Remember Sports es una banda de indie rock que se formó en el 2012 cuando sus miembros estudiaban en la Universidad Kenyon, en Gambier, Ohio. Después de sacar su primer álbum (como ‘Sports’) en Bandcamp en el 2014, firmaron con el sello Father/Daughter Records y lanzaron *All of Something* al año siguiente. Su tercer disco, *Slow Buzz*, llegó en 2018, seguido por *Like a Stone* en 2021. El bajista Catherine Dwyer y el guitarrista Jack Washburn ya habían tocado en otros proyectos, pero no fue hasta el año pasado que la cantante y guitarrista Carmen Perry se lanzó a sacar *Eyes Like a Mirror*, su primer álbum en solitario. Ahora, el grupo regresa con un nuevo disco, *The Refrigerator*, su primero con Get Better Records y el primero en contar con el baterista Julian Powell, quien se unió a la banda en vivo hace unos años. Grabado en los estudios Electrical Audio de Chicago, el álbum transforma la colisión surrealista entre el yo pasado y el presente –inspirada en el trabajo de Perry como profesora de primaria durante la pandemia– en un viaje emocional vertiginoso, desde la crudeza gutural de ‘Across the Line’ hasta las reminiscencias hipnóticas de ‘Ghost’, llevada por la gaita. “La mesa de la cocina se partió en dos y pensé en ti”, canta Perry en esta última, mientras toda la banda se asegura de que ese tren de pensamiento –que dobla el tiempo y la razón– sea una emoción seguirle el ritmo.
Nos reunimos con Carmen Perry de Remember Sports para la última edición de nuestra serie Artist Spotlight para hablar sobre dar clases en una escuela primaria, la cocina como espacio donde sucede la vida, tomar consejos de las canciones y más.
En el álbum hay un hilo conductor sobre acercarse a los 30 años mientras te reconectas con tu yo niño, lo cual supongo que, para ti, se inspiró en trabajar a tiempo completo en una escuela primaria durante el COVID. ¿Cómo fue cambiar tu enfoque de esa manera y cómo se filtró eso en otras partes de tu vida?
He estado enseñando a tiempo parcial desde que me mudé a Filadelfia después de graduarme de la universidad. Surgió esta oportunidad de tomar una posición a tiempo completo por un año en una escuela primaria cerca de mi casa durante el COVID, en un momento en que parecía que nunca más iba a poder salir de gira. Estaba muy en esa mentalidad de que mi vida como la conozco se había acabado, así que por qué no probar esto un tiempo, ahorrar algo de dinero y ver si me gusta. Creo que había una gran parte de mí que pensaba: “Esto no es lo que realmente quiero hacer, pero lo estoy haciendo, y lo hago todos los días, lo cual es fuera de lo común para mí”. Siempre he conectado con los niños; cuidaba niños cuando era más joven. Sentí que una gran parte de mi rol durante ese año era simplemente hacer que los niños se sintieran bien, tanto en relación con el COVID como con toda la incertidumbre que los adultos en sus vidas enfrentaban en ese momento.
Los niños tienen problemas en los que los adultos ya no suelen pensar, así que hablaba con muchos niños cada día y veía esos pequeños destellos de cosas o rarezas en ellos que recordaba de mí misma cuando era pequeña, o de personas que conocía de joven. Existe todo un mundo interior que es como inaccesible para los adultos, y todos los miedos y ansiedades que vienen con crecer –creo que tendemos a no pensar en lo difícil que es lidiar con eso una vez que lo hemos superado. Eso realmente me puso en la mentalidad de algo difícil por lo que pasé, y quizás no he procesado completamente. Sentía que una gran parte de mi trabajo era simplemente ser su amiga, ser alguien que pudiera escuchar y entender, así que eso hizo que, de una manera un poco indirecta, me tratara a mí misma un poco diferente. Pasaba tanto tiempo pensando en mi yo más joven y en la niña que fui, que me afectó la cabeza, pero de una manera que me hizo pensar mucho más en cuidarme y ser amable conmigo misma.
A menudo no tienen miedo de ser raros y graciosos, pero tampoco suprimen el miedo como lo hacen los adultos. Siento que este sentido del miedo es algo con lo que conectas en este disco. ¿Describirías a tu yo niño de manera diferente después de pasar tiempo con niños y ver cómo expresan sus emociones? ¿De qué maneras te recuerdas a ti misma ahora?
