Desde que se obsesionó con la ópera en la escuela secundaria, Katie Stelmanis conoce el dicho de que la voz más pura es la de un bebé llorando. Ella ya había tomado lecciones de canto antes, pero nunca le permitieron alcanzar esa apertura emocional como el curso de la ex-cantante de ópera Fides Krucker durante la pandemia, cuando empezaba a tener algunos problemás con su voz. Los primeros 15 minutos de la clase se pasan bostezando en un círculo, y “al final”, dice Stelmanis, “todas estamos llorando, se te cae el moco, se te destapan los senos nasales”. Es evocador de la imagen en la portada de su nuevo y majestuoso álbum de Austra, Chin Up Buttercup, que traza su viaje de duelo por el fin de una relación traduciendo sus emociones caóticas a través de la lente de la tragedia griega, la euforia del Eurodance y la ciencia ficción que abruma con su humanidad. Estos filtros no hacen nada para restringir la pureza de las interpretaciones de Stelmanis, encarnadas igualmente en su humor, su dolor y su esperanza. “No quiero llorar por ti para siempre”, canta en ‘Look Me in the Eye’, sin esconder el tiempo que le tomó llegar ahí; saboreando el bostezo en lugar de apresurarse hacia un nuevo día.
Nos reunimos con Austra para hablar sobre Ray of Light de Madonna, las cinco etapas del duelo, The Gender of Sound de Anne Carson, y otras inspiraciones detrás de su nuevo álbum Chin Up Buttercup.
‘get 2 kno’ by 1995 Epilepsy
Este es uno de esos lanzamientos enigmáticos del sello World Music. No estoy segura de quién está detrás, pero me recuerda un poco a Tirzah.
Lo realmente interesante de esta canción es que no recuerdo cómo la encontré, pero me topé con ella en el 2020 y la escuchaba mucho. En cuanto a la producción, probablemente influyó en una canción de mi disco llamada ‘Blindsided’. Me encantó la instrumentación, pero las armonías y las progresiones de acordes en esa canción también son muy interesantes. Siempre la había escuchado sin pensar mucho en quién la hizo – solo pensaba, “Ah, es un productor aleatorio del Reino Unido”, que está lleno de millones de productores aleatorios con mucho talento. [Se ríe] Y luego pensé, “Si voy a dar esta entrevista, debería investigar un poco más sobre este tema, porque probablemente tendré que hablar de ello”. Y entonces descubrí que es Mica Levi.
Vi que se rumoreaba, pero no sabía que estaba confirmado.
Me metí en un hilo de Reddit y resultó que sí estaba confirmado. Vi que bar italia lo confirmó [Mica Levi en la producción y Tirzah en la voz]. Soy una gran fan del trabajo de Mica Levi, y es une de les productores/compositores más respetades del mundo en este momento. Está haciendo algunas de las bandas sonoras más interesantes, y cualquier persona que haga música, especialmente en el Reino Unido, está muy enamorada de lo que hace. Y a veces siento que cuando tu reputación te precede, es difícil saber si realmente te gusta la música o si solo estás muy influenciado por esa reputación. Es difícil escucharla desde una perspectiva completamente imparcial. Creo que es muy raro poder consumir música de forma anónima hoy en día, y eso dice mucho sobre quién es Mica Levi como músico, que su música trasciende su reputación. Conecta con la gente de una manera muy real que va más allá de cómo el mundo le percibe.
Ha pasado bastante tiempo entre los álbumes de Austra, pero has trabajado en música fuera de este proyecto. ¿Es componer bandas sonoras una forma de trabajar fuera de los límites de este mundo que has creado? ¿Piensas en lanzar música de forma más anónima?
Componer bandas sonoras fue un gran alivio, porque me permitió aceptar el hecho de que Austra no tiene que ser el centro de todo lo que hago. Austra es esencialmente un proyecto de indie pop – tengo que decir indie porque no es tan popular – y siento que, como mi formación no es exactamente esa, siempre he tenido esta resistencia a abrazar completamente esta idea pop. Pero cuando empecé a componer bandas sonoras, me di cuenta de que podía hacer todas estas cosas con diferentes salidas, y que era mucho más fácil aceptar a Austra por lo que es y adentrarme más en este mundo pop en lugar de intentar hacer música que impresione a la gente de otra manera. No siento que deba hacer eso.
