Bloodsports es un cuarteto con sede en Nueva York formado por el vocalista y guitarrista Sam Murphy, el guitarrista Jeremy Mock, la bajista y vocalista Liv Eriksen y el baterista Scott Hale. La primera versión de la banda se formó cuando Murphy y Mock estaban en la universidad en Denver, lanzando su EP homónimo en enero de 2023 y tocando por la ciudad antes de mudarse a Nueva York. Hale, que les ofreció su espacio de ensayo para una audición, se unió pronto al grupo, seguido por Eriksen, quien ya había tocado música con Mock en el instituto. Desde su primer ensayo juntos, bloodsports tardó menos de un año en grabar su increíble primer álbum, *Anything Can Be a Hammer*, que sale este viernes. Producido por Hayden Ticehurst, el álbum explora los fundamentos slowcore de la banda, con canciones volátiles que a menudo comienzan con partes de guitarra simples y sombrías antes de estallar en ruido, aunque nunca exactamente en la dirección que esperas. Las letras de Murphy oscilan entre un dulce flujo de conciencia y una pesadilla de desánimo, difuminando la línea entre fragilidad y confianza. «Provoca una reacción extraña / Áspera y afirmada / Corta como una navaja», canta casi con timidez en la canción que cierra el disco, lo que quizá te haga sentir igual: no menos solo, pero extrañamente conmovido por el caos en constante evolución.
Nos reunimos con bloodsports para la última edición de nuestra serie Artist Spotlight para hablar de sus primeras influencias musicales, mudarse a Nueva York, la creación de *Anything Can Be a Hammer* y más.
Vuestro próximo concierto de presentación está presentado por Stereogum. ¿Qué significa para vosotros esta colaboración? ¿Creceisteis leyendo blogs o revistas de música?
**Liv Eriksen:** He leído Stereogum desde que era pequeña. Hacen un gran trabajo. Mi madre y yo íbamos a Randall’s, que es un supermercado en Texas – los más lujosos con papel grueso costaban 25 dólares, así que nunca los comprábamos, pero mientras mi madre recorría la tienda, yo me sentaba y leía todas las revistas de música diferentes. Creo que estamos todos emocionados.
**Sam Murphy:** Sí, es genial. Creo que ninguno de nosotros esperaba que eso pasara. Me hace sentir bastante bien sobre las canciones que estamos escribiendo.
**Jeremy Mock:** Cada vez que nos han mencionado en algún sitio, se lo he enviado a mis padres, como, “No soy un fracaso. [se ríe] Aquí tenéis la prueba.” Es broma, pero se siente bastante bien. El artículo que escribieron sobre nosotros es muy halagador. Simplemente se siente bien saber que hay alguien ahí fuera escuchando, porque creo que muchas veces, incluso si a la gente realmente le gusta algo, generalmente no dicen nada.
**LE:** Creo que enviarle a mi padre el enlace de Stereogum fue la primera vez que dijo algo más que “Guay”. Cada vez que le envío una canción, me dice “Suena genial”, pero le envié eso y finalmente obtuve una respuesta real. Como dice Jeremy, esto es algo que pueden cuantificar.
**Scott Hale:** Para hacer eco a Sam, no lo esperaba ni lo veía venir. Pero yo crecí leyendo sobre música en internet, averiguando qué me gustaba y qué no, más o menos basándome en las publicaciones musicales. Recuerdo que cuando estaba en octavo grado, encontré el podcast “Canción del Día” de KEXP, así que podías descargar una canción como podcast gratis. Fue entonces cuando me empezó a gustar mucho Merge Records y Superchunk y todo eso. Pero estamos emocionados de que a la gente le importe. Muchas veces, ser músico, especialmente de indie rock, se siente como gritar en el vacío.
¿Qué más recordáis que moldeó vuestros gustos e intereses musicales al principio?