Creo que los adultos han aprendido a navegar por el mundo y sentir sus emociones desde detrás de varias capas de: ¿Cómo me voy a ver? ¿Cómo voy a parecerle a otras personas? Esas capas simplemente no están ahí todavía cuando eres un niño. Respecto a tu pregunta, cuando pienso en mí misma como una niña, lo estoy pensando a través de mis ojos de entonces, y pienso en todas las cosas vergonzosas que hice. Todas las formas en que fui ‘cringe’ y, no sé, ¿graciosa? Creo que hay una manera en la que hablo de mi yo más joven en un tono de burla. En el proceso de escribir este álbum, trabajar en la escuela y reflexionar sobre estos pensamientos, tengo un sentido mucho más protector de ser niño. Quizás yo era vergonzosa para mis sensibilidades actuales como adulta, pero también estaba pasando por mucho, e intentando con todas mis fuerzas, como, ser una persona, tener sueños y averiguar quién era. Siento que ahora tengo mucha más ternura.
Es muy fácil para nosotros ser duros con nosotros mismos, y descubrí que eso se extendía también a la parte niña de mí. Simplemente decidí que no quiero ser dura con la niña Carmen nunca más, porque ella hizo lo que pudo. No lo pensamos muy seguido, pero nuestros yoes niños están muy presentes con nosotros, incluso en el presente.
Cada vez que hablamos con alguien o hacemos algo, nuestra infancia está mucho más presente de lo que la mayoría de los adultos piensan en su día a día. Fue un proceso de volver a examinar quién creía que era y verlo desde la perspectiva de cómo yo, como adulta ahora, vería a una niña como yo: querría hacer todo lo posible para que se sintiera segura, comprendida y que estaba haciendo un buen trabajo.
Mencionaste la palabra “ternura.” Cuando escuché esa línea en ‘Roadline’, “La ternura me devasta”, tuve que apuntarla.
Estoy segura que lo entiendes, pero siento que cuando estás realmente mal contigo misma, odiándote, y alguien es amable contigo, incluso un poco, es como, “Ay, esto es lo peor”. [ríe] Creo que eso es bastante universal.
¿Recuerdas la cita de tu anuario de la escuela, si tenías una?
No creo que hubiera citas en mi anuario, pero a veces pienso cuál hubiera sido la mía, y probablemente sería algo irónico. Tal vez una letra de una canción emo que me gustaba mucho. En realidad, lo que yo hubiera pensado en ese momento es que sería una cita muy profunda, y luego probablemente sería algo que recordaría ahora y me daría mucha vergüenza. [ríe] Pero siempre envidié a la gente que tenía citas en sus anuarios. Se siente como algo muy importante sellar esa época de tu vida con palabras definitivas.
Al escuchar el drama de una canción como ‘Selfish’, me pregunto si te influenció el teatro musical cuando eras joven.
Sí, siento que me descubriste, porque yo era muy fan del teatro musical de niña. No lo menciono mucho, porque se ve como algo bastante vergonzoso. No quiero decir que me da vergüenza, porque no es así, y todavía amo los musicales. El drama que me gusta de las canciones del teatro musical es algo que todavía me inspira. Diría que una canción como ‘Selfish’, y probablemente incluso ‘Cut Fruit’, se sienten muy dramáticas, y soy yo dejándome llevar por esas partes de mis emociones, de una manera que es muy divertida porque se siente exagerada. Incluso cuando grababa las vocales para ‘Cut Fruit’, hubo un momento en que pensé, “Esto es tan dramático y serio”. Y lo mantengo, obviamente, pero me da un poco de apuro ir a esos lugares. Pero es tan divertido ser totalmente melodramático y un poco dramática, y no es desde ahí que escribo todas las canciones. Es importante para esas dos canciones, porque cuando tienes sentimientos que no se van, tienes que sumergirte en ellos completamente antes de poder seguir adelante o procesarlos.
Con algunas canciones, se tiene la sensación de que estás revisitando sentimientos de relaciones que se remontan a tu juventud, y me pregunto si te sorprendes en ese proceso de volver atrás en el tiempo.
Volver atrás en el tiempo ha sido algo muy importante para toda la experiencia de Remember Sports durante varios años ya. Somos una banda desde el 2012, y a estas alturas tenemos un catálogo bastante grande, que incluye canciones que escribí cuando tenía 18 años. Cada vez que damos un concierto y tocamos canciones viejas, siempre es una experiencia de volver a ponerme en esas emociones o en ese lugar de cuando tenía 18, o 20, o 24 años, y eso siempre es complicado. Casi se siente como volver atrás y poder interpretar un personaje, o pasar un rato viendo las cosas con mis ojos de esa edad. Es una experiencia que he llegado a apreciar, en estos últimos años de ser banda, porque es un privilegio seguir haciendo esto, y haberlo hecho por tanto tiempo. Todavía no puedo creer que la gente quiera escuchar estas canciones que escribí a los 18 años.
