La trayectoria extraordinaria de Yana Galetskaya: Una fotógrafa moldavo-canadiense que conquistó el mundo con sus historias
Yana Galetskaya comenzó su carrera como fotógrafa profesional en Moldavia en el 2017, antes de mudarse a Canadá. Tan solo dos años después, ya ha sido publicada en más de 20 revistas internacionales, nominada a los Premios United Talents, y reconocida entre los 35 mejores fotógrafos de Moldavia y los 50 mejores de Canadá por los prestigiosos 35 Awards. Este mes de julio, su trabajo formó parte de la exposición internacional “We, Together” en la Eight Squared Gallery del Reino Unido, junto a artistas de gran renombre. En mayo, fue miembro del jurado del premio PHOTO+Design Award en San Petersburgo. Desde 2019, ha completado más de 200 sesiones fotográficas, creándose una reputación por capturar momentos familiares genuinos. Su trabajo ha aparecido en Le Désir, Fine Arts, Vida Magazine, Hollyway Magazine, y muchas otras publicaciones internacionales.
Empecemos con tu logro más reciente. Este julio, tu trabajo fue incluido en la exposición internacional “We, Together” en la Eight Squared Gallery del Reino Unido. Esto te situó al nivel de artistas consagrados como Juan Forgia, Nicolas Lado y Valerie Deleon. ¿Cómo fuiste seleccionada para esta exposición y qué significa este tipo de representación en una galería internacional para una fotógrafa con tu experiencia?
Sabes, cuando recibí ese correo, al principio pensé que era spam. La curadora había estado siguiendo mi trabajo a través de varias publicaciones – al parecer había visto mis piezas en Fine Arts y Vida Magazine, y algo sobre cómo capturo a las familias llamó su atención. Me dijo después que buscaban fotógrafos que no solo hicieran bonitas fotos familiares, sino que mostraran la verdadera complejidad de cómo las personas se conectan entre sí. Cuando dijo que mi trabajo mostraba a “las familias como ecosistemas completos”, eso me llegó mucho porque es exactamente lo que intento hacer: mostrar todas las capas, las tensiones, el amor, el desorden, todo lo que hace que una familia sea real.
Cuando recibí las imágenes de cómo mi trabajo se exhibía junto al de otros artistas consagrados, fue surrealista y aterrador. No paraba de pensar: “¿Realmente merezco estar aquí?”. Pero entonces la gente empezó a contactarme después de visitar la exposición, hablando de la complejidad emocional que encontraban en mis imágenes familiares, la misma profundidad que veían en el trabajo de los otros artistas. Ahí fue cuando entendí que la fotografía familiar, cuando se hace bien, puede competir artísticamente con cualquier otro género.
Ser representada por la galería abrió puertas que ni siquiera sabía que existían. De repente, estoy teniendo conversaciones con curadores de otros países, coleccionistas preguntando por impresiones, instituciones interesadas en mi trabajo. Ser parte de una exposición internacional valida que mi trabajo tiene mérito artístico más allá de la fotografía familiar comercial, y me posiciona en conversaciones que nunca imaginé para alguien que solo lleva seis años fotografiando profesionalmente.
Tu historial de publicaciones abarca más de 20 revistas internacionales, incluyendo Le Désir, Ellas, Fine Arts, Marika, Prommo, Vida Magazine, Gerbera, Teen Cruze, Hollyway Magazine, Vous Romania, Dr. Wonder Magazine y Photohouse Magazine. Esa es una cobertura mediática internacional sustancial. ¿Cómo construiste relaciones con editores en diferentes continentes y qué estándares editoriales mantienen estas publicaciones?
Dios mío, los primeros días fueron brutales. Era como una detective, estudiaba cada revista que podía conseguir, intentando entender qué querían realmente versus lo que decían querer. Fine Arts publicaba piezas conceptuales hermosas, así que sabía que no les interesaban los retratos familiares básicos; querían historia, metáfora, algo que te hiciera pensar. Vida Magazine era completamente diferente; querían esa sensación de estilo de vida aspiracional, pero que pareciera effortless y real al mismo tiempo.