**SH:** Toda la primera música que escuché fue definitivamente de mi padre. Él me mostró los Rolling Stones, Peter Gabriel y Pat Metheny. A partir de ahí, usé internet para encontrar mi propio gusto – hice algunos amigos a través de, creo que era Tumblr, y me dijeron: “Ven a un concierto”. Como crecí en Nashville, y la escena DIY era muy grande entonces, empecé a ir a conciertos en casas cuando estaba en el instituto. Así fue como encontré mi comunidad con la música. Creo que el primer paso definitivamente fue pasar horas en Spotify o en blogs de música para intentar encontrar cosas nuevas.
**SM:** Para mí, definitivamente fue mi padre y mi hermana quienes me mostraron música cuando era niño. Cuando tenía como 5 años, mi padre nos llevaba en el coche y ponía Radiohead, My Bloody Valentine o los Melvins. Y luego mi hermana siempre me enviaba música que es mucho más genial que cualquier cosa que yo pudiera encontrar por mi cuenta.
**JM:** Recuerdo encontrar ese álbum de Ween, *Chocolate and Cheese*, *Spiderland* y *Loveless*. Esos son los tres álbumes de indie rock que yo…
**SM:** The Strokes.
**JM:** En realidad no me enganché a los Strokes hasta mucho después. Llegué bastante tarde a eso.
**SM:** Siento que los Strokes fueron mi primer amor.
**LE:** Mi madre es europea, así que solo escuchaba música Europop súper loca, así que de niño no me gustaba mucho la música. Supongo que más tarde me di cuenta de que simplemente no es lo mío. [se ríe] Y luego, los fines de semana, cuando veía a mi padre, similar a Sam, simplemente dábamos vueltas en coche y él ponía diferentes bandas de rock clásico. Despertó mi interés. Y luego, en el instituto, conocí a un amigo llamado Reed, y fuimos al Austin City Limits Music Festival. Solo quería ser guay y pasar el rato, pero resultó que los Strokes estaban tocando. Ese es el concierto al que me llevó, y estos chicos saben que siempre estoy hablando del síndrome-del-primer-amor-con-los-Strokes, pero en realidad fue probablemente la experiencia más transformadora de mi vida. Seguimos siendo amigos hasta hoy, así que fue súper especial. A partir de entonces, me sumergí en todos los álbumes que todos los demás ya han mencionado.
Sam y Jeremy, estando de vuelta en Denver, ¿vuestra amistad giraba en torno a la música en el momento en que formasteis bloodsports?
**SM:** Jeremy y yo nos hicimos amigos inicialmente porque a los dos nos gustaba el indie rock, básicamente.
Jeremy estaba en un grupo en Denver llamado Antibroth, la mejor banda de la historia, y yo empecé a ir a sus conciertos mucho, principalmente porque no sabía realmente que existía una escena musical allí. Yo no formaba parte de ella. Pensaba que la banda de Jeremy era genial, así que simplemente empecé a ir a los shows y comenzamos a pasar más tiempo juntos. Le enseñé a Jeremy una canción en la que estaba trabajando y él me dijo: “Deberíamos grabarla”. Era ‘Sustain’. Siento que así empezó todo. Hablábamos mucho de música y descubrimos que teniamos gustos similares en muchos aspectos.
JM: Quiero decir, éramos los únicos dos personas interesadas en el slowcore, o al menos eso sentía, en toda la ciudad. [se ríe] Había algunos más, pero así lo parecía, así que supongo que nos unimos por eso. bloodsports comenzó como un proyecto de indie rock slowcore bastante directo. Luego se desplazó un poco más hacia el territorio del post-punk, o más bien al noise rock, pero yo aún los considero una banda de slowcore. Para mí, mucha de la música que escuchaba mientras crecía y que creo que aún sigue siendo relevante es del estilo slowcore, bandas como Bedhead, Slint, Low.