Que te dejen (o las cinco etapas del duelo)
En muchos sentidos, Chin Up Buttercup evita las ideas tradicionales de sanación, pero parece usar las cinco etapas del duelo como una especie de mapa. Tengo curiosidad por saber cuán intencional fuiste en que eso informara el arco del álbum.
Definitivamente no estaba pensando en las cinco etapas del duelo hasta después de terminar el álbum. Mientras lo estaba haciendo y juntando las canciones, tenía la sensación de que había mucho caos en la música. Había una progresión no lineal que se sentía muy dispersa. No fue hasta después que me di cuenta de que todo el álbum es esencialmente un blueprint de las cinco etapas del duelo. Oscila entre la depresión y la ira, y mi favorita es la fase de negociación. La canción ‘Fallen Cloud’, por ejemplo, donde hablo de que mi ex cambie quién es solo un poco para que encajemos mejor – hay algo gracioso en eso, pero también bastante triste al mismo tiempo, porque es una súplica desesperada por intentar que las cosas funcionen, cuando obviamente no van a funcionar. No fue hasta después que pensé, “Ah, esta es una de las etapas”. Agradezco hacer esa conexión, porque hace que el álbum se sienta menos caótico, y hace que parezca que realmente tiene sentido.
¿Sientes que la creación de las canciones fue menos lineal que cómo están estructuradas?
La gente dice que cuando experimentas las cinco etapas del duelo, nunca es lineal. Un día despiertas y estás enojada. Otro día te levantas y te sientes serena, aceptando completamente lo que pasó, y al día siguiente estás deprimida. Diría que es una experiencia que cambia casi cada hora. En mi proceso de escritura, eso definitivamente fue así. Supongo que hay cierta narrativa lineal. La primera canción que escribí fue ‘Blindsided’, que creo que describe mejor lo que sucedió. De hecho, la escribí durante las dos primeras semanas después de la ruptura, así que era el reflejo más crudo. Y luego, creo que la última fue probablemente ‘Hopefulness of Dawn’, que representa el momento de aceptación. En ese sentido, tiene un comienzo y un final, pero la parte del medio es un completo desorden.
La biografía del álbum incluye una cita de Louise Erdrich sobre cómo la soledad puede quebrarte con su anhelo. ¿Sientes que esa ruptura, ese anhelo, fue tan inspirador creativamente que casi se convirtió en un lugar cómodo en el que quedarse?
Me gustaría decir que no, pero creo que sería una respuesta deshonesta. Cuando alguien pasa por un sentimiento intenso de dolor, nos resistimos a dejarlo ir completamente porque, de alguna manera, el anhelo es el último hilo de conexión. Si detienes el anhelo, entonces oficialmente todo se ha ido, todo está cortado. Así que, aunque ya no es una relación correspondida, el ser la única persona que permanece conectada significa que todavía existe un vínculo. En ese sentido, es fácil quedarse allí por más tiempo de lo que probablemente es saludable. Pasé mucho tiempo en esa etapa de anhelo, y a menudo me pregunto si podría haber hecho algo diferente. No sé si una parte fue porque estaba haciendo un álbum sobre eso. Hubo factores externos, como la pandemia, que contribuyeron a que se extendiera mucho más allá del tiempo que jamás imaginé.
**Los terapeutas de Instagram**
Tengo una amiga de la infancia que experimentó la muerte de su pareja a una edad muy joven y se ha convertido en una especie de influenciadora del duelo en línea. Ella habla sobre su experiencia con el dolor y cómo vivir con él, y me da casi vergüenza decirlo, porque obviamente la muerte de una pareja es muy diferente a que te dejen, pero también aprendí mucho de su página y de lo que decía. Debo decir que también tuve terapeutas reales, así que no dependía únicamente de los terapeutas de Instagram. Creo que también necesitas personas reales con las que hablar. Pero mientras estás pasando por algo así, te obsesionas con encontrar a otras personas que también estén pasando por lo mismo, buscando validación o algún significado para lo que está sucediendo.
Hay muchos terapeutas de Instagram obviamente muy malos, pero también hay algunos bastante buenos que crean memes sobre rupturas y esas cosas. Tengo un álbum en mi teléfono con cientos de estos memes de terapeutas de Instagram. Hace mucho que no lo miro, pero fue muy útil para darle sentido a lo que estaba experimentando. Al mismo tiempo, como con cualquier terapia, creo que existe el riesgo de eliminar esa autoconciencia. Es muy importante ser siempre consciente de tu papel en todo y del control que tienes; intentar concentrarte más en ti mismo y en lo que puedes hacer en el futuro inmediato y a largo plazo.