Recuerdo enviar mi trabajo a Le Désir, una de mis primeras publicaciones internacionales, y debí reescribir ese correo veinte veces. Estaba tan nerviosa que incluí demasiada explicación sobre cada imagen. Aceptaron tres fotos, y literalmente grité cuando recibí el correo de aceptación. Mis vecinos probablemente pensaron que estaban asesinando a alguien. Pero esa primera publicación me enseñó algo crucial: los editores pueden detectar el trabajo auténtico al instante, y lo desean porque ven tanto contenido fabricado.
La construcción de relaciones sucedió gradualmente. Después de algunas publicaciones, los editores comenzaron a reconocer mi nombre. Luego, algunos comenzaron a contactarme directamente cuando necesitaban trabajo que se ajustara a mi estética. Hollyway Magazine me contactó el año pasado preguntando si tenía nuevo trabajo familiar porque recordaban la calidad emocional de piezas anteriores. Ahí es cuando sabes que has desarrollado una voz reconocible: cuando los editores asocian cualidades específicas con tu trabajo.
Pero seamos honestos: no todas las veinte publicaciones son iguales. Algunas tienen estándares rigurosos y lectores influyentes. Otras son básicamente blogs glorificados que aceptan casi cualquier cosa. La verdadera validación viene de las publicaciones repetidas y el reconocimiento editorial, no solo de acumular créditos.
En junio de 2024, recibiste una nominación para los premios internacionales United Talents Awards en la categoría de Mejor Fotógrafa Familiar. Esto te sitúa entre los mejores profesionales a nivel mundial. ¿Qué trabajo específico te dio este reconocimiento y cómo te posiciona esta nominación dentro de la comunidad fotográfica internacional?
El portfolio nominado fue esta serie que llamé “Entre Espacios”, imágenes que capturaban familias en momentos transicionales. Había esta fotografía de una madre viendo a su hija adolescente prepararse para el baile de graduación, y podías ver en la cara de la madre esta mezcla de orgullo y pérdida, como si estuviera viendo a su hijo convertirse en un extraño. Otra imagen mostraba a un padre enseñando a su hijo a afeitarse, pero el niño estaba claramente avergonzado y el padre intentaba tanto que fuera un momento de unión que se volvió incómodo y hermoso al mismo tiempo.
Por lo que aprendí de los comentarios del comité de selección, no solo evaluaban la habilidad técnica –aunque esta tenía que ser impecable–, sino que buscaban trabajo que revelara algo universal sobre la experiencia humana a través de la especificidad de las relaciones familiares. Me dijeron que mis imágenes mostraban “la poesía de los momentos ordinarios”, lo que honestamente me hizo llorar porque es exactamente lo que he estado intentando lograr desde que empecé.
La nominación cambió completamente cómo me perciben en la comunidad fotográfica. De repente ya no soy solo “esa fotógrafa familiar de Canadá”; me invitan a hablar en conferencias, otros fotógrafos preguntan sobre mis técnicas, los curadores de galerías atienden mis llamadas. Es como si hubiera cruzado un umbral invisible donde mi trabajo se toma en serio como arte, no solo como fotografía de servicio.
Pero la presión ahora es real. Cuando te nominan junto a fotógrafos cuyo trabajo has admirado durante años, empiezas a cuestionarlo todo. ¿Soy lo suficientemente buena? ¿Fue un golpe de suerte? Me ha tomado meses aceptar que tal vez realmente merezco estar en esa conversación.
Has logrado un reconocimiento notable a través de los 35 Awards – clasificada entre los 35 mejores fotógrafos de Moldavia y los 50 mejores de Canadá, además de ser finalista en las categorías “Retrato de Invierno de un Adulto” y “Retrato de Invierno de un Niño”. Los 35 Awards son conocidos por sus estándares de evaluación rigurosos. ¿Qué trabajo te dio estos rankings y cómo mantienes relevancia en los mercados moldavo y canadiense con sus diferentes tradiciones estéticas?