Siento que su canción ‘Rot’ es una encapsulación interesante de eso, ya que tiene esa base slowcore pero se expande de una manera que refleja sus crecientes intereses. ¿Qué les motivo mudarse a Brooklyn y cuáles fueron los cambios más grandes que sintieron al hacerlo?
SM: Nos mudamos en octubre del 2023, en realidad hace dos años, casi exactamente. Obviamente es una ciudad muy diferente a Denver en casi todos los sentidos. Pero para mí, la gran cantidad de cosas en Nueva York a veces es abrumadora, especialmente en música. Hay tantas bandas, tantos conciertos cada noche, y tratar de estar al día, y también encontrar tiempo para escribir lo que quieres escribir y que destaque cuando hay cien bandas buenas intentando hacer lo mismo… es algo totalmente distinto a Denver.
JM: Es muy competitivo, no de una manera directa, creo, pero al menos yo siento que solo empecé a escribir buena música cuando me mudé aquí, honestamente. Porque hay tantas bandas buenas a las que admirar. Incluso las bandas con las que hemos tocado, las ves y piensas: “Vaya, tenemos que mejorar un poco”. [se ríe] Hay bandas realmente buenas en Denver, pero nunca experimenté eso en el mismo grado que aquí, donde pensaba: “Dios mío, la gente es realmente buena”. Y lo he disfrutado mucho, porque soy un fan genuino de mucho de la música que crean nuestros colegas.
SM: Como dices, te impulsa a querer ser mejor y a hacer algo más interesante. Se siente como si hubiera una cierta urgencia, lo cual es genial.
JM: Yo veo eso en muchas bandas de Nueva York. Por supuesto, las generalizaciones nunca son buenas, pero sí creo que hay una urgencia en las bandas que salen de Nueva York. No siempre es cierto, pero probablemente se deba también a que es tan caro vivir aquí actualmente, y no puedes simplemente pasar el rato y tocar música de la misma manera que quizás puedes en otras ciudades. Es simplemente más difícil, así que pienso que eso se refleja en la música de alguna manera.
SM: Estoy de acuerdo.
LE: Es como una pequeña olla a presión.
Es interesante escuchar la inquietud en su música como respuesta a ese entorno neoyorquino. Pienso en una banda contemporánea de slowcore como Teethe, que son de Texas y su música conserva ese ritmo lento. Liv, ¿tú también te mudaste a Brooklyn por la misma época?
LE: Me mudé a Brooklyn en el verano del 2022. Mi mejor amigo se mudaba para aquí y yo lo seguí. Viví en Bushwick por un tiempo y ahora estoy en Queens. Fue allí donde Jeremy y yo reencontramos, y luego él me presentó a Sam. Ahí fue donde se cerró el círculo. Yo llegué un año o dos antes que Jeremy y Sam. Scott fue el primero, pero por supuesto Sam se crio en Nueva York. Yo no vine a Nueva York específicamente para hacer música. Quiero decir, he tocado música toda mi vida, pero vine principalmente para hacer algo nuevo. Estaba aburrida de Austin, y cuando tu mejor amigo se muda a un sitio y no tienes nada que te retenga, bien podrías irte a una aventura. Lo cual claramente salió a mi favor, no podría estar más feliz. Pero no tenía un gran plan ni nada por el estilo.
Liv y Scott, ¿cuáles eran sus impresiones de la banda cuando estaban a punto de unirse?
SH: Ya estaba escuchando a bloodsports antes de unirme a la banda, simplemente porque Jeremy y yo tenemos un amigo en común al que conocí cuando vivía en Memphis durante la universidad, y él había compartido el EP de bloodsports en Instagram. Yo pensé: “Esto mola”. Los seguí en Instagram, y estaban buscando un baterista. Yo ya llevaba aquí un poco más de tres años para entonces. Me subí aquí con mi batería durante el COVID, así que no la estaba usando. Luego conseguí un espacio de ensayo cuando me mudé a Brooklyn, y estaba listo para mudarme de ese espacio y ahorrar un poco de dinero, principalmente porque no tenía una banda en ese momento. Así que simplemente les escribí por DM y les dije: “Oye, venid a mi espacio de ensayo, haré una audición”. Y entonces tocamos el EP de principio a fin, nosotros tres. Esto fue antes de que Liv estuviera en la banda. Nos llevamos muy bien desde el primer momento.
