Cuando observamos una obra de arte, vemos el resultado final de un viaje creativo. Aunque puede ser inspiradora por sí misma, a veces el valor está en presenciar cómo se creó. Oluwaseun Ademefun aplica esto a su práctica creativa, abriendola para que otros puedan verla crear arte, y esto se extiende a sus talleres participativos.
El arte tiene beneficios terapéuticos tanto al verlo como al crearlo, y es este valor comunitario lo que la artista aplica a su trabajo. La comunidad es vital en su Nigeria natal, pero aquí en el Reino Unido, a menudo puede sentirse fracturada, con muchos viendo a nuestras generaciones actuales como viviendo una epidemia de soledad. Su trabajo encarna la idea de comunidad y cómo puede crear puentes sobre las divisiones.
En su obra ‘Identidades Generacionales’, vemos como personas de diferentes generaciones son separadas a medida que el lienzo se curva alejándose del marco, dejando un vacío entre ellas. Sin embargo, no es un vacío tan grande que no se pueda superar. Es reconocer un problema de comunicación, pero me parece una obra esperanzadora.
En su pintura de Gbemisola, vemos a una niña luchando por encajar en la sociedad británica mientras recuerda sus raíces nigerianas. Es una lucha que muchos niños inmigrantes enfrentan al querer asimilarse con sus nuevos amigos, adoptando un nombre y valores occidentales, mientras a menudo dejan su país de origen atrás. Pero es una identidad a la que muchos de esos mismos individuos regresan al envejecer, demostrando que es lo que nos hace diferentes y destacar lo que es nuestra fortaleza. Es una experiencia con la que cualquier migrante de primera generación se puede identificar, y muchos de segunda generación como yo también la encontramos personal.
Vemos una historia similar de identidades duales desarrollarse en la pintura ‘Morrocan’. En un lado está su pueblo marroquí, y el Louvre en el otro, ya que ha viajado a París por oportunidades financieras. Es ese equilibrio delicado de recordar una cultura, mientras se asimila otra, y muchos de nosotros sentimos que nunca podemos encajar completamente en ninguna, convirtiéndonos en lo que se llama ‘niños de tercera cultura’.
Ademefun también puede aplicar esta visión a los murales, como vemos en uno que diseñó en Southwark, ahora expuesto en Clichy, Francia. Algunas de sus obras incorporan objetos descartados, con el pecho de una mujer desnuda hecho de tapones de vino y un hombre fumando hecho de materiales no biodegradables. Es un reconocimiento de que estamos contaminando demasiado el planeta. Si los artistas van a proporcionar una visión mejor para el futuro del planeta, también deben incorporar la sostenibilidad en su práctica. Usar otros materiales puede añadir texturas únicas a las obras de arte, más allá de lo que solo la pintura puede lograr. También atrae a la gente a interactuar con las obras y estudiar los detalles y materiales intrincados de cada una.
Aunque reconoce problemas contemporáneos, incluyendo la catástrofe climática y el creciente número de personas que viven solas en una tierra más poblada, estas no son obras que predican pesimismo y oscuridad. Son un símbolo de esperanza. Sí, nos encontramos en tiempos oscuros. Aún así, es a través de la comunidad y el compromiso colectivo que podemos crear un futuro mejor para la humanidad, y el trabajo de Oluwaseun Ademefun continuará defendiendo su deseo de unión.
Puedes descubrir más sobre el arte de Oluwaseun Ademefun en su sitio web.