Una cosa que es diferente es que un terapeuta real te ve cambiar y pasar por estas etapas, mientras que el algoritmo no, por lo que podría seguir mostrándote, como, videos sobre estilos de apego.
Oh, por supuesto. Ni siquiera sabía lo que era la teoría del apego hasta esta crisis… el concepto de ser evasivo o todas estas cosas, y luego me interesé tanto en ello. Cuando se reduce a un meme de Instagram, es muy fácil decir: “Oh, soy evasiva”, y existir en estos compartimentos muy claros, lo que obviamente no es la realidad en absoluto. Por eso también necesitas al terapeuta real para negociar eso. Pero al mismo tiempo, fue útil porque cuando pasas por un dolor extremo, puede sentirse muy aislante. Realmente se siente como si fueras la única persona en el mundo que puede o ha sentido esto, y personalmente me pareció muy útil, primero, poder hablar de ello abiertamente con amigos, pero también poder leer y conectar con personas que también habían pasado por algo similar. Es casi como una descarga de dopamina cuando escuchas las historias de ruptura de otras personas.
**El Rayo de Luz de Madonna**
¿Qué les llevó a ti y a tu co-productor, Kieran Adams, a volver a ese álbum histórico?
Para ser totalmente honesta, esa influencia llegó bastante tarde en el proceso. En realidad, fue mi nueva pareja, Axel, quien lo puso para mí después de no escucharlo durante mucho tiempo. Fue como, “Oh, deberías hacer que tu álbum suene así”, y yo dije: “Sí, tienes razón”. [se ríe] Pero fue en el último 10% del proceso, donde lo usamos como una Estrella del Norte para tomar ese tipo de decisiones de último momento. Si había un sonido de batería que no podíamos descifrar, nos preguntábamos: “¿Qué usarían ellos en este disco?”. Lo usábamos como un plan para tomar estas decisiones finales de producción. Pero para mí, esa referencia es de una categoría más amplia de esta música pop Eurodance que escuché mucho durante la pandemia y que influenció mucho este disco. Ahora mismo hay muchos artistas sacando discos con la misma influencia, y en cierto modo, pienso: es el zeitgeist, han pasado como 20 años, el ciclo siempre continúa de lo que se vuelve trendy o popular otra vez.
Pero creo que hay otra parte, donde, al menos en mi experiencia, en los primeros años de la pandemia – en Toronto, aparentemente tuvimos más días de confinamiento que cualquier otra ciudad en el mundo, por alguna razón. Especialmente en el invierno, porque hace demasiado frío para salir, hubo unos años seguidos con inviernos de confinamiento en los que no veías a nadie. En esa época, salía con alguien nuevo que era de Francia, y él había crecido con mucha de la música Eurodance. Yo conocía algo, pero mucho nunca llegó a Canada, así que muchas canciones las escuchaba por primera vez. Nos juntábamos los fines de semana y poníamos Eurodance a todo volumen en mi apartamento. Era un contraste tan grande con los meses deprimentes de la pandemia, escuchar esas canciones tan eufóricas y bailar por todo el piso.
Cuando quedó totalmente claro que iba a hacer un disco sobre una ruptura, no había escapatoria, no queria que fuera un disco deprimente. Realmente me inspiró esa sensación de euforia, y quería poder incorporar eso al disco. Buscaba una liberación emocional y eufórica, en vez de quedarme estancada en una depresión leve.
### Mitología griega y *El género del sonido* de Anne Carson
Tengo curiosidad sobre cómo te afectó personalmente ese ensayo, y si cambió tu manera de ver el uso de tu voz como una herramienta emocional durante el proceso del álbum.
Leí el ensayo de Anne Carson después de hacer el álbum, así que es un poco trampa que lo haya mencionado. Pero ese ensayo fue muy poderoso para mí, porque tengo experiencia directa como una persona que hace música en esta industria desde hace más de 20 años, dependiendo de como lo quieras categorizar. Diría que mi mayor atractivo comercial siempre ha sido mi voz; pero también creo que siempre ha sido la parte más controvertida de mi música. He recibido comentarios directos diciendo que mi voz es demasiado divisiva para la radio. Me parece tan interesante, porque soy una buena cantante. [Se ríe] Eso lo puedo decir con mucha confianza, y sé que también por eso la gente se siente atraída por mi música, así que siempre me sentía muy confundida cuando recibía ese tipo de comentarios. Siempre supe que había algún elemento de misoginia, pero al leer este libro de Anne Carson, que se dedica completamente a miles de años de cómo una sociedad patriarcal responde a la voz de una mujer, pensé: “Me siento tan identificada con esto”.