Yo pensaba como: “Quizás estas también son personas con las que podría ser amigo.” Eso fue lo más importante para mí: disfrutar de la música y estar con gente que me cae bien.
LE: A mi me enredaron porque Jeremy y yo fuimos al instituto juntos. No habíamos hablado en todo el tiempo que él y Sam estuvieron en Denver – simplemente perdimos el contacto, y entonces recibi un mensaje de Jeremy Mock que decía: “Oye, me acabo de mudar a Nueva York.” Salimos un tiempo, conocí a Sam – claro, eran compañeros de piso – y me pidieron que tocara el bajo.
JM: Solíamos tocar en micrófonos abiertos juntos cuando eramos jóvenes.
LE: Sí, en el instituto.
JM: O sea, llevamos mucho tiempo tocando música.
LE: Tocábamos en un sitio llamado Monkey’s Nest en Burnett, justo al lado de nuestro instituto. Pero la verdad es que yo no había tocado el bajo antes de esto, y creo que Jeremy no entendió bien lo que quería decir cuando dije que en realidad no tocaba el bajo. [Se ríe] Así que estos simpáticos tipos tuvieron bastante paciencia y me dieron consejos mientras me unía a su talento musical, y yo aprendía el bajo. Se quedaron conmigo. Pero yo realmente no sabía en qué tipo de banda me estaba metiendo. Obviamente había escuchado las canciones, porque las estaba aprendiendo. Pero no tenía esa visión de futuro de lo que todo eso implicaría y todo eso, pero creo que eso lo hizo aún más divertido. Como dijo Scott, son mis mejores amigos, así que tener una razón para salir con ellos un montón de veces a la semana es super genial. Fue una curva de aprendizaje muy grande pasar de eso a grabar el álbum.
JM: Todo pasó en menos de un año.
SM: Todo pasó muy rápido.
SM: Tocamos nuestro primer concierto en Nueva York en enero de 2024, y luego grabamos el disco en noviembre de 2024. Y ahora aquí estamos un año después, y el disco va a salir.
LE: Incluso tuvimos nuestro primer ensayo en diciembre de 2023.
Durante esos meses cuando estaban desarrollando las canciones para el álbum, ¿cuánto de la colaboración o discusión sobre ellas se trataba de cuándo simplificar o añadir cosas? ¿Era parte de la tensión de conseguir que una canción quedara bien?
JM: Para mí, al menos, lo que me interesaba en ese momento era simplemente añadir todo lo que pudiéramos. Me encantan los arreglos orquestales grandes, así que con el tiempo y las herramientas limitadas que teníamos, solo intenté hacer todo lo posible.
SM: Creo que generalmente me inclino a escribir cosas más mínimas o simples. Combinar eso con lo que Jeremy decía, estos arreglos más orquestales y compuestos, creo que funciona muy bien. Y luego Scott simplemente clava las partes de batería cada vez que escribimos algo. Siempre funciona.
LE: A la primera.
SM: En realidad es muy molesto. [Se ríe] Estaremos escribiendo un riff, y Scott simplemente tocará sobre él, y diremos: “Eso está bien, la verdad.” Creo que encontramos un flujo de trabajo muy bueno para escribir, en el sentido de que todos tenemos nuestras propias cosas que nos gustan, pero creo que todas se complementan muy bien. Hace que el proceso de escritura sea bastante divertido ahora. Especialmente las nuevas canciones, las que están en el LP2, especialmente, van a ser aún más colaborativas. Simplemente hay más, creo. Más maximalista, más dinámico en cualquier forma que podamos.
