Activa entre Nueva York y Asia, la productora Ni-Chun Shih está redefiniendo las posibilidades de la narrativa en formatos cortos y para pantalla vertical con su perspectiva única intercultural y su enfoque narrativo profundamente humanista. Partiendo de su experiencia en teatro y espectáculos inmersivos, ella lleva la arquitectura emocional y la dinámica espacial del escenario a la pantalla, empujando continuamente los límites formales mientras mantiene una sensibilidad emocional poco común.
En los últimos años, los cortometrajes verticales que ha producido acumularon más de 20 millones de vistas en todo el mundo, desafiando la creencia convencional de que los formatos breves no pueden transmitir profundidad. El documental 《I Remember》, que ella produjo, demuestra aún más su poderosa voz narrativa. Con un rodaje que abarcó cinco años, capta con suavidad pero firmeza el miedo, la soledad y la resiliencia de la gente común durante la pandemia, aclamado como una “obra excepcional que profundiza en las emociones de una época a través de la memoria personal.”
Ya sea explorando el impacto familiar del Alzheimer en el musical 《Where Are You》, describiendo las experiencias internas de una enfermedad mental en 《Awake》 o capturando la realidad vivida por una mujer transgénero en 《In This Moment》, ella se enfoca consistentemente en individuos frecuentemente pasados por alto por las narrativas mainstream, esforzándose por revelar la complejidad de sus experiencias emocionales dentro de un tiempo y marco limitados.
En esta entrevista, Ni-Chun Shih habla de su transición del teatro al cine, de cómo su trabajo intercultural ha moldeado su filosofía narrativa, y de los avances, luchas y exploración continua en su trabajo con formatos verticales y el cine documental.
¿Qué fue lo primero que te atrajo al mundo de la cinematografía? ¿Qué despertó tu interés inicial en este campo?
Mi camino hacia la cinematografía no comenzó con el cine, sino en el mundo de la interpretación en vivo. Trabajando en teatro y espectáculos inmersivos, me di cuenta de cómo una sola decisión visual—un ángulo de luz, un cambio de color, la ubicación de un intérprete—podía alterar por completo la temperatura emocional de un momento. Lo que me atrajo no fue el espectáculo, sino la precisión emocional que las elecciones visuales podían desbloquear.
Con el tiempo, esa curiosidad se profundizó en una pregunta más fundamental: ¿Cómo traducimos una experiencia interna en algo que el público pueda ver, sentir y comprender genuinamente? Esa pregunta me llevó inevitablemente hacia el cine.
Cuando más tarde hice la transición a la narrativa para pantalla en Nueva York, sentí como si el vocabulario visual que había estado buscando finalmente se revelara. La cinematografía ofrecía una forma de fusionar estructura con intuición, de enmarcar la vulnerabilidad humana, dar forma al ritmo y construir arquitectura emocional de maneras que el teatro solo podía insinuar.
Y trabajar en formatos verticales agregó otra capa. En lugar de limitar la expresión, el marco más pequeño la intensificó. Creó un camino más íntimo entre la historia y el espectador, permitiendo que los momentos emocionales llegaran más directamente y, en muchos casos, de manera más universal. El marco se vuelve más estrecho, pero la conexión a menudo se vuelve más aguda.
¿Cómo han influido tus viajes interculturales en tu inspiración creativa o presentado desafíos?
Trabajar entre China y Estados Unidos ha reconfigurado no solo cómo entiendo la cultura, sino cómo entiendo a las personas.
He llegado a creer que, aunque la cultura influye en el comportamiento, la vulnerabilidad humana es universal. Y como productora, ahí es donde comienza mi trabajo: no con la estética o la escala, sino con las contradicciones emocionales que nos definen.
Sin importar el país, me atraen las historias arraigadas en las vidas de individuos ordinarios, personas que a menudo se escapan de las narrativas impulsadas por titulares. Sus luchas pueden parecer diferentes en la superficie, pero las preguntas subyacentes son las mismas: ¿Cómo amamos bajo presión? ¿Cómo resistimos cuando los sistemas nos fallan? ¿Cómo se ve la resiliencia en momentos privados? Estas preguntas guían los proyectos que elijo impulsar.
