Michał Korta es un fotógrafo de retrato y documental reconocido a nivel internacional, con base en Polonia. Estudió fotografía y literatura alemana y ha trabajado profesionalmente desde mediados de la década de 2000. Korta es conocido por sus retratos fuertes y llenos de matices de creadores, como escritores, músicos y pintores, junto con proyectos documentales a largo plazo que exploran la identidad, el contexto social y la experiencia humana en distintas culturas. Ha publicado múltiples fotolibros, incluyendo Balkan Playground, un viaje lleno de matices por ocho países balcánicos, y The Shadow Line, que examina las relaciones entre humanos y animales de una manera intuitiva y subversiva. Ambos han sido exhibidos en instituciones importantes.
Sus otros proyectos abarcan Europa, Asia Central, Israel, África y más allá. Ha recibido numerosos premios, y sus imágenes se han exhibido por toda Europa y han aparecido en publicaciones internacionales. Además de su práctica fotográfica, Korta contribuye a la educación en fotografía mediante la enseñanza y la escritura, y colabora con instituciones culturales, galerías y editoriales.
**¿Qué te atrajo al mundo de la fotografía?**
No estoy completamente seguro de que me atrajo a la fotografía. Creo que fue más una coincidencia, o mejor dicho, una serie de coincidencias. Pero a nivel racional, me atrajo la forma cerrada de la fotografía. En una fotografía, el mundo puede aparecer completo, incluso perfecto en sus imperfecciones. Cuanto más mayor me hago, más aprecio esas imperfecciones. Me parece profundo: la tensión entre el azar y la intención, la imperfección y el control. La fotografía, a diferencia de otros medios, permite que esta paradoja exista en un solo fotograma: un momento congelado que es totalmente moldeado por el fotógrafo y completamente sujeto a la imprevisibilidad de la vida. Esa “forma cerrada” es precisamente lo que le da a la fotografía su poder. Cada detalle e imperfección queda codificado y preservado, y sin embargo estas imperfecciones no son defectos. Más bien, son parte de la autenticidad y la textura de la realidad capturada.
El trabajo de Robert Frank encarna esto a la perfección. Sus imágenes a menudo son crudas, desiguales, incluso casuales a primera vista, pero dentro de esa aparente espontaneidad hay una exactitud de visión. La imperfección se convierte en una lente a través de la cual emerge una verdad más profunda: un comentario social, una resonancia emocional. Es como si la propia fotografía abrazara el caos de la vida y lo organizara en algo coherente, algo que se puede revistar y sobre lo que se puede reflexionar.
En este sentido, mi propio camino hacia la fotografía refleja el medio en sí: una combinación de azar e intención, aleatoriedad y estructura. Esa dualidad, ese equilibrio entre control e imprevisibilidad, es central para entender por qué la fotografía sigue cautivándome.
Crédito de la foto: Michał Korta
**Tu trabajo es predominantemente en blanco y negro. Más allá de lo estético, ¿qué te permite expresar esta elección?**
Trabajo tanto en color como en blanco y negro, pero en los últimos años me atrae cada vez más el blanco y negro. El color puede distraer; el blanco y negro simplifica el mundo, revelando solo la escala de grises y el poder de la iluminación. Algunas superficies reflejan más luz que otras, la piel humana en particular, y a veces entrecierro los ojos durante una sesión para eliminar mentalmente el color y percibir mejor el juego de luces y sombras.
Soy un adorador del sol y aprecio profundamente la luz natural. Incluso la luz natural se puede modificar; puede ser una colaboradora en vez de solo un dato. En la fotografía de retrato, especialmente con las cámaras de alta resolución y los flashes avanzados de hoy, el mero brillo ya no es fundamental. Sin embargo, muchos fotógrafos jóvenes confunden los retratos completamente iluminados con los bien iluminados, produciendo imágenes brillantes y de alto contraste que no siempre usan la luz de manera efectiva.
La iluminación siempre tiene un propósito, especialmente en los retratos. Esculpir a un sujeto no es simplemente colocar múltiples fuentes de luz a su alrededor, lo cual puede crear conflicto y diluir el efecto. La luz y la sombra se pueden usar de forma creativa para enfatizar la forma, definir el estado de ánimo y dar vida al sujeto. Dominar la luz y su dirección, intensidad, carácter e interacción con las superficies requiere observación, experimentación y paciencia.
**Has fotografiado a una amplia gama de creadores, incluyendo músicos, pintores, actores y escritores. ¿Qué tienen los otros creadores que te atrae como fotógrafo de retratos?**
Conocer el trabajo de un actor o músico no significa que realmente conozcamos a la persona. Es natural admirar sus canciones, pinturas o actuaciones, y conocer a tus ídolos puede ser emocionante, pero la admiración no crea automáticamente una amistad. A veces las conexiones ocurren cuando compartimos una energía o visión del mundo similar, pero eso no está garantizado.
Los creadores suelen ser personas que toman riesgos y no le temen al fracaso. Como dice el dicho, “Dios ayuda a quien se esfuerza”, y esta es una cualidad que admiro profundamente. Trabajar con personas conocidas tiene sus propios desafíos: sus caras son familiares por las revistas o las redes sociales, así que la pregunta se convierte en cómo revelar algo nuevo, por ejemplo, una faceta oculta de su carácter o ser. Un buen retrato, creo yo, es una mezcla del retratado y el fotógrafo. Al final, todas las cámaras son iguales; son las personas a ambos lados las que lo hacen único.
Una sesión de fotos es un intercambio de energía. Cuando nos encontramos en el mismo nivel, podemos inspirarnos y elevarnos mutuamente. Se convierte en un flujo dinámico que puede ser mayor que la suma de sus partes.