JM: Creo que con este disco, estábamos intentando muchas cosas por primera vez y solo viendo cómo salían. Este próximo disco, creo, va a ser una división creativa completa del 25% entre los cuatro. Eso es lo que se siente en este momento, donde la mayoría de las cosas surgieron cuando estábamos en la sala. Es un poco más expansivo, y Liv, siento que tienes una presencia mucho más directa en lo que hemos estado escribiendo. Se siente mucho más al estilo de los Beatles.
SM: Básicamente somos los Beatles.
JM: [Se ríe] Dios mío.
SM: Sí, imprímelo.
JM: Termínalo justo ahí.
No puedo esperar para el documental *Get Back*, donde sean nueve horas de ustedes haciendo *bloodsports LP2*.
JM: Solo pon una cámara en nuestro espacio de ensayo, y podrás escuchar a las bandas de deathcore justo al lado.
SM: Sí, se pueden escuchar las bandas de metal al lado.
LE: Nos toca escuchar muchas canciones locas ahí dentro. Supongo que ellos también. Probablemente nos escuchan haciendo algunas cosas raras.
Scott y Jeremy, su forma de tocar en ‘Rot’ es muy textural en esos momentos más tranquilos, incluso cuando solo hay batería y voces. Ambos tienen partes muy intensas a lo largo del disco, pero tengo curiosidad si es un desafío diferente inclinarse hacia el minimalismo.
JM: Algo que he notado a lo largo de los años es que cuando te pones muy callado, la gente a veces se siente muy incómoda y tiende a quedarse muy callada también. Es algo genial con lo que jugar en un contexto de rock, donde realmente puedes reducirlo a solo las voces, y usualmente silenciará la habitación. Sin otra razón, quizás, que la gente piensa: “¿Qué está pasando?” Y ha sido muy divertido para nosotros experimentar con eso, con la dinámica extrema. Es solo la fuerza del formato de banda de rock. Definitivamente es algo que hemos aprovechado bastante como banda.
SH: ‘Rot’ muestra un poco cómo enfoco tocar la batería, especialmente cuando toco algo tan simple – creo que eso define toda la parte inicial de la canción, porque todo está muy reducido y simplificado. Cada vez que estoy en esa zona, intento ser lo más textural posible. Quiero agregar mucho trabajo con los platillos, estoy tocando en base a todo lo que escucho, ya sean las voces de Sam o un par de pequeñas notas que Jeremy o Sam estén tocando. Y luego soy yo sincronizándome con Liv.
JM: Lo que realmente he estado persiguiendo recientemente – hace unos años, escuché este álbum de Glenn Branca, *Indeterminate Activity of Resultant Masses*. Ese es mi álbum favorito de Glenn Bronc y me voló la cabeza la primera vez que lo escuché. Simplemente, jamás había escuchado esos tipos de sonidos salir de una guitarra. Y en ese disco, también hay una entrevista que lo acompaña de John Cage donde lo odia y habla de cómo representa al fascismo. Creo que eso se notó en pequeñas formas en este álbum, donde en ciertas partes de la grabación quizás yo estaba un poco desafinado y simplemente lo dejé así. Y luego le pones sobregrabaciones encima, y crea estas raras contradicciones de tono.
Sin alejarme de ‘Rot’, pero con ‘Trio 1’ y ‘Trio 2’, venía de ese lugar de solo intentar ver cuántas notas podía meter en un solo sitio. Simplemente crea este ambiente muy incómodo, pero también catártico. Eso era algo que estaba persiguiendo en todo este álbum.
‘Trio 2’ sirve como un puente interesante entre ‘Calvin’, una canción de rock relativamente directa, y ‘Rot’. Hablaste de la dinámica en el contexto de una canción, pero eso también es un ejemplo de utilizarlas en la secuencia. ¿Cuál fue la idea detrás de esto?
