Total Wife es el dúo experimental de shoegaze formado por la compositora y productora Luna Kupper y la letrista y vocalista Ash Richter, quienes son amigas desde el instituto. Después de formar la banda en el 2016, se mudaron de Boston a Nashville en 2020, integrándose en la escena DIY de la ciudad y sumando a Ryan Bigelow (Rig B), Sean Booz (Celltower) y Billy Campbell (Make Yourself at Home) para sus conciertos en vivo. Tras publicar varios discos influyentes en el género del shoegaze, cada vez más saturado – el LP homónimo del 2021, *a blip* del 2022, e *in/out* del 2023 – Total Wife hizo lo contrario de caer en el olvido: firmaron con el sello de Filadelfia Julia’s War y consolidaron su estatus con su último trabajo, *come back down*. Es un disco increíblemente inventivo y onírico de una manera no convencional, cuyas mareas son difíciles de predecir o incluso identificar – guitarras que derriten la mente, distorsionadas y reconvertidas en sintetizadores, voces susurradas al oído que luego son sampleadas hasta el olvido, y una base rítmica fluida que evoca, citando su canción ‘rest’, “el latido entre mi inquietud”. Situado entre un estado de alerta nerviosa y el borde del sueño, *come back down* es también una expresión fascinante de los instintos dinámicos de composición y lírica del dúo, una fuerza que ancla el disco en su maleable y difusa trascendencia.
Nos reunimos con Total Wife para la última edición de nuestra serie Artist Spotlight para hablar sobre enamorarse de la música por primera vez, la inspiración infantil, sus intenciones detrás de *come back down*, y mucho más.
Estaba pensando en la idea del título, *come back down*, en el contexto del lanzamiento del álbum y vuestra próxima gira. Tengo curiosidad por saber cuánto de ese subidón eufórico que el disco documenta e interroga está ligado a la música y al proyecto Total Wife. Sé que ‘still asleep’ trata sobre vuestra primera gira, pero ¿cómo ha evolucionado y cambiado esa sensación con el tiempo?
Ash Richter: Es una locura, porque al nivel en el que estábamos, todavía era tan eufórico. Tampoco se ha estancado de ninguna manera. Simplemente ha cambiado. Siento que mantenernos con los pies en la tierra en cada cosa que hacemos es super útil. Y me siento aún más emocionada por lo que está por venir.
Luna Kupper: Sí, las giras nunca dejan de ser emocionantes. Después de esa primera gira, seguimos queriendo hacerlo. Y con la música en general – componerla también – creo que siempre se trata de perseguir esa primera cosa que me emocionó cuando componía música por primera vez. No cambiar esa intención inicial.
Habéis comentado que el álbum comenzó como “un pensamiento que se despliega sin fin”, lo que nos remonta a esa sensación de enamorarse por primera vez de la grabación. Vendisteis todos vuestros sintetizadores antes de grabar este disco para pagar el alquiler, pero estoy segura de que también influyó en este sentimiento.
LK: Sí. Siento que podrías comprar un montón de equipo, y eso no va a cambiar nada. Pero después de un tiempo, simplemente quería dejar de pensar en intentar encontrar algo nuevo fuera de lo que ya tenía, o lo que ya sabía. Cuando empecé a hacer música, era solo grabar, así que siento que eso siempre ha estado tan ligado a la composición de canciones y a todas las otras partes de hacer música para mí. Creo que simplemente me ayudó a perderme en el proceso de edición y grabación en vez de, por ejemplo, intentar usar un nuevo pedal o un nuevo sonido de sintetizador. Simplemente crear mis propios sonidos con lo que tenía.
¿Hubo momentos específicos en los que realmente sentisteis que os enamorabais de la grabación nuevamente?
LK: Mucho de lo que solía divertirme era casi como un collage, copiar y pegar cosas en Pro Tools. La canción ‘ofersi3’ es básicamente eso llevado al límite, porque son breaks distorsionados, volviéndolos atonales cortándolos lo máximo posible, y luego usando esos cortes para crear sonidos diferentes. Simplemente manipulando continuamente las formas de onda que ya estaban allí. Eso de copiar y pegar siempre fue muy divertido para mí, pero al principio no me di cuenta de que esa era la parte divertida. Estaba más centrada en intentar aprender a escribir una canción. Sentía que realmente no sabía cómo unir acordes o cualquier cosa. Una vez que lo resolví, pensé: “Espera, esa no es realmente la parte que siempre pensé que era divertida”, y honestamente me sentí más yo misma. Me siento bien de poder sentarme y tocar la guitarra ahora, pero entrar en la diversión de editar, reprocesar guitarras y voces – esa fue definitivamente la parte más divertida para mí. Y ‘(dead b)’, esa canción al principio era mucho más lenta y en una tonalidad diferente, y ya no me gustaba. Así que, sin preocuparme de que la toma fuera, como, “Oh, toqué esto y eso está bien porque sé tocar la guitarra”, sino simplemente reprocesarla hasta que sonara mejor para mí.