Crédito de la foto: Michał Korta
**Tus libros, particularmente Balkan Playground, han recibido elogios de la crítica. Cuando seleccionas imágenes para un fotolibro, ¿qué criterios guían tus elecciones?**
Al seleccionar imágenes para un fotolibro, me centro en la narración. A menudo uso momentos surrealistas extraídos de la realidad, y valoro la sutileza, dejando espacio para que el espectador interprete y complete los vacíos. La realidad puede ser sorprendente; solo necesitas abrirte a ella y esperar.
El proceso de selección y edición de imágenes es complejo y exigente. No diría que soy un maestro, porque siempre hay más que aprender. Con el tiempo, he aprendido a confiar en unos pocos amigos cercanos y colaboradores, ya que diferentes perspectivas pueden enriquecer mucho un proyecto. A partir de ahí, comienza la discusión, dando forma a la narrativa final y ayudando al fotolibro a encontrar su voz.
**Has escrito que “lo que se deja sin decir habla más fuerte que lo que se expresa claramente”. ¿Ha cambiado tu relación con el silencio y la sutileza a lo largo de tu carrera?**
Por supuesto, cuando empecé, quería que mis fotos gritaran, literalmente, y golpearan al espectador como un puñetazo en la cara. Hoy en día, veo eso como solo una herramienta más entre muchas. Lo que más importa es usar lo que mejor sirva al propósito de la imagen, ya sea el silencio o una declaración fuerte. En el desbordamiento actual de imágenes, las imágenes silenciosas y sutiles a menudo tienen más impacto que las obvias o estridentes.
**¿Qué emociones sientes cuando capturas una fotografía que te parece ‘perfecta’?**
Cuando capturo una fotografía que me parece ‘perfecta’, siento que aprendo algo de ella. Me sorprende: la imperfección perfecta. Hoy, con Photoshop y la IA, podemos manipular todo, pero el arte real a menudo viene de dejar un margen abierto y de permitir que la realidad te sorprenda.
A veces he estado muy contento con una imagen y pensé que era perfecta, solo para descubrir que con los años su efecto se desvanece y ya no conecto con ella. Mientras tanto, las imágenes imperfectas, las que están ligeramente desenfocadas, recortadas torcidamente, o incluso con un dedo borroso en el lente, a menudo se quedan conmigo por más tiempo; se sienten más auténticas y naturales.
A veces, tienes que aceptar los defectos. Cuidado con lo que deseas.
Crédito de la foto: Michał Korta
**¿Hay algún tema o enfoque específico que esperes explorar más a fondo en tu trabajo en 2026?**
Siempre tengo varios proyectos en curso e innumerables imaginarios en mi cabeza. Últimamente me he encontrado soñando despierto con vender todo mi equipo, cámaras y objetivos incluidos, y alejarme completamente de la fotografía comercial. Con una sola cámara pequeña y un objetivo fijo, podría dedicarme a un proyecto personal por el resto de mi vida. Probablemente no sucederá; después de todo, todavía tengo cuentas que pagar. Pero si pudiera hacer lo que sea, ese sería el sueño: viajar por un año por África con solo una cámara de objetivo fijo. Quizás esta idea ya es una especie de manifestación.
De manera más realista, en 2026 espero reducir el ritmo, ver menos imágenes cada día y resistir el ruido visual constante que nos rodea. Quiero retirarme en mi propia visión, dejar que respire y crezca, y continuar perfeccionando un estilo de retrato que sea completamente mío. Para mí es menos sobre producir y más sobre escuchar, notar y capturar lo que a menudo pasa desapercibido.
Durante años he estado tomando notas sobre fotografía, la filosofía de la luz y el retrato. En 2026 me encantaría comenzar a dar forma a estas reflexiones en un libro personal. Si hay editoriales interesadas en trabajos reflexivos y profundos sobre el oficio y el espíritu de la fotografía, me encantaría ponerme en contacto con ellas.
**Considerando todas las vidas que has observado y capturado, ¿qué crees que te ha enseñado finalmente la fotografía sobre ser humano?**
Todavía estoy aprendiendo, pero a menudo pienso en la fotografía como una especie de universidad maravillosa. Me ha enseñado atención plena, apertura, atención al detalle, sensibilidad a la luz y reflexión tanto sobre mí mismo como ser humano como sobre mí como fotógrafo. A veces, el momento en que estoy completamente concentrado en alguien en el estudio o en la locación me importa más que la imagen final. Para mí, el proceso es más importante que el resultado, incluso si la imagen final nunca existiera. Tengo una curiosidad infinita por las personas, tanto visual como espiritualmente.
Recuerdo la primera vez que esté en el aeropuerto JFK de Nueva York: me sentí como un niño pequeño con la boca abierta, tratando de absorber a todos a mi alrededor. Tantos rostros, tonos de piel, formas de orejas, pupilas, manos, ropas, idiomas, incluso olores; fue abrumador y emocionante.
Como fotógrafo de retratos, miro las caras profesionalmente, pero ese momento fue una experiencia pura de la diversidad humana, y se sintió iluminadora. No sé por qué, pero me encanta trabajar con personas de diferentes culturas y orígenes. A menudo invito a extranjeros a mi estudio para conversar, para escuchar sus historias. Nunca dejo de preguntarme.
Estoy profundamente agradecido a la fotografía por llevarme a este punto, por abrir mis ojos y mi corazón a la riqueza de la humanidad y por permitirme seguir aprendiendo, observando y conectando cada día.