SM: Para mí, al menos, ‘Trio 2’ es lo que separa, literal y figurativamente, las dos mitades del álbum, porque siento que la segunda mitad es mucho más oscura. Como que desciende a un lugar mucho más oscuro, líricamente. ‘Trio 2’ es una pista chocante en muchos sentidos, especialmente después de ‘Calvin’, que como dijiste es bastante directa. Creo que es genial tener esa ruptura donde puedes reajustar tu oído a otra cosa.
Vocalmente, ¿es complicado conectar con ese espacio mental más oscuro de la segunda mitad?
SM: No sé si la parte del espacio mental fue difícil, pero ciertamente esas canciones, como ‘Rot’, son catárticas de interpretar, porque siento que estoy habitando el papel del narrador en la canción. Puede ser un poco agotador hacer esa canción, quizás, pero para las otras, lo disfruto. Me da energía muchas veces, meterme en esas secciones más pesadas de gritos. Honestamente, me da más energía de la que me quita. En términos de grabación, creo que hicimos las voces en casi un día con Hayden. Líricamente, no sé si fue realmente intencional que la segunda mitad del disco tuviera temas más oscuros que la primera. Pero terminó siendo así, lo que quizás fue el destino.
Liv, cuando se trató de cantar en canciones como ‘Themes’, que también tiene una línea de bajo melódica y dulce, o ‘A River Runs Through’, ¿qué tan intuitivo se sintió?
LE: Cuando tuvimos la idea de que yo cantara con Sam en ‘River’, creo que tuvo mucho sentido. Tiene un subtono muy dulce, muy despojado, y está en esta parte más ruidosa del álbum. Como mencioné antes, no he tocado el bajo toda mi vida ni nada, pero cantar siempre me ha encantado, así que ‘River’ definitivamente fue lo más intuitivo para mí para cantar. Me encantan las palabras que escribió Sam. Era una canción muy bonita. Y luego ‘Themes’, también una de mis canciones favoritas. Me gusta que cantar estas con Sam le da otra dimensión, y lo usamos con moderación. No hacemos un dúo completo en cada canción ni ponemos nuestras voces en el mismo lugar de la mezcla. Al separarlo, realmente tienes que escucharlo. Mis armonías vocales o las segundas vocales no están ahí a la par con él, y creo que te hace escuchar con más atención, porque hay algo pasando en el fondo. Estaba muy emocionada de que quisieran incluirme en la parte vocal con ellos, así que fue muy divertido grabar. Aunque aprender a hacerlo en vivo fue muy estresante, porque tocar el bajo y cantar al mismo tiempo no me sale naturalmente, así que todos los chicos han sido geniales con consejos, siendo pacientes y evitando que me echara atrás en las cosas que me comprometo a cantar en vivo.
Jeremy, tú te encargaste de la ingeniería en los lanzamientos anteriores. ¿Sientes que pudiste ver y tocar las canciones de una manera diferente con Hayden produciendo *Anything Can Be a Hammer*?
JM: Hizo el proceso mucho mejor. Me sentí como parte de la banda. Tocábamos una canción, luego entrábamos a escuchar, y yo solo escuchaba. No tenía que hacer nada, no tenía que verificar que todo estuviera bien. Realmente me permitió sumergirme en hacer el disco y pensar más en los arreglos. Como, “Oh, hay un órgano aquí, quizás yo podría tocarlo”. Supongo que siempre volvemos al órgano. Pero me liberó mucho para poder ser un poco más creativo.
LE: Jeremy estaba como un niño en una dulcería. La estaba pasando genial.
JM: Sí, hay muchas cosas geniales ahí. Configuré cuatro amplificadores diferentes, y usamos un ampli distinto en casi cada canción. Todo tenía un propósito y una idea, pero sentí que tenía el espacio para hacerlo. No somos una banda de pedales – uso dos pedales, y uno de ellos es literalmente solo para hacer que mi amplificador feedback. Y poder usar todos esos amplificadores vintage realmente nos permitió no ser una banda de pedales. Porque esos amplificadores vintage se saturan de una manera tan loca que realmente puedes obtener el espectro completo de una guitarra solo con el amplificador, de una manera que es un poco más difícil con equipo moderno.