Anne Carson también es una de las principales expertas en mitología griega. Ya conocía algo de su trabajo, como *Autobiografía de Rojo*. En este álbum, tengo una canción llamada ‘Siren Song’, lo que es interesante porque una sirena es una cantante. Básicamente, las sirenas son estas criaturas marinas que, en la mitología griega, cantaban y atraían a los marineros hacia ellas, los atrapaban. El antídoto para eso era Orfeo, que venía y tocaba su lira, y dominaba a las sirenas. Los marineros se sentían atraídos por la lira en lugar de por las sirenas, y se salvaban. Originalmente, escribí esta canción usando eso como una metáfora de mi experiencia: yo soy la sirena, estoy cantando, intentando atraer a mi ex pareja de vuelta, pero desafortunadamente, ella está completamente enamorada de Orfeo, esta otra persona y su lira.
Ya le había dado la vuelta a la narrativa, haciendo que la sirena fuera la protagonista a la que queremos que tenga éxito, queremos que gane. Y esa historia, al leerla en el contexto de *El género del sonido* de Anne Carson, cobró mucho sentido para mí. Vemos a las sirenas, que han sido vilipendiadas durante siglos, y todo su libro esencialmente disecciona la forma en que percibimos las voces de las mujeres a lo largo de la historia. Es realmente impactante leer el libro, porque estamos hablando de miles de años, y hay montones de referencias: Ernest Hemingway, que dice que tiene que dejar de ser amigo de Gertrude Stein porque no soporta su voz. Es tan prominente en la historia que los hombres se sienten repelidos por las voces de las mujeres. Hacía tanto tiempo que no me sentía tan conectada con un texto. Solo lo he leído una vez; siento que necesito leerlo cuatro veces más, y probablemente acabaré haciendo algo más con ese escrito. Pensé: “Tal vez esto podría ser el comienzo de algo nuevo”. Pero para mí, fue la explicación teórica de ‘Siren Song’, que ya había escrito. Es muy agradable cuando algo cobra sentido mucho tiempo después.
### ‘HAHA’ de Charlotte Adigéry y Bolis Pupul
Es interesante relacionar conceptualmente esta canción con *El género del sonido*, en términos de lo que significa escuchar la risa en la canción. Pero también se refleja en tu canción ‘Think Twice’.
Me alegra que hayas notado que era una referencia directa para ‘Think Twice’, porque eso es exactamente lo que es. [Se ríe] Realmente me atrajo esa canción mientras trabajaba en la banda sonora para un documental llamado *Swan Song*. Trabajé muy de cerca con el productor y el director no solo para componer la banda sonora, sino que también tuve mucho control sobre toda la música del documental. Esa canción tenía un momento en la banda sonora, pero creo que no pudimos conseguir los derechos, así que tuve que intentar hacer algo con una energía similar. Terminé usando algunos diálogos del propio documental, cortándolos y creando ese tipo de energía, pero aún así estaba muy influenciada por esa canción.
‘Think Twice’ fue una de las últimas canciones que hice para el disco, y fue en un momento en el que ya había experimentado mucha sanación. Estaba en un punto en el que estaba observando mi experiencia desde una perspectiva externa y realmente explorando su lado humorístico. Cuando escribía ‘Think Twice’, intentaba crear algo un poco tonto y divertido. Esa canción representa todas esas cosas para mí, así que me centré en ello. Estaba muy preocupada de que ‘Think Twice’ se interpretara como algo demasiado cruel, pero por lo visto todos los que lo han escuchado lo ven como algo gracioso, y eso me alegra mucho.
**Paul Takes the Form of a Mortal Girl de Andrea Lawlor**
De vez en cuando te encuentras con un libro y piensas: “Siento que este libro fue hecho para mí”. Es la historia de un personaje que puede transformar su género cuando quiera y que se mueve por el mundo: mujer, hombre, a veces algo intermedio. Es una de esas novelas de fantasía muy arraigadas en la realidad. No estamos en el espacio, ni en una tierra fantástica. Estamos en los años 90 en el noreste de Estados Unidos, pero existe este elemento fantástico. Y como siempre he sido una gran fan de la ciencia ficción, esa historia me pareció mágica. La razón por la que la mencioné es porque, mientras hacía este álbum, que tardó tanto tiempo – no trabajaba en el álbum de forma constante, hubo muchos años en los que estuve sin rumbo y no sabía lo que hacía –, durante ese periodo me aficioné mucho a la escritura, algo que nunca había hecho antes. Me encontré escribiendo casi todos los días, probablemente como una especie de mecanismo de defensa. Soltaba palabras y poemas muy malos, pero era una liberación emocional sobre lo que sentía.
