Hayes Greenwood es una artista que reside en Londres y trabaja principalmente en pintura, además de escultura, video e instalación. Sus obras, profundamente cargadas, se basan en la experiencia vivida, utilizando el paisaje y motivos naturales para explorar la vida, la muerte, el deseo y la encarnación. Combina lo familiar y lo sobrenatural, traduciendo estados emocionales complejos en formas visuales elevadas donde lo interno y lo externo se pliegan el uno en el otro.
Hayes Greenwood ha expuesto internacionalmente, incluyendo exposiciones individuales en Castor (Londres) y GiG (Múnich), así como exposiciones colectivas en Stuart Shave Modern Art (Londres), Mana Contemporary (EE. UU.) y Saatchi Gallery (Londres). Actualmente trabaja en un encargo importante para Hospital Rooms y recientemente ha realizado residencias con theCOLAB: Body & Place (2025), Hogchester Arts (2024), y recibió el Premio de Residencia Palazzo Monti x ACS (2024). Tiene una maestría de City & Guilds of London Art School y es cofundadora y ex directora de Block 336. Su obra se encuentra en muchas colecciones públicas y privadas.
¿Hubo un momento en particular en que entendiste que crear arte no era solo algo que amabas, sino algo a lo que querías dedicar tu vida?
No llegó como un momento singular; fue un proceso más lento para mí. Siempre he estado rodeada de arte y creatividad en la cultura, tanto alta como popular. Crear es algo que siempre me ha encantado y simplemente nunca he podido dejar de hacerlo.
Aunque no lo hizo más tarde en su vida, mi madre era una pintora habilidosa, y mi padrastro tenía un gran amor por el arte y la literatura. Él estuvo muy involucrado en Salts Mill en Yorkshire mientras yo crecía. Era amigo de David Hockney, y de niña siempre amé los dibujos y los decorados de ópera de Hockney. ¡De pequeña, ser artista me parecía una forma muy divertida y fascinante de relacionarme con el mundo!
Seguí un camino bastante estándar: bachillerato de arte, un curso de fundamentos, luego una licenciatura y una maestría. Después de completar mi licenciatura, fundé Block 336 en Brixton, una gran galería y espacio de estudios dirigido por artistas que dirigí por más de una década, encargando importantes proyectos individuales de otros artistas con un programa público ambicioso. He enseñado en escuelas de arte durante los últimos 15 años y estas experiencias refuerzan que el arte no se trata solo de la práctica individual, sino de la conexión, el intercambio y el aprendizaje profundo.
Creo que el arte siempre será una forma de orientarme en el mundo. Sigue siendo una fuente de placer, un lugar para viajar en el tiempo, jugar, pensar y procesar momentos que son confusos, dolorosos, sin resolver, intensos, alegres, maravillosos o extraños.
Mencionas que las pinturas que creaste para ‘Weird Weather’ todas ‘se expandieron desde una especie de lógica del duelo’. ¿Cómo desafió o afirmó la creación de este conjunto de trabajo tus creencias previas sobre la relación entre el arte y el duelo?
Bueno, los artistas siempre han hecho obras para entender sus sentimientos y su posición en el mundo. Hay mucho duelo en el arte de una forma u otra. A menudo se cita a Edvard Munch diciendo que “el arte viene de la alegría y el dolor, pero principalmente del dolor”. Se dice que el duelo es el precio que pagamos por el amor, y Bell Hooks escribe sobre esto. Ella habla de que no se trata simplemente de pérdida, sino de cómo es un testamento de la profundidad de nuestros vínculos. Lo describe como evidencia de nuestra capacidad para amar profundamente y permanecer abiertos y afectados por el mundo en lugar de defendernos de él.
Al crear ‘Weird Weather’, esta perspectiva se volvió tangible a través de la forma en que la obra respondía al lugar y la memoria. Las pinturas surgieron de experiencias marcadas por la transición y el cambio, pero también por el apego y la conexión, y por la sensación de emotividad y alivio intenso que acompaña a eventos vitales significativos. Trabajar de manera urgente e intuitiva permitió que la obra se expandiera, abrazando tanto la intensidad como la ternura. El duelo no es unidimensional; no es singularmente pesado o doloroso. Es prismático, generativo, salvaje, psicodélico y trascendental. Puede exponer lo que significa estar vivo y presente en el mundo, y te sitúa en un estado elevado de conciencia y apertura.
Izquierda: High Pressure, Óleo sobre lienzo, 45 x 35 cm, 2025. Derecha: Held and Holding, Óleo sobre lienzo, 110 x 140 cm, 2025. Crédito Matt Spour cortesía de IONE & MANN y Castor. Obra de arte copyright Jane Hayes Greenwood
Leer tu descripción del duelo como un estado prismático – donde el amor, el dolor, la gratitud y la aceptación pueden coexistir – me recordó una cita querida de Rilke: “La muerte es nuestra amiga precisamente porque nos lleva a una presencia absoluta y apasionada con todo lo que está aquí, que es natural, que es amor”.
Cuando estabas trabajando en ‘Weird Weather’, ¿la pintura se convirtió en una forma de entrar en esa presencia elevada? ¿O funcionó más como un espacio para contener la contradicción, donde estados emocionales opuestos podían coexistir sin necesitar una resolución?