Sé que sois amigas desde el instituto. ¿Os importa compartir algunos de vuestros primeros recuerdos de tocar juntas?
AR: El bajista de nuestra banda, se llama Ryan Bigelow – tiene un proyecto llamado Rigby, que quizás te guste.
LK: Es realmente genial.
AR: Lo conocí por primera vez cuando yo tenía 17 años y él 15. Un amigo en común tenía que tocar conmigo haciendo un set de versiones acústicas. Mi amigo no pudo hacerlo, así que me dio el número de Ryan, contacté con Ryan, y tocamos juntos durante el resto del instituto. Luego yo fui a la universidad – ahí fue cuando conocí a Luna, justo en ese momento.
LK: Yo estaba en mi tercer año de instituto, y tú eras un estudiante de primer año en la universidad, creo, cuando nos conocimos. No recuerdo exactamente, pero esa misma noche que nos conocimos empezamos a hablar de querer hacer música juntas inmediatamente. Mi primer recuerdo de nosotras trabajando juntas fue haciendo un cover de ‘Diana Ross’ de The Concretes.
¡Qué gracioso! Hacía tiempo que no pensaba en eso.
**AR:** En aquel entonces, mi background era más del *mall emo*, como All Time Low y We the Kings. [Se ríe] Fue una buena introducción a diferentes estilos de música.
¿Ha cambiado la forma en que hablan sobre hacer música con el tiempo?
**AR:** Siento que ha pasado por muchos cambios. No siempre hemos sido muy buenos trabajando juntos – tuvimos que resolver algunos problemas. Ya sabes, cuando eres joven, no tienes necesariamente una visión clara de lo que quieres, pero sí sabes lo que no te gusta, mas o menos, y desde ahí vas encontrando tu estilo. Después de conocernos por más de 10 años y trabajar juntos, hemos tenido desacuerdos, pero hemos perfeccionado una forma de colaborar muy bien.
**LK:** Siempre refinando, creo, eso siempre cambia la narrativa. Pero siempre hemos sido críticos, y definitivamente nos influencia las cosas que no nos gustan. Si algo nos da *cringe*, decimos “¡A la mierda!”. Es un buen punto de partida, y nos llevó tiempo encontrar lo que ambos pensábamos que funcionaría.
¿También se trata de comunicar mejor cuando algo no parece funcionar?
**LK:** Sí, esa es nuestra regla: siempre decirlo cuando lo sentimos.
**AR:** Y puede ser difícil, ya sabes, cuando escribes sobre cosas que te importan, no dejar que tus sentimientos se involucren demasiado. Pero tenemos formas de trabajar en eso. Si a uno le da *cringe* y el otro dice “No, esta es la canción”, podemos trabajarlo y llegar a un compromiso.
**LK:** Y llevarlo más hacia lo que se supone que debe ser. La comunicación súper abierta siempre ha sido nuestra regla, sin duda.
Con este disco, más que establecer metas específicas, ¿había cosas que intentaban evitar explícitamente?
**AR:** Sí. Había ideas que trabajamos en los últimos discos que no queríamos descartar necesariamente, pero ya habíamos hecho suficiente con ellas. Como mucho del rollo más *krautrock*… Una vez que haces muchas canciones así, empieza a sentirse un poco repetitivo. Creo que tenemos menos canciones que simplemente se alargan infinitamente – no es que no me guste eso también.
**LK:** Simplemente lo incorporamos de una manera más amplia, creo. Siento que en este punto tomamos todo lo que nos gustaba de hacer música y lo aplicamos de forma más general, no tan obvia. Tomar ideas de las cosas – no necesariamente cómo suenan, sino ser más conceptuales – y luego usar lo que teníamos, en vez de intentar que sonara como alguien más.