Creo que este álbum es una buena representación de cómo este proyecto ha sido un vehículo para mí para experimentar cosas a través de los ojos del pasado, esa confusión mareante de, como, “¿Tengo 30 años ahora, o tengo seis?”. Escribir estos sentimientos, cantarlos y tocarlos ha sido enorme para mí para procesar quién soy y dónde he estado. Pero cuanto más tiempo llevamos siendo banda y haciendo este trabajo, más pienso, “¿Cómo puedo aplicar esto a otros aspectos de mi vida?” Quizás estaba usando esa lógica cuando escribía este álbum, porque es como, “Bueno, vayamos un poco más atrás. ¿Qué sentía cuando era niña?” Supongo que es una forma de poder jugar con esa experiencia ahora a una edad diferente.
Lo que me parece interesante es cómo la producción del álbum refleja esos cambios de perspectiva – esa confusión mareante, como dijiste – entre la intimidad de dormitorio de una canción como ‘Fridge’ y la riqueza de ‘Ghost’.
Sí, eso tiene mucho sentido. Creo que este es un álbum realmente dinámico, y creo que habla de lo que intentamos conectar, que va por todos lados – desde una canción malcriada como ‘Thumb’ hasta una canción más suave como ‘Fridge’. Todas estas canciones juntas son una experiencia como un tornado, que es lo que se siente al crecer, y también lo que se sintió vivir la pandemia. Todo sirve para traer paralelos a un enfoque más nítido en mi vida.
Crecer también fue un tema prominente en tu álbum debut en solitario del año pasado. Tengo curiosidad por saber cuánta superposición hubo en la escritura de estas canciones.
Definitivamente hay mucha superposición. Has dado en el clavo, el tema de madurar ha sido super importante para mi desde que empecé este proyecto a los 18 años, y sinceramente aún siento que eso es sobre lo que siempre voy a escribir. Desde que empezamos a trabajar en *The Refrigerator*, me diagnosticaron autismo oficialmente, y eso a puesto muchas cosas sobre mi y mi vida en una perspectiva mas clara. En cierta forma, siento que siempre voy a estar en este proceso de sentir que estoy creciendo y aprendiendo a ser una persona. Hay muchas cosas que, como, mi pareja me tiene que explicar —simplemente distintos aspectos de ser una persona que siento que siempre estoy aprendiendo. Siempre parece que estoy creciendo, o convirtiendome en algo, y quizás eso tiene que ver con que ahora sé que soy autista.
Para *Eyes Like a Mirror*, escribí algunas de esas canciones más recientemente, pero las canciones más viejas de ese disco las escribí hace 10 años, así que diría que hay mucha superposición con ese disco y toda la discografía de Sports. No quiero decir que son caras B o rechazos de Sports, pero son canciones que escribí a lo largo de los años que simplemente tenían una vibra diferente, que quería grabar y producir de una forma distinta a como hacemos las cosas para Sports. Mucho de eso fue rescatar estas viejas canciones y letras que han estado conmigo durante los últimos tres álbumes que hemos sacado como Sports, así que definitivamente creo que es un buen disco compañero.
Toda mi carrera musical ha sido con esta banda —Jack, Catherine y Julian tocan en un montón de bandas diferentes y han trabajado en muchos proyectos distintos, y yo sentí que también quería hacer algo más y experimentar trabajar con gente nueva. Hicimos una gira el junio pasado, y fue la primera gira que hice sin que estuviera Catherine; Jack de Remember Sports también tocó en mi banda, así que eso era familiar. Fue algo que no había experimentado antes, así que va muy con el tema de madurar y lo atrasado que siempre me he sentido, como, “Tengo 32 años y esta es la primera vez que hago una gira DIY con gente que no conozco desde los 19”. [risas] Siempre me he sentido como un late bloomer comparado con mis compañeros. Eso me pareció gracioso, porque esto es lo que mis amigos y la gente en mi vida hacen todo el tiempo.
Hablando de hacer las cosas diferente, quería volver a ‘Ghost’ y preguntar por las gaitas y las cuerdas. Más allá de solo incluirlas, lo que me sorprendió fue como se van a fondo y las dejan ser la columna vertebral de la canción. Tengo curiosidad si esa era la visión desde el principio.