En China, desarrollé el musical *Where Are You*, que examina la relación entre una madre y una hija tensionada por el Alzheimer: un retrato íntimo del cuidado que refleja silenciosamente las ansiedades sociales más amplias sobre el envejecimiento y la responsabilidad.
En Nueva York, producir *Awake* me permitió explorar los paisajes internos de la enfermedad mental a través de una mezcla de teatro y música. En lugar de explicar la condición, buscamos habitarla, dar forma a lo invisible y no dicho.
*In This Moment* examina la realidad vivida por una mujer transgénero que navega por expectativas sociales conflictivas. La película pregunta qué significa ser visible, y a qué costo. Como productora, mi rol fue proteger la verdad emocional de la narrativa mientras aseguraba que el equipo tuviera la seguridad psicológica para manejar un terreno tan delicado con respeto.
Y en el documental *I Remember*, capturamos cómo la gente común sobrellevó los primeros años de la pandemia, cómo el miedo, el dolor y la perseverancia se desarrollaron no en instituciones, sino en salas de estar, cocinas y pasillos de hospital. Es una historia sobre política, sí, pero contada a través del lente de la supervivencia personal.
A través de estos trabajos, he aprendido que las historias pequeñas pueden tener un peso enorme, revelando a menudo las presiones sociales que nos moldean de manera mucho más honesta que las grandes narrativas.
El desafío, por supuesto, radica en la realidad de que cada sociedad tiene sus propios límites, diferentes umbrales para lo que se puede mostrar, preguntar o cuestionar. Pero como productora, parte de mi trabajo es navegar esos límites sin diluir la verdad.
Constantemente busco estrategias creativas, ya sea a través de la forma, el personaje o la plataforma, para asegurar que estas historias no solo se hagan, sino que se escuchen.
Al final del día, mi trabajo consiste en crear espacios donde se puedan hacer preguntas difíciles de manera segura, compasiva y con rigor artístico. Y si puedo ayudar a llevar historias a través de fronteras, geográficas, culturales o emocionales, entonces siento que he hecho mi trabajo.
Has transitado por varios roles, desde stage manager hasta productora. ¿Qué etapa de tu carrera ha tenido el impacto más profundo en tu filosofía actual de la narrativa visual?
La etapa que más moldeó mi visión fueron los años que pasé produciendo teatro y espectáculos en vivo. Trabajar en esos entornos me enseñó algo esencial: cada historia, sin importar su escala o medio, debe comenzar con una pregunta de intención. No “¿Qué podemos hacer?”, sino “¿Qué verdad estamos tratando de expresar?”
Diferentes formatos vienen con diferentes restricciones, pero las historias que me atraen siempre han girado en torno a la humanidad: sus fracturas, su resiliencia, sus contradicciones. Eso significa que la tarea central de producir, para mí, no es logística sino filosófica:
¿Cómo protegemos la integridad emocional de una narrativa? ¿Cómo construimos sistemas creativos donde la vulnerabilidad, la honestidad y la complejidad puedan surgir sin comprometerse?
El teatro me entrenó para ver la narrativa como un ecosistema, uno donde el tiempo, el espacio, los cuerpos y la emoción se mueven juntos. Pero también me hizo consciente de la responsabilidad más profunda que lleva un productor: crear las condiciones para que los artistas puedan articular algo veraz, y el público pueda sentirlo genuinamente.
Esa perspectiva finalmente me empujó más allá de los límites del formato. Me llevó al cine y la narrativa digital en Nueva York, no porque buscara un nuevo medio, sino porque quería expandir los tipos de preguntas humanas que podía explorar, y el público que podría encontrarlas.
En ese sentido, mi carrera ha sido menos sobre cambiar industrias y más sobre refinar una sola convicción: que la narrativa, en cualquier forma, es una búsqueda de la verdad emocional, y mi rol como productora es salvaguardar esa búsqueda.
En DramaBox, lideraste la producción de dramas cortos verticales que acumularon más de 20 millones de vistas en todo el mundo. ¿Qué consideras el aspecto más innovador de este proyecto?