Esa es una cita hermosa. Yo diría ambas cosas, y más. El amor y la pérdida realmente te sacuden; producen una especie de locura shakesperiana, y la pintura, para mí, se convirtió en un contenedor para todo ello – una forma de estar en un estado de presencia elevada, de contener emociones que se fragmentan y superponen sin necesidad de que se resuelvan o estén en orden. Al mismo tiempo, fue una forma de conectarme con el amor y la belleza, de sentir profundamente, de procesar y estar arraigada, de transformar algo doloroso en algo creativo, de canalizar, sublimar y de experimentar y jugar.
Existe la idea persistente de que algunos de los artes más bellos o resonantes nacen de las experiencias más dolorosas de la vida, especialmente la pérdida profunda. ¿Te parece que esa noción es reductiva, o resuena con tu propia experiencia?
Puede ser verdad. El dolor te abre a la profundidad, la intensidad y la transformación. Igualmente, sin embargo, la alegría, la curiosidad y la maravilla son terrenos muy fértiles, y se alimentan y existen en el arte de maneras muy profundas. Estas cosas están en las dos caras de la misma moneda y a menudo no pueden separarse. La creación de *Weird Weather* para mí fue motivada por una pérdida significativa, sí, pero también fue moldeada por una conexión con el amor y con mucho de lo que considero bello. Cuando estoy creando, frecuentemente intento conectar con aquello que no entiendo completamente – las partes profundas, ásperas, extrañas y sorprendentes de la experiencia. Para mí, crear se trata en última instancia de abrazar todo eso y dejar que guíe el trabajo.
¿Hubo alguna obra en *Weird Weather* que te sorprendiera genuinamente, donde comenzaste con una intención emocional o visual pero la pintura te llevó a un lugar completamente distinto?
Todas las pinturas comienzan con dibujos, pero antes de lanzarme a pintar, permití que la etapa de dibujo fuera muy abierta – muchos me llevaron en direcciones inesperadas. La lógica de las obras se formó en parte por mi conexión con el paisaje y el hogar. Las pinturas hacen referencia a las colinas de los Peninos donde crecí. En lugar de depictar los paisajes literalmente, permití que estados internos y externos se fusionaran, intentando trasladar sensaciones corporales a través del clima y la geografía.
Las pinturas más grandes tienen una escala decente, así que físicamente eran bastante inmersivas. Siempre hay un diálogo entre la intención y el descubrimiento en el proceso que mantiene el trabajo vivo e impredecible, llevando el color y el gesto a transmitir sentimiento y sensación. Probaba cosas dentro de las pinturas y me lanzaba en direcciones locas, a menudo volviendo a algo más cercano a mi intención original. Pero hay que explorar y tomar estos vuelos de fantasía para ver qué resulta de ellos – y la historia y los restos de esos viajes permanecen.
*Credit Matt Spour courtesy of IONE & MANN and Castor. Artwork copyright Jane Hayes Greenwood*
Pensando en *The Witch’s Garden*, que trataba profundamente la marginalización, el conocimiento popular y la autoridad de género, me pregunto cómo cuerpos de trabajo anteriores siguen viviendo dentro de los nuevos. ¿Los procesos o estrategias emocionales a veces se filtran hacia adelante, o cada serie exige una reorientación completa?
El núcleo es siempre el mismo y los trabajos anteriores definitivamente viven dentro de los nuevos, aunque las preocupaciones superficiales puedan parecer diferentes.
*The Witch’s Garden* también tuvo un punto de partida autobiográfico, siguiendo mi experiencia al intentar tener y luego tener hijos. Fue investigando los orígenes del símbolo del corazón del amor que encontré la historia (probablemente falsa) sobre una planta extinta llamada silphium, que aparentemente era afrodisíaca y anticonceptiva y se decía que tenía una semilla en forma de corazón. Eso me llevó a investigar plantas y sus historias, que por supuesto están inextricablemente enredadas con las nuestras. El contexto de la investigación era tan rico y fascinante que no podía parar de hacer las pinturas – hay unas 60 obras en la serie. Estas plantas y flores que pintaba se volvieron contenedores de emoción, historia y relato, pero también siempre las vi antropomórficamente – como personajes por derecho propio. En *Weird Weather* esa mirada se ha desplazado hacia afuera, hacia el paisaje – ha habido una especie de alejamiento.
Siempre me he identificado con la descripción de la visión doble de William Blake – ver el mundo como más de lo que aparenta, una cosa que parece otra, o que parece expresar algo emocionalmente. La pareidolia es un fenómeno familiar y mis hijos siempre están señalando cosas, diciendo “eso parece X”. Es una forma de ver el mundo bastante alucinante o infantil que siempre ha estado conmigo. Creo que es útil y generativo tomar nota de ello, y lo que sucede interna y externamente a menudo refleja e informa la comprensión de la experiencia.
*Variable Becoming Cyclonic, Óleo sobre lienzo, 110 x 140 cm, 2025. Credit Matt Spour courtesy of IONE & MANN and Castor. Artwork copyright Jane Hayes Greenwood*
Por último, ¿qué es algo que te gustaría que más gente entendiera sobre la experiencia de ser artista?
Bueno, yo tenía razón de niña – ¡ser artista es una forma muy divertida y atrapante de relacionarse con el mundo! Es lo mejor en muchos sentidos, pero como alguien que vive en un estado semi-permanente de conciencia existencial, también puede ser intenso *se ríe*. El arte te lleva a los lugares más locos y te presenta a gente increíble, pero no hay un mapa de ruta y el camino puede ser difícil de navegar. Los artistas están constantemente balanceando la exploración creativa con las realidades prácticas y ahora, con una economía difícil y la financiación para las artes cada vez más inaccesible, puede ser un desafío. Ser artista no siempre es fácil, pero no me gustaría hacer otra cosa.