Creo que eso se relaciona con lo que han dicho sobre ser un “mezclador psicológico”. Eso realmente resalta en canciones como ‘naoisa’ y ‘(dead b)’, que sónicamente parecen estar en línea y en guerra con el estado mental de la canción. Hay un mareo en ambas canciones que actúa sobre lo que el cerebro dice, ya sea la necesidad de frenar o cómo la vida está en pausa.
**AR:** Es genial que captes eso de ellas. Definitivamente es esa yuxtaposición de, como, *mi vida en pausa, pero luego, LOL, nada nunca se detiene*.
**LK:** Poder abrazar el caos, sin duda. Yo intentaba pensar en la perspectiva de la persona que escucha la mezcla, en lugar de enfocarme en dónde deberían estar los instrumentos técnicamente. Usar mucho *low-end*, especialmente con las guitarras, porque usualmente se recortan, pero eso quita ciertos efectos. Siempre es como, “¿Deberías siquiera pensar en la audiencia?”. Pero también se trata de la audiencia, de asegurar que la experiencia objetiva se transmita al mezclar. Intentar pillarte a ti mismo en un estado de pensamiento pasivo mientras escuchas la canción.
¿Intentan simplemente imaginar al oyente, manteniendo el proceso privado? ¿O envían *demos* para recibir comentarios?
**LK:** Es bastante privado. Esos momentos los capturo cuando estoy mezclando y literalmente me estoy quedando dormido. Estoy menos consciente de lo que se supone que debo hacer. Llego a un punto donde estoy contento con cómo está, y luego, mientras mezclo, empiezo a alucinar un poco. Ese cambio de perspectiva influyó mucho en cómo quería que el álbum sonara sónicamente, porque realmente empiezas a ver la forma de algo cuando te estás quedando dormido.
Es complicado, averiguar hasta qué punto permites que la música permanezca en este estado de limbo.
**LK:** Definitivamente. Siento que este álbum fue la primera vez que sentimos que expresamos eso de una manera que no es demasiado abstracta o caleidoscópica.
Hay una sensación de conciencia alrededor de la idea del título del álbum en líneas como, “La emoción no es lo mismo que la ansiedad / Mi cuerpo quiere saber cuál es la diferencia”. Es una forma tan directa y no abstracta de expresar esa dicotomía. ¿Para ustedes, la línea entre la creatividad inquieta y la autoconciencia se vuelve borrosa alguna vez?
**AR:** Ciertas experiencias de vida hicieron que esos sentimientos se sintieran físicamente muy similares en mi cuerpo. Musicalmente, mayormente he encontrado mucha claridad en la diferencia. Puedo ver y sentir mis nervios antes de un concierto, y puedo ver y sentir mi emoción por hacer lo mismo. Ahora puedo separarlos mejor. Al principio era abrumador – no poder ver el matiz, interpretando todo como ansiedad y sintiéndolo realmente antes de experiencias que se supone te hacen sentir bien. Porque tú eliges hacerlas, recibes validación por ellas, aunque a veces el rechazo está muy cerca. No importa, porque hay matices.
**LK:** Honestamente, nunca pensé en la claridad que eso trae. Como que te repersonaliza y te coloca en la realidad, y puedes ver la diferencia entre los dos.
El escapismo o la nostalgia del álbum a menudo tiene sus raíces en los recuerdos del yo infantil, especialmente en las letras de Ash.
Luna, me da curiosidad saber cómo te identificaste con los recuerdos de Ash sobre su infancia y cómo se siente para ustedes dos cantar esas letras juntas.
LK: Es interesante, porque es muy fácil seguir adelante y no pensar necesariamente en esas cosas. Pero la letra realmente te transporta allí. Más aún que en vivo, durante la grabación del álbum, eso fue otra variable que me recordó: solo haz lo que hubieras hecho instintivamente antes de hacer un montón de álbumes y volverte tan autocrítico. Simplemente sigue esa inspiración infantil.
AR: Porque cuando eres un niño y estás creando, no eres necesariamente tan autocrítico. Pero si te acostumbraste a ser tan autocrítico, es difícil quitarse de en medio para crear. En ese caso, te das más permiso al reconectarte con tu yo niño. Y los dos crecimos en Connecticut, así que mucho del imaginario natural – hay ciertos lugares que sabes a los que me refiero.
LK: Sí, definitivamente.
Luna, ¿la perspectiva lírica de Ash afectó cómo mezclaste las vocales?
LK: Sí, definitivamente viene de un lugar similar. No quiero ocultar completamente la letra o enterrar las vocales en la mezcla, porque se sienten importantes. Eso se hace muy a menudo.