Pero sí me di cuenta de que escribir se había vuelto algo más importante para mí, y quería mejorar, así que leí libros de poesía y aprendí lo más básico. Al final me apunté a un taller con Andrea Lawlor en Provincetown, en el Centro de Trabajos de Bellas Artes. Era solo un taller de escritura de cinco días. Fui sola a hacer el curso, y fue algo tan raro para mí, porque todos los demás en el taller eran escritores serios. Algunos publicados, otros eran periodistas que querían escribir ficción, algunos estaban a punto de publicar. Eran personas que se habían comprometido con la escritura – era lo suyo para toda la vida. Yo llegué allí, y nos daban estos ejercicios de escritura, y tuve que buscar en Google qué era la tercera persona y la primera persona. No me podía acordar porque no había estudiado desde la escuela secundaria. Me sentí totalmente fuera de lugar, era mucho para mí. Fue bastante vergonzoso estar allí. Pero al mismo tiempo, cuando miro atrás, estoy muy orgullosa de mi misma por hacerlo. Y, por supuesto, conocí a mucha gente muy interesante y genial con la que mantengo el contacto, y no hubo ningún tipo de juicio. A nadie le importaba que yo no fuera escritora.
Al mencionar a Andrea Lawlor, creo que es más que ese libro me llevó a ese espacio y taller en particular, y diría que influyó en el álbum solo en el sentido de que yo nunca había experimentado eso como música. Siento que no existe una red de talleres para compositores de la misma manera que para la ficción. Entendí el marco de cómo la gente practica la escritura y mejora, y pude aplicar eso a la creación de música. Te creas restricciones, como con los ejercicios de escritura, y tienes que trabajar dentro de ellas en un período de tiempo. Terminé llevando ese concepto a mi propia música. Realmente creo que, como persona creativa, es increíblemente valioso adentrarse en otras formas de arte que no sean la tuya, solo para ver cómo hacen las cosas.
¿Sientes que estar en ese entorno te hizo sentir menos cohibida a la hora de compartir diferentes tipos de escritos, incluso letras?
En realidad estaba muy orgullosa de mi misma, porque el último día tenías que compartir algo de escritura, y al final escribí algo. No era ninguno de los ejercicios que habíamos hecho en clase, simplemente lo escribí por mi cuenta. Lo leí, y en realidad estaba relacionado con la música. Tuve que subir al escenario frente a una sala llena de escritores que estaban todos en estos talleres y leer este párrafo que había escrito, y todos fueron muy solidarios. Creo que fue útil para tener más confianza en mi escritura de letras, porque esa es un área que, cuando empecé mi carrera, simplemente no me importaba. Era totalmente irrelevante para mí, y a medida que mi carrera progresaba, me he interesado más y más en ello. Siempre ha sido algo que nunca se me ha dado tan naturalmente como escribir música, así que creo que siempre he tenido falta de confianza en ese departamento. Pero este taller fue un paso que me ayudó a sentir que la escritura es algo que no solo podía hacer, sino que también se puede aprender. Se puede mejorar.
**Clases de canto con Fides Krucker**
Tengo curiosidad por saber cómo se compara eso con tomar clases en un área en la que tienes más confianza.
Fides Krucker es una ex cantante de ópera que ha creado toda una metodología para cantar basada en el bostezo. Yo había tenido algunos problemas con mi voz cantada, lo cual me asustaba, porque nunca había tenido que hacer nada – nunca había tenido que esforzarme, nunca calentaba, simplemente cantaba y ya estaba bien. [Se ríe] Había empezado a notar que mi voz se había vuelto más débil, y no estaba segura de si era porque me estaba haciendo mayor, o porque no actuaba ni cantaba regularmente debido a la pandemia. Fui a un terapeuta de voz; durante mucho tiempo pensé que tenía reflujo gástrico, y luego no era eso. Fui a una terapeuta de voz que me hizo cantar con un popote para practicar el control de la respiración, y yo pensaba: “Esto es aburridísimo”. Entonces una amiga me recomendó a una profesora, Fides, que da clases en grupo. De hecho, la mayoría de la gente en sus clases ni siquiera son cantantes; son actores o personas que simplemente necesitan su voz.