Sí, creo que esa fue probablemente la visión para la canción desde el principio, cuando el resto de la banda la escuchó. Muchas canciones las escribo, termino y las llevo a todos, pero creo que con ‘Ghost’, les llevé una canción a medias. No era por ahí donde iba mi mente, pero creo que en cuanto Catherine, Jack y Julian empezaron a trabajar en ella, se sintió que había mucho espacio para experimentar y hacer algo que sonara enorme. Encontramos un gaitero, un tipo llamado Reed que vive en Chicago, donde grabamos el álbum. Creo que lo encontramos en Twitter, y conseguimos que viniera con su amigo al estudio y grabará unas gaitas. Nunca había estado en un estudio de grabación con gaitas, así que fue genial. Usualmente hay al menos una canción en cada álbum donde es como, “Esta es la canción donde vamos a experimentar, tirarle de todo y ver qué funciona y qué no”. Y diré que con ‘Ghost’, hubo muchas cosas que hicimos que no funcionaron. Por cada camino diferente por el que te lleva la canción como producto final, probablemente hubo el doble de ideas que al final no usamos.
Muchas de las decisiones creativas en el disco se sienten muy intuitivas; pienso en como lo distorsionado de ‘Bug’ coincide con el sentimiento de la canción, casi literalmente. Suena como algo de lo que no necesariamente se habla.
Ni siquiera lo había pensado, pero sí, tienes razón. Creo que solo por conocernos y trabajar juntos por tanto tiempo, hay mucho que no se dice. Una canción como ‘Across the Line’, la escribí muy rápido. A veces te desvives con una canción por meses y analizas en exceso cada pequeño detalle, pero ‘Across the Line’ me llegó bastante rápido. La llevé a la banda y todos dijeron, “Sabemos exactamente qué hacer con esto”. Es una canción muy directa, y me encanta tener ambos extremos del espectro en un mismo álbum; siento que necesitas las canciones más directas para anclar las canciones más experimentales. Pero sí, siempre parecemos saber hacia dónde vamos, como una vibra de completar-las-frases-del-otro, pero musicalmente.
¿Hubo otra canción que analizaste en exceso desde el punto de vista de la letra?
‘Thumb’ fue muy difícil de escribir al principio. Creo que era más fácil para mí cuando era más joven ser completamente honesto en mis letras, porque lo hacía todo desde mi habitación y lo subía a Bandcamp. Por otro lado, ahora que llevo tanto tiempo haciendo esto, todos en mi vida saben a lo que me dedico, y mi familia escucha mis letras y todo eso. Me encuentro pensando mucho más en cómo van a ser recibidas las cosas, y eso es algo con lo que he luchado mucho para no hacer en los últimos álbumes que hemos sacado, porque creo que hace que las letras sufran. Con ‘Thumb’, creo que estuve atrapada en ese limbo por un tiempo. Llegó un momento en que decidí simplemente aceptar no ser simpática y decir lo que quería decir.
Esta es la canción que más me preocupa que escuche mi familia. Sin entrar en mucho detalle, creo que necesitaba meterme en la mentalidad de la Carmen de 15 años, a quien le importaba un bledo lo que dijeran los demás, y en la de la Carmen que escribió ‘Clean Jeans’, que también es una canción muy rebelde. Era la única forma que conocía para hacerlo, en plan: “Voy a fingir que me da igual cómo caiga esto”. Se hizo a contrarreloj y terminé la canción justo antes de tener que cantarla. La toma que se escucha es la primera vez que la banda oyó la letra o la melodía, y al final, creo que usamos la primera toma que hice allí. Fue una sensación bonita, cantarla por primera vez para todos y ver su reacción.
Me encanta el alivio en la exhalación que dejaste al final de esa grabación. ¿Cómo sientes que cambió tu relación con tu voz en este disco?
Este álbum especialmente se hizo en una época en la que siento que he mejorado técnicamente cantando. Nunca he tenido formación, pero en los últimos años he pensado mucho en usar mi voz de cabeza frente a mi voz de pecho, y encontrar el punto medio. A mucha gente le lleva mucho tiempo refinar esa parte de su voz, y durante la creación de este disco, siento que me he enfocado mucho en eso. Hay momentos en este álbum en los que canto desde ese lugar, o tomo la decisión consciente de cantar con voz de cabeza o de pecho. Para mí, se siente como que hay más dinámica, porque muchos de nuestros discos anteriores son solo yo gritando, porque creo que era lo que necesitaba en ese momento: solo necesitaba ser lo más fuerte posible. Con el tiempo, ha requerido más trabajo definir estas dinámicas, porque creo que el grito suena más poderoso si hay momentos en que no ocurre. Al mismo tiempo, nunca me interesó tener una voz técnicamente buena o bonita. Eso me parece muy aburrido.
