encontrara con Electric Hour sin conocimiento de su historia o su política, ¿cómo creen que estas cosas se manifiestan?
Eso es algo de lo que realmente hablamos mucho. Somos un poco más esotéricos que, digamos, Rage Against the Machine. Estoy muy inspirado por MGMT, y cuando los escuché por primera vez, tenía 12 años. Ni siquiera entendía de qué estaban hablando. En su primer álbum, ‘Weekend Wars’, esa canción es como una meditación posapocalíptica sobre la sociedad moderna, cómo los humanos enfrentan estos nuevos desafíos, y en realidad no hay una respuesta moral fácil y buena. Y luego también pienso en la canción ‘Congratulations’ – en un momento, él dice: “Los hijos e hijas de los funcionarios de la ciudad asisten a manifestaciones”. No sé exactamente qué está tratando de decir, pero siempre pensé en esa línea como que habla de la ironía de estar conectado al poder político pero alejarse de él. Sin profundizar demasiado en el estudio de MGMT, creo que intentaban decir que la gente busca aceptación de diferentes maneras, y que a veces eso sustenta cosas que simplemente se presentan como políticas.
Cuando tenía 13 años, no sabía qué demonios significaba eso. Simplemente sonaba en mi iPod, los ritmos y la melodía eran buenos. Pero luego cuando crecí, pensé: “Vaya”. Creo que eso ha sido algo profundo para mí, poder volver a esta parte de mí que resonaba tan profundamente con el sonido y la emoción, y luego poder decir: “El mundo es en realidad un lugar muy oscuro, aterrador y complicado”. Cuando entramos y hacemos las letras, parte de eso queremos que la gente lo entienda inmediatamente, pero parte está bien si la gente no necesariamente lo entiende la primera vez que lo escucha. El contexto podría llegar después. No puedes simplemente darle a alguien un fanzine y decirle: “Lee esto”. El mundo es más aterrador y malvado que eso.
¿Notaron un cambio en cómo escribieron letras en comparación con el primer disco o los elementos que compartieron?
Creo que todos nos empujamos mutuamente a decir cosas que pensábamos que sonaban… ¿sexys? Porque creo que muchos de nosotros tenemos una tendencia – especialmente si escuchas nuestro primer EP, es muy callado. Con este, estábamos en el estudio y decíamos: “Canta eso más fuerte”. Empujar realmente esa línea, o cambiar la línea por esta para que sea más claro. Realmente no hicimos eso antes de este disco. Simplemente decíamos: “Eso es lo que quieres hacer, suena bien”. Pero nos conocíamos mucho mejor para este disco que pudimos decir: “No, sé que puedes dar más”. Yo cantaba algo, y hay un par de canciones en las que solo recuerdo a Travis diciendo: “Vale, eso no tiene sentido. Ni siquiera sabes lo que estás diciendo ahora mismo”. Creo que eso ayudó. Nos empujamos mutuamente a tener un poco más de claridad y confianza.
Estoy segura de que la forma en que sus voces se entrelazan también influye en esta dinámica.
Creo que en el último álbum, decíamos: “¿Qué sonido tan raro podemos hacer? ¿Cuántos ruidos locos podemos poner en una canción?” Pero luego nos dimos cuenta de que nunca usamos todas nuestras voces juntas y escuchamos cómo suena – esta forma antigua de hacer música, como un coro griego. Estamos tratando de estar tan en el futuro que ni siquiera hemos explorado esto. En realidad es fácil ir a la computadora y decir: “Voy a hacer el ruido más raro que hayas escuchado”. Te ayuda a encontrarte a ti mismo, pero tampoco tienes que mirarte tan detenidamente. Solo dices: “Estoy loco”. Nosotros decíamos: “Veamos qué podemos hacer en este modo”.
El silencio es algo recurrente que aparece en algunas canciones – estar “en compañía silenciosa”, o el “amanecer silencioso”, o “incluso si nuestra primavera fuera silenciosa”. ¿Le atribuyen algún significado?
Es gracioso, no lo noté hasta ahora. Honestamente, esa palabra tiene una cualidad musical agradable. Creo que eso es parte de ello, y siento que también hay una tranquilidad en ello. La línea “la primavera será silenciosa” se supone que es una referencia a Primavera Silenciosa, que es un libro de una ambientalista, Rachel Carson; básicamente, la primavera es silenciosa porque los pájaros están muertos, no vuelven a la vida.
¿Había libros que todos estaban leyendo al mismo tiempo? ¿Era parte de su vida diaria?
Todos leemos mucho. Tenemos muchos amigos que son poetas, y a todos nos gusta escribir poesía que no son letras. En el último álbum, Travis y yo estábamos muy metidos en este autor, John Zerzan. Tiene un libro, Running on Emptiness, donde básicamente dice: Toda la civilización es un error. Es totalmente aleatorio que hayamos terminado aquí, e incluso el lenguaje, el lenguaje humano, es un error. O no un error, sino un accidente. No existe esta progresión lineal de la historia donde los humanos se vuelven mejores o más inteligentes – en realidad son todas estas cosas accidentales. Estábamos realmente influenciados por ese nihilismo salvaje – ni siquiera sé si eso es realmente nihilismo, sino crítica de todo. Decíamos: “Vamos a ser jodidamente raros, porque no nos importa”. Pero luego con este álbum, estuvimos mucho más influenciados por la represión política del movimiento Stop Cop City, todas las cosas que se escribieron durante el movimiento Stop Cop City. Todos leíamos juntos fanzines sobre cómo hay todas estas capas del gobierno trabajando juntas para coludirse y construir una instalación de entrenamiento policial. Es esta corrupción impactante. Esa sería la principal influencia literaria que tuvimos en conjunto.
Este disco es definitivamente más wildly romántico que nihilista, especialmente terminando con ‘Even If It’s Just a Dream’. ¿Por qué era importante para ustedes terminar con esa nota?
Honestamente, parte de por qué es la última canción es realmente porque el final es tan épico y largo. Hay un solo de guitarra de 3 minutos. Hay esta dicha, pero hay algo un poco jodido en ello. Cuanto más dura el solo de guitarra – cada vez que lo escucho, pienso: “En realidad no estoy muy feliz”. Es casi inquietante. Eso es lo que queríamos que se sintiera – simplemente continúa.
Una canción que tiene un efecto similar para mí es ‘Halogen’, que tiene uno de mis arreglos favoritos del disco. ¿Recuerdan cómo la armaban?
Esa es una de mis partes favoritas de todo – el final de esa canción. El piano sonando, el solo de guitarra, todas esas armonías. Queríamos hacer algo que fuera ridículamente épico. Recuerdo que estaba tan feliz cuando la escuché por primera vez con todos los instrumentos finales. Queríamos crear esa sensación de pura dicha – escape.
Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad y longitud.
Electric Hour de Sword II ya está disponible a través de section1.