Smut, una banda de indie rock de Cincinnati, Ohio (pero ahora radicada en Chicago), está formada por la vocalista y letrista Tay Roebuck, la guitarrista Andie Min, el bajista John Steiner, el guitarrista Sam Ruschman y el baterista Aidan O’Connor. Roebuck, Min y Steiner pasaron años puliendo su sonido en la escena DIY de Cincinnati antes de mudarse a Chicago, donde Ruschman y O’Connor se unieron al grupo. Su música, pegajosa y agresiva desde el principio, se suavizó en How the Light Felt, su segundo LP y primero con Bayonet, donde la catarsis se mezclaba con melancolía y matices de shoegaze.
En su último álbum, Tomorrow Comes Crashing, redujeron la neblina sonora pero mantuvieron los detalles del dream pop, subiendo la intensidad cuando era necesario—balanceando entre confianza y duda, incluso cuando esta última impulsaba sus interpretaciones más viscerales. Grabado en Brooklyn con el productor Aron Kobayashi Ritch (Momma), el disco llegó poco después de que Roebuck y Min se casaran, y se nota la energía que le metieron.
Aunque la nostalgia impregna Tomorrow Comes Crashing, es el futuro lo que los mantiene en marcha.
Hablamos con Tay Roebuck para nuestra serie Artist Spotlight sobre los inicios de la banda, la mudanza a Chicago, la grabación del nuevo disco y más.
—
Han pasado más de 10 años desde que formaron Smut. ¿Qué recuerdos tienes de cuando tú, Andie y Sam empezaron a tocar juntos?
Me siento agradecida de que sigamos juntos, pero es muy distinto comparar el inicio con ahora. Al principio, todo era DIY: tocábamos en sótanos, salíamos de gira en dos autos, dormíamos en el suelo o en el coche, comiendo McDonald’s todos los días (risas). Suena difícil, pero lo recuerdo con cariño. Esa emoción de empezar está reflejada en Touch and Go, que habla de esos momentos: el sótano inundado, el café quemado, la furgoneta descompuesta. Una mala experiencia después es una buena historia.
Dijiste que la escena de Cincinnati no encajaba con la banda y eso los llevó a mudarse a Chicago. ¿Eso influyó en su forma de escribir o en su dinámica?
Sí, éramos diferentes a lo que había en Cincinnati—muy punk y post-punk. Nunca encajamos del todo, pero amábamos la escena. Ahora que estoy de visita, veo que ha mejorado: los grupos ya cobran por tocar, algo que casi nunca nos pasó. Antes era más competitivo; ahora hay más comunidad. Eso nos hizo enfocarnos en hacer la música que queríamos escuchar.
Desde que nos fuimos, la escena se diversificó. Cada vez que voy a un show, la energía es increíble—antes la gente cruzaba los brazos, ahora saltan y disfrutan. Quizá antes no les gustábamos, o quizá ahora son más entusiastas (risas).
¿Cómo fue mudarse a Chicago comparado con lo que esperaban?
Nos mudamos en pleno COVID—todo cerrado, pero nos llegó el cheque de estímulo y dijimos: "Es nuestro chance para ir a una ciudad más grande". También habíamos firmado con Bayonet (de NY) y queríamos estar más cerca. Llegamos con una idea vaga de oportunidades, pero con mascarillas y aforo limitado, no había muchos shows. *Los primeros dos años, creo que todos estábamos un poco ansiosos, como, "¿Qué estamos haciendo?" La industria de la música durante el COVID estuvo muy estancada. Pero en cuanto levantaron algunas restricciones y la gente pudo tocar en vivo otra vez, fue una ola de alivio enorme. Como, "Por esto queríamos mudarnos aquí." Inmediatamente empezamos a tener oportunidades geniales. Todas las bandas que te puedas imaginar tocan en Chicago, así que era emocionante solo como público, saber que no tenés que viajar para ver a cualquier artista que quieras. Y luego cruzábamos los dedos, como, "Quizás podamos abrir para esta persona o aquella." También conocimos a Aidan y John de la banda en Chicago, y son