Hablamos de esta autoconciencia, en ‘Thumb’, sobre cómo pueden percibirse tus palabras. Es una tensión que siento presente en todo el álbum, como el contraste entre guardar silencio y hablar sin parar entre ‘Roadkill’ y ‘Cut Fruit’.
Creo que mucho de esto se remonta a descubrir que soy autista. Siempre he sentido a lo largo de mi vida que hay una parte de mi personalidad y mi identidad que está atrapada en mi cabeza, y se trata de encontrar las palabras correctas para que los demás entiendan. Esa ha sido una batalla constante en mi vida, encontrar mis palabras. No soy muy buena hablando o articulándome. Bueno, ahora que soy mayor, soy bastante buena, pero la música aún se siente más fácil, cantar aún se siente más fácil que hablar. Mucho de la batalla de mi vida –y esto vuelve a hablar de la infancia y de trabajar con niños– ha sido y es averiguar quién soy y quiero ser, y ser firme con mis palabras al respecto, usarlas para solidificar eso en lugar de tragarme las cosas. Creo que mucho de mi trabajo anterior es definitivamente como: “¿Por qué nadie me entiende?” Y ahora casi ha ido al extremo opuesto, mucha gente escucha todo lo que grabo, y eso se siente como mucha presión, me asusta y me dan ganas de encerrarme en mí misma. Pero ese es el trabajo entonces: averiguar cómo decir lo que vas a decir, y defenderlo.
‘Thumb’ trata sobre alguien a quien amé mucho y que me lastimó mucho, y luego perdió un pulgar. Hay partes de mí que quieren gritarlo a los cuatro vientos y que todos lo sepan, y luego están las partes más dolidas de mí que piensan: “Pero aún me siento muy sensible con esto”. Se trata de encontrar el equilibrio adecuado entre esas dos partes: ser ruidosa y bulliciosa, y seguir siendo una persona sensible y que siente. Muchas veces siento que represento mal lo que realmente siento y me avergüenzo de eso, pero la alternativa es no hablar, que es lo que hice por un tiempo cuando era niña. Hubo algunos años en los que fui no verbal, guardándome todo, y eso tampoco se siente bien. Ese ha sido el gran desafío de mi vida.
El título del disco se centra en que a menudo escribes sobre objetos domésticos como vehículos para emociones grandes. Hay algo nostálgico no solo en la nevera como un tesoro de recuerdos, sino en el espacio que la rodea.
Creo que lo que dices de los electrodomésticos grandes es muy acertado. Ya lo he hecho antes, tenemos una canción llamada ‘The Washing Machine’. Creo que mucho de cómo escribo canciones es que trato de volver a meterme en mi cabeza en la época sobre la que intento escribir, y tengo que pensar en lo que veo, siento, escucho, huelo, toco. Y en muchos de estos recuerdos, estoy en la cocina. Me están regañando junto a la nevera, o abrazando a alguien junto a la nevera, o bailando frente a la nevera. Nos conectamos tanto con estas cosas que literalmente se ciernen sobre muchos de los momentos o escenas importantes de nuestra vida, y por eso elegimos *The Refrigerator* como título. En muchas de las canciones, canto sobre estar en una cocina, y son todas las cocinas diferentes en las que he vivido a lo largo de mi vida. No sé si es exactamente la misma cocina de la que canto dos veces.
En la última canción, ‘Nevermind’, hablas sobre tomar consejos de las canciones que te gustan. ¿Puedes pensar en alguna canción que sea como un faro para ti en ese sentido? Sé que eres fan de Rilo Kiley, así que para mí un ejemplo sería ‘A Better Son/Daughter’.
Me alegra que preguntes eso. Creo que la canción en la que pensaba específicamente al escribir eso era una de Rilo Kiley. Estaba pensando en todas esas canciones que he amado por años – como ‘More Adventurous’, específicamente la línea que dice: “I read with every broken heart/ We should become more adventurous”. Pensaba en canciones que tienen frases que son como consejos – podría cantarla dormido, pero ¿realmente estoy asimilando lo que significa y viviendo según ese principio? ‘A Better Son/Daughter’ también es un buen ejemplo. De hecho, pude verlos por primera vez el septiembre pasado, y escuchar esa canción en vivo fue un momento crucial. Lloré mucho.
Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad y brevedad.
El álbum de Remember Sports, The Refrigerator, sale el 13 de febrero a través de Get Better.