Los retratos de invierno que me llevaron a ser finalista fueron esta serie que fotografié durante un invierno canadiense particularmente duro. La colección incluía estas imágenes etéreas de mujeres jóvenes con suéteres rosados suaves contra la nieve pristina, su aliento visible en el aire frío, sus rostros brillando con esa luz única que solo se obtiene del reflejo de la nieve. Había este retrato de una niña con un abrigo blanco y una falda de tul rosa, parada en la nieve profunda como un personaje de cuento de hadas invernal, que capturó perfectamente la magia de los inviernos canadienses.
Pero las imágenes más significativas vinieron de trabajar con esta familia donde la abuela acababa de mudarse de la cálida Moldavia a la helada Grande Prairie, y estaba luchando con el aislamiento y el frío. Los retratos del niño mostraban el puro deleite de su nieto: abrigándose con gorros de lana blancos, abrazando su oso de peluche mientras jugaba en la nieve, esa risa contagiosa cuando descubrió cómo cruje la nieve bajo sus pies. Había este hermoso contraste entre su asombro ante su primer invierno real y su abuela mirando desde adentro, viendo esta estación dura a través de sus ojos alegres.
Lo que hizo que estas imágenes funcionaran en ambos contextos culturales fue enfocarse en emociones humanas universales en lugar de marcadores culturales específicos. La fotografía moldava tiende a ser más formal: hay esta tradición de elegancia posada y perfección técnica que viene de las influencias europeas. Las preferencias estéticas canadienses se inclinan hacia la autenticidad documental y la interacción natural. Pero la pérdida, la adaptación, la conexión familiar: estos temas resuenan en todas partes.
Sin embargo, el desafío es enorme. Cuando envío trabajo a publicaciones moldavas, debo considerar su aprecio por la composición clásica y la belleza formal. Los clientes canadienses quieren trabajo natural, orientado al estilo de vida, que se sienta espontáneo. A veces siento que vivo en dos mundos fotográficos completamente diferentes. Pero esa perspectiva dual se ha convertido en mi fuerza: puedo llevar la precisión técnica europea a la autenticidad emocional canadiense, y viceversa.
El reconocimiento de los 35 Awards en ambos países me demostró que el trabajo excelente trasciende las fronteras culturales. Cuando capturas emoción humana genuina con maestría técnica, no importa si los jueces están en Chisinau o Toronto: reconocen la calidad.
En mayo de 2025, fuiste miembro del jurado del premio independiente anual PHOTO+Design Award, organizado por el International Guild of Masters con el apoyo de la Cámara de Comercio e Industria de San Petersburgo. Para alguien con seis años de experiencia profesional evaluar el trabajo de maestros consagrados en países de la CEI representa un reconocimiento extraordinario de sus pares. ¿Qué te calificó para esta posición y qué insights te proporcionó sobre los estándares internacionales de fotografía?
Cuando me contactaron por primera vez sobre el servicio de jurado, pensé que era un error. De hecho, llamé para confirmar que se referían a mí y no a otra Yana Galetskaya con veinte años más de experiencia. Pero habían estado siguiendo mi historial de publicaciones internacionales y sintieron que aportaba una perspectiva contemporánea que complementaba la experiencia tradicional de los otros miembros del jurado. Mencionaron específicamente mi trabajo que une enfoques estéticos de Europa del Este y América del Norte.
Trabajar junto a fotógrafos que han estado disparando durante décadas fue intimidante como el infierno. En las primeras sesiones de evaluación, apenas hablé: solo escuché a estos maestros discutir el mérito técnico y la visión artística con una profundidad de conocimiento increíble. Pero luego llegamos a evaluar algunos trabajos familiares contemporáneos, y me di cuenta de que estaba viendo cosas que ellos no necesariamente captaban.