La innovación no radica solo en adaptar historias a un formato de pantalla vertical, sino también en desafiar la noción preconcebida de que “los cortometrajes y los contenidos impulsados por la acción son inherentemente superficiales”. Para nosotros, la pregunta nunca ha sido “¿Cómo hacerlo más llamativo?”, sino más bien “¿Cómo preservar la autenticidad emocional dentro de una forma narrativa comprimida?”
No vemos el cine de pantalla vertical como una limitación tecnológica, sino como un lenguaje cinematográfico completamente nuevo. Nos centramos en la estructura emocional de cada historia: cómo se amplifica la intimidad cuando la pantalla se sostiene en la mano; cómo un campo de visión limitado aumenta la tensión; cómo el significado del silencio difiere cuando el público está tan cerca de los personajes.
Nunca hemos visto al cine vertical como “comida rápida”. Lo vemos como un espacio donde la empatía, el conflicto moral y el comentario social pueden coexistir, simplemente presentados a través de imágenes que reflejan los patrones de visualización contemporáneos.
El impacto global que hemos logrado no es accidental. Proviene de nuestra firme creencia de que la simplicidad no disminuye la profundidad emocional. Con una planificación cuidadosa, incluso una historia corta de 60 segundos puede llevar el peso del dilema humano. Y el público, donde sea que esté, se conmoverá con esta sinceridad.
Como productora, tu documental I Remember ganó la Medalla de Bronce en los Student Academy Awards 2025. ¿Qué inspiró este proyecto y cuáles fueron algunos de los aspectos más innovadores de su producción?
La inspiración para *I Remember* surge de la profunda preocupación de la directora por la fragilidad de la memoria, y de la humanidad misma, frente a una catástrofe colectiva. Recuerdos fugaces, imperfectos pero intensamente privados, se fusionan gradualmente en una historia compartida. Para mí, la pandemia siempre ha sido más que un evento global; comprende millones de líneas de tiempo emocionales individuales, cada una marcada por miedo, aislamiento, resiliencia y pérdida. Como cineasta, siento la responsabilidad no solo de documentar eventos, sino de capturar la resonancia psicológica que dejan atrás.
El proyecto abarca cinco años. La directora, entonces una cineasta documental emergente, llegó a Wuhan durante el confinamiento inicial con la intención de filmar la crisis en desarrollo. Sus relaciones personales, su compromiso con el arte del documental y su propio viaje de crecimiento se intersectaron con las circunstancias extraordinarias en Wuhan, produciendo una película que es íntima pero profundamente expansiva.
*I Remember* no busca sensacionalizar ni emitir juicios. Registra silenciosamente las decisiones y dilemas enfrentados por personas comunes en circunstancias extremas, y los momentos en que sus vidas se cruzan de maneras inesperadas.
En última instancia, la película existe en la intersección de la experiencia personal y colectiva. Desde la perspectiva de una productora, mi prioridad nunca fue el espectáculo, sino honrar la singularidad de cada historia mientras revelaba los hilos sociales y emocionales que nos unen. *I Remember* es a la vez una meditación sobre la memoria, un testimonio de la resiliencia humana y una declaración sobre los imperativos éticos del cine documental: autenticidad, empatía y una atención meticulosa a los matices de la experiencia vivida.
Mirando hacia el futuro, ¿qué tipo de cambio esperas que tus futuros trabajos inspiren en la industria del cine y el entretenimiento?
Mirando hacia adelante, espero que mi trabajo pueda expandir las posibilidades de los cortometrajes y la narrativa para pantalla vertical. Estos formatos a menudo se descartan como secundarios o opcionales, sin embargo yo creo que pueden llevar profundidad emocional, matices culturales y belleza cinematográfica. También los veo como una forma de explorar expresiones que trascienden las limitaciones actuales de los formatos de pantalla. Mi objetivo es crear trabajos que demuestren que las pantallas pequeñas pueden contar grandes historias y que destaquen el apetito del público global por voces diversas e interculturales.
En última instancia, quiero ayudar a dar forma a una industria donde la forma no restrinja la ambición artística, donde los creadores puedan moverse libremente a través de fronteras, géneros y plataformas para contar historias que resuenen universalmente mientras permanecen profundamente personales.