Básicamente, toda la clase consiste en aprender a bostezar. Cada día, pasamos los primeros 15 minutos solo bostezando. Estamos todos sentados en un círculo, bostezando. Creo que ella menciona a un mono, porque básicamente intentas relajar completamente tu cuerpo y llenarlo de oxígeno a través del bostezo. Al final, todos estamos llorando, te moquea la nariz, se te destapan los senos nasales; es una respuesta física increíble. Después de esta sesión de bostezos, al menos en mi caso, es como si mi voz se renovara. Puedo alcanzar las notas altas, puedo alcanzar las notas graves, el control vuelve, está ahí. Y supongo que su teoría es – y como alguien que estuvo muy metida en la ópera en el instituto, siempre he conocido esta referencia: dicen que la voz más pura es el llanto de un bebé. Tienes un lamento de todo el cuerpo, y siempre estás intentando alcanzar ese nivel de apertura. En general, a lo largo de nuestras vidas, realmente restringimos los tipos de sonidos que hacemos.
Ahora que lo digo, esto también se relaciona claramente con ‘El género del sonido’ de Anne Carson, porque ese libro habla de cómo, a lo largo de la historia, percibimos la voz masculina como controlada, reprimida, capaz de gestionar sus emociones, mientras que la voz femenina está fuera de control. En estas clases, intentas acceder a esa falta de control, así que tratas de liberarlo todo y hacer estos lamentos guturales, desde lo más profundo del vientre. Cuando empiezas, no intentas sonar bonito, solo estás lamentándote. Pero simplemente accedió a esta voz para mí que no había oído en mucho tiempo. Sinceramente, fue mágico. Había tomado lecciones de canto antes, y se supone que lleva años llegar a un cierto nivel, pero con una sola clase de bostezos mi voz está en un nivel que no había alcanzado en mucho tiempo. Siempre la recomiendo a la gente, porque también da clases en línea.
### Los Expedientes Secretos
Has mencionado ‘The X-Files’ al hablar de ‘Siren Song’, específicamente cómo te inspiró la búsqueda desesperada de Mulder por su hermana. Cuéntame más sobre esa conexión.
Simplemente estaba en una racha de ver ‘The X-Files’ mientras la hacía; volví a ver toda la serie. Siempre me ha atraído mucho la ciencia ficción. Este video que acabo de hacer en Hawai, lo filmamos en la cima de una montaña llamada Mauna Kea, y es para la canción ‘Fallen Cloud’. La razón por la que fui allí es que estás por encima de las nubes, así que se siente como si estuvieras en el cielo cuando grabas allí. Hay toda una serie de satélites y telescopios enormes en la cima de esta montaña; está el de la NASA, el japonés y luego el canadiense-francés. El lugar parece sacado de ‘The X-Files’. Se sentía tan apropiado estar allí.
La influencia directa en la escritura de letras, como dijiste, fue en ‘Siren Song’. Creo que cuando hablas de algo personal – para mí, la pérdida de una relación – es muy difícil decir lo que quieres decir. Es difícil acceder a ese nivel de vulnerabilidad. Pero si puedes proyectar esos sentimientos en otra cosa – en mi caso, me conmovió mucho la conexión de Mulder con su hermana. Hay algo muy femenino en Mulder; está muy en contacto con sus emociones y no tiene esas cualidades masculinas extremas de “soy un héroe” que tendrías en otros programas de televisión. Esta devoción por encontrar a su hermana – y me encanta también que sea su hermana y no una amante, es este anhelo de la infancia que él tiene – me pareció tan hermoso. Cuando escribía ‘Siren Song’, obviamente tenía mi propio anhelo, pero pensé: “¿Y si finjo que soy Mulder y escribo sobre su anhelo?” Hace que sea más fácil expresar esos sentimientos cuando no estás escribiendo exactamente sobre ti mismo. Pude meterme en su historia como una forma de contar la mía.
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Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad y extensión.
‘Chin Up Buttercup’ de Austra ya está disponible a través de Domino. Claro, aquí tienes una versión adaptada a un nivel B2, con un par de errores comunes:
Me encanta viajar y conoser nuevas culturas. Creo que es una de las mejores formas de aprender sobre el mundo y sobre uno mismo. La última vez que fui a Italia, quedé impresionada por la amabilidad de la *gente y la riqueza de su historia. Definitivamente, quiero volver algun día para explorar más.