AR: Hablando de eso, yo sí siento que están más altas de lo que la gente dice. No están completamente enterradas como en muchas otras–
LK: Están colocadas texturalmente. Definitivamente están en la mezcla. En la sesión, están altas, y se mezclaron de cierta manera para que pudieran ser muy presentes. No sé, supongo que todavía cuesta escucharlas. [se ríe]
AR: Supongo que aún cuesta escucharlas, pero para mí no.
LK: Para nosotros es como, “Genial, de hecho podemos escuchar cada palabra”.
AR: Pero también, tengo un ejemplo específico de su mezcla psicológica con mi voz. Recuerdo en el estudio, cuando grabamos ‘in my head’, hice una toma vocal, y cuando ella mezclaba las voces – normalmente no le ponemos efectos a la voz. Al menos en este álbum, fuimos muy limpios vocalmente, y creo que en el anterior también.
LK: Sí, no hay efectos en ninguno.
AR: Pero en ‘in my head’, hubo un par de cosas específicas, como de estirar el tiempo, que hiciste con mi voz, como el efecto de tartamudeo.
LK: Eso es todo el efecto stutter del 404MK2, solo capas, intentando crear espacio sin delay, reverb, modulación y esas cosas – manteniendo la idea de usar lo que hay. Así que esos fueron solo samples cortados una y otra y otra vez, en capas – suena un poco como reverb.
AR: Pero tenía que ver con la letra. La forma en que las editó estaba influenciada por lo que yo cantaba – la sensación de estar perdido, y estar bien con eso.
LK: Sí, tomábamos la letra y jugábamos con lo que imaginarías que sería el sonido de la palabra, supongo.
Cambiando a la canción final, ‘make it last’, ¿fue más o menos difícil mantenerse fiel a la sensación original?
AR: Fue una lucha intensa para mí, mantener la sensación original de esa canción. Durante mucho tiempo tocando esa canción, improvisaba la letra. En realidad, en ambas canciones, improvisaba la letra antes de grabarlas. En mi cabeza, podía improvisar sobre estar perdido, improvisar sobre senderos de migas de pan o lo que sea cuando la tocábamos. Pero ‘make it last’ fue mucho más difícil mantenerme firme, y la letra de esa canción cambió un montón.
LK: Esa fue probablemente la primera de este grupo de canciones que empezamos a tocar en vivo. Siempre es igual, y luego esa sección final que es solo un acorde por mucho tiempo, la fuimos alargando más y más. Ahora lo hacemos como por 15 minutos en los shows, así que eso ha cambiado mucho. Pero el inicio surgió de mí intentando ser simple estructuralmente: hay tres secciones, repetir eso, luego hacer un acorde largo y no volverse loco con eso. También fue la primera vez que intenté superponer sonidos para crear un sonido de sintetizador para ese sonido en el coro. Cortaba cosas, apilaba un “ooh” de la vocal con una nota de guitarra, y un montón de otros elementos para crear el sonido. Tenía capas de los dos cantando la melodía, luego la toqué en guitarra, la remuestreé y cambié los tonos, para crear un lead. Eso fue muy divertido.
¿Podrían compartir una cosa que les inspire del otro?
LK: O sea, el hecho de que tú siempre quieres seguir adelante. Eso es genial, a mí me parece bien. Encontrar a alguien que también está empujando hacia adelante con tanta fuerza.
AR: Algo que me inspira de Luna es que cada vez que no sabe cómo hacer algo, simplemente va a averiguar cómo hacerlo, pero de una manera en la que es muy orientada a los detalles, cosa que yo no necesariamente – estoy trabajando en ello. A menudo me lanzo a las cosas, pero la forma en que ella va a investigar todos los detalles de algo y realmente volverse tan buena en eso. Es casi como si nunca hubiera no sabido hacerlo.
*Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad y extensión.*
El álbum de Total Wife, **come back down**, ya está disponible a través de **Julia’s War**. Bueno, entonces mi opinión sobre el proyecto es que tiene aspectos muy positivos. Por ejemplo, la idea principal es muy creativa y puede ser atractiva para el público joven. Tambien pienso que el diseño es moderno y funcional.
Sin embargo, hay algunos puntos que podrían mejorarse. Creo que la parte de la implementación necesita mas detalles. A veces no está claro como vamos a realizar algunas tareas específicas. Estaría bien tener un plan mas concreto para la próxima fase.
En general, me parece un buen comienzo y con unos pequeños ajustes puede ser excelente.