Maya Yaroshenko pertenece a una generación de artistas cuyo lenguaje visual es inseparable del desarraigo, la fractura y el movimiento constante. Nacida en Moscú en 2004 en una familia con raíces tanto rusas como ucranianas, su biografía estuvo marcada desde el comienzo por intersecciones culturales que, en los últimos años, se han vuelto dolorosamente tensas. Anticipando inestabilidad, su familia dejó Rusia en 2016. Maya tenía doce años.
Los siguientes ocho años los pasó en Israel – un período formativo donde su identidad artística comenzó a tomar forma. Fue allí donde el dibujo pasó de ser un impulso intuitivo a una práctica diaria y disciplinada. Crucial en esta transición fue su mentoría con Ilya Gefter, un importante artista israelí de origen ruso conocido por trabajar exclusivamente con profesionales consolidados. Gefter hizo una excepción poco común con Maya, reconociendo en ella una sensibilidad inusual hacia la forma y el movimiento, y una seriedad de propósito que iba más allá de su edad.
Incluso durante sus primeros estudios, sus obras fueron descritas como sorprendentemente vivas y cargadas emocionalmente. Bodegones, tradicionalmente ejercicios de contención, aparecían tensos y táctiles en sus manos, como si vibraran desde dentro. Lo que distinguía su trabajo no era el virtuosismo por sí mismo, sino la habilidad de comprimir sentimiento en el gesto.
Otro conflicto armado, otra reubicación.
Hoy, Yaroshenko vive en el Reino Unido, estudia en la universidad y construye su carrera como artista contemporánea. Su práctica sigue en flujo – deliberadamente. En vez de permitirse establecerse en un estilo reconocible, ella sigue llevando el lenguaje visual a sus límites, buscando formas capaces de sostener estados emocionales complejos y a menudo contradictorios.
Es entre los diferentes medios que ha usado que la tinta ha demostrado ser el más preciso y expresivo. Puede hacerse rápido, pero le falta profundidad. Puede ser intensa, pero contenida. La tinta registra la hesitación, la resistencia, la presión – no perdona la indecisión. Para aumentar el contraste y extender el rango expresivo de sus dibujos, Yaroshenko frecuentemente incorpora posprocesado digital, no como un atajo estético, sino como una forma de amplificar lo que ya está presente en la marca física.
Su ambición no es decorativa. Ella busca inquietar, sorprender, y articular condiciones emocionales que son difíciles de nombrar pero instantáneamente reconocibles para cualquiera que viva en un mundo tenso y en rápido cambio.
Esto le ha dado un atractivo que ha traspasado continentes. Sus obras se han exhibido en Rusia, Israel, el Reino Unido e Italia, donde han llamado la atención no solo del público, sino también de pioneros en el campo del arte moderno.
Rastro del Viento: El movimiento como significado
Creada en 2019, *Rastro del Viento* es una de las series más coherentes y conceptualmente resueltas de Yaroshenko hasta la fecha. El proyecto se inspira en la caligrafía china – no en sus aspectos ornamentales, sino en su filosofía del movimiento como significado. Cada obra se ejecuta en tinta negra usando la técnica del pincel seco, refinada luego mediante intervención digital.
Aquí, el movimiento en sí se convierte en el principal portador de sentido. El motivo recurrente del caballo no es simbólico en el sentido tradicional, sino que sirve como conducto para ciertas condiciones internas, como la resistencia, el ímpetu y la endurance. La serie gira más bien en torno a la sensación del viento como una fuerza externa e interna que empuja y detiene.
*Atado por el viento* congela el momento del equilibrio resistivo. El caballo se sostiene contra la fuerza invisible, su cuerpo definido por movimientos rápidos y controlados. La imagen se mantiene en un estado de balance, con los movimientos congelados, suspendidos. No se trata del desafío como espectáculo, sino de la disciplina silenciosa de mantenerse firme.
Maya Yaroshenko 02 – Tormenta Interna
2019, tinta, pincel seco y digital, 32 × 32 cm
*Tormenta Interna* vuelve la energía hacia adentro. El caballo encabritado no es símbolo de poder, sino la respuesta a una presión que se acumula. La pincelada seca descompone el cuerpo en marcas oscilantes, sugiriendo volatilidad y descarga. La figura está claramente atrapada entre desmoronarse y explotar.
Maya Yaroshenko 03 – Daemon
2019, tinta, pincel seco y digital, 32 × 32 cm
En *Daemon*, la oscuridad alcanza su punto máximo. Es donde las líneas se unen para formar una figura que no es estrictamente representativa – la abstracción de un ser que grita en agonía. La superficie tiene una cualidad texturizada que roza lo abrasivo. Esta no es una ilustración de una criatura, sino una visualización de un conflicto interno externalizado. El peso de la pincelada produce una sensación de compresión, como si la imagen misma luchara por respirar.
A lo largo de la serie, el uso exclusivo de tinta negra eleva en un grado fenomenal las connotaciones infernales y brutales de las imágenes. La técnica del pincel seco presta impredictibilidad a cada línea, por lo que ninguna línea es pasiva y resuelta. Incluso en instantes donde no hay movimiento, los dibujos pulsan.