Hubo esta entrega de un joven fotógrafo ruso que tomaba retratos familiares formales muy tradicionales: técnicamente perfectos, bellamente iluminados, pero completamente estériles emocionalmente. Los miembros mayores del jurado elogiaban la ejecución técnica, y no se equivocaban: era impecable. Pero me encontré hablando sobre cómo el trabajo se sentía fabricado, sobre cómo el público contemporáneo anhela emoción auténtica sobre la ejecución perfecta. Eso desató una discusión increíble sobre el cambio de estándares estéticos y expectativas culturales.
Lo que más me impresionó fue cómo los diferentes contextos culturales dan forma a los enfoques fotográficos. La fotografía familiar rusa enfatiza la composición formal y la belleza clásica de maneras que el trabajo norteamericano rara vez lo hace. Las diferencias culturales fueron fascinantes de navegar: a veces tenía que articular realmente por qué ciertos enfoques contemporáneos resonaban internacionalmente cuando podían sentirse extraños para la estética tradicional de Europa del Este.
Pero el mejor trabajo, independientemente de su origen, compartía ciertas cualidades universales: emoción genuina, excelencia técnica y la capacidad de revelar algo verdadero sobre las relaciones humanas. Estas cualidades se tradujeron a través de todas las barreras culturales.
La experiencia cambió completamente cómo evalúo mi propio trabajo. Comencé a aplicar los mismos marcos analíticos que usamos en nuestras discusiones de jurado a mi propio portafolio. Ahora soy mucho más intencional sobre cada elección compositiva, entendiendo cómo cada elemento contribuye al impacto emocional general. Trabajar con profesionales tan experimentados me obligó a articular mis puntos de vista más claramente y a pensar más críticamente sobre lo que realmente hace que la fotografía tenga éxito en los niveles más altos.
Guíame a través de tu proceso de evaluación como jurado. ¿Qué criterios específicos aplicaste al evaluar el trabajo de otros fotógrafos y cómo ha influido esta experiencia en tu propio desarrollo artístico?
Teníamos este marco: mérito técnico, visión artística, impacto emocional, innovación y relevancia cultural. Pero la verdadera evaluación ocurrió en las discusiones entre estos criterios. Recuerdo este portafolio de un fotógrafo documentando familias multigeneracionales en áreas rurales. Técnicamente, algunas imágenes tenían fallas menores: problemas leves de enfoque, exposición no perfecta. Pero la autenticidad emocional era tan poderosa, la forma en que capturó a tres generaciones interactuando naturalmente, que esas imperfecciones técnicas se volvieron irrelevantes.
Me encontré convirtiéndome en la voz de los estándares estéticos contemporáneos. Algunos trabajos que se sentían tradicionalmente perfectos no se traducían a cómo se consume la fotografía internacionalmente. Podía identificar qué imágenes resonarían con editores de revistas o curadores de galerías que ven miles de envíos. Hay esta sutil diferencia entre el trabajo técnicamente correcto y el trabajo emocionalmente convincente, y haber publicado internacionalmente me dio insight sobre lo que realmente conmueve a la gente.
La discusión más acalorada fue sobre una serie de retratos familiares muy estilizados, casi con estética de fotografía de moda pero aplicada a familias. Los tradicionalistas sentían que era demasiado comercial, demasiado centrado en el estilo sobre la sustancia. Yo argumenté que las familias contemporáneas quieren verse hermosas, aspiracionales, que no hay nada malo en combinar visión artística con atractivo comercial siempre que la emoción auténtica permanezca.
Esa experiencia como jurado me enseñó a articular qué hace que las imágenes sean exitosas más allá de solo la respuesta intuitiva. Ahora, cuando estoy fotografiando o editando, me pregunto constantemente: ¿Esta imagen tiene excelencia técnica? ¿Hay contenido emocional genuino? ¿Resonará a través de las fronteras culturales? ¿Está diciendo algo significativo sobre las relaciones humanas? Me ha vuelto mucho más exigente con mi propio trabajo.