Ir a un espacio de grabación es una de las cosas que puede revitalizarte cuando has pasado mucho tiempo en una canción, al igual que tocarla en vivo. Pensaba en esto por algo que dijiste, Sam, sobre ‘Rosary’ – cómo todavía puedes conectar con la canción a pesar de haber reavivado la relación de la que trata. Ya sea por el paso del tiempo o la cantidad de veces que la has tocado, ¿cómo logran ustedes sintonizar con el sentimiento de una canción cuando ya no es tan inmediato?
**SM:** Para mí, tocar las canciones en vivo me mantiene conectado con ellas. Siento que es una sensación completamente diferente cuando la tocas en el ensayo, o cuando se la tocas a tus compañeros de banda, o incluso grabándola, en comparación a tocarla para gente real que ha pagado para verte tocar. Incluso si estás aburrido de una canción o algo, subes al escenario y piensas, “Esta es mi canción, y voy a interpretarla”. Creo que disfrutar de las canciones que tocas las mantiene frescas, honestamente. Y tocarlas en vivo, donde hay más caos de alguna manera, las mantiene frescas.
**SH:** Yo creo que cuando estamos escribiendo una canción, suelo proponerme tocar algo, incluso si no me gusta. Un ejemplo es la canción nueva en la que estamos trabajando – no me sentía muy entusiasmado con lo que estaba haciendo, luego no ensayamos por un tiempo, y cuando volvimos me había olvidado completamente de cómo iba la canción, porque nunca grabo nada de lo que hacemos en los ensayos. Pero cuando Sam y Jeremy empezaron a tocar, como que me acordé, y luego la abordé de una manera muy distinta. Desbloqueó una especie de memoria subconsciente de la canción, pero sentí que la abordaba de forma nueva. Cuando tocamos en vivo, escucho lo que sea que viene por mi monitor, y a veces me tomo libertades si simplemente siento algo en el momento. Como abrazar el caos, como dijo Sam.
**LE:** Supongo que a mí me gustan mucho las canciones, así que es difícil que me canse de ellas. Pero creo que en los ensayos, a menudo lucho con no sentirme metido, porque solo me concentro en hacerlo bien. Sí noto que mi mente divaga mucho cuando tocamos en vivo, o en un buen día de ensayo – a menudo pienso en las perspectivas de los otros miembros de la banda sobre la canción. Pienso en, cuando Sam escribió esa letra, me pregunto sobre qué cosa específica trata, o me pregunto qué es lo que escucha Scott. Soy una persona muy lírica. He hablado con la banda sobre esto, es lo primero que escucho en la música. Siento que casi estoy viendo la canción como una película a través de los ojos de Sam o Scott o Jeremy, y eso hace que me vuelva a interesar si siento que ya la he escuchado demasiado. Simplemente me gusta mucho pensar en cómo la percibe la gente, qué les hace experimentar en su mente. Pero hago eso con estos tipos a veces, y es un juego divertido cuando no me siento bien en un ensayo – como que me hace volver a meterme de lleno.
**JM:** He notado que cada vez que empezamos a escribir una canción, comenzamos con un riff, y decimos “Ah, esto es genial”, y luego lleva a otra cosa, y luego simplemente abandonamos el riff original con el que empezó.
**LE:** [Se ríe] Definitivamente, sí. De vez en cuando, alguien toca el riff original de hace ocho meses.
**SM:** Solo tenemos un cementerio de riffs.
**LE:** Riffyard.
**JM:** Todas nuestras canciones empiezan siendo otra canción y luego se convierten en la canción que son, que suele ser algo completamente diferente, al menos últimamente.
Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad y brevedad.
*Anything Can Be a Hammer* de **bloodsports** sale el 17 de octubre a través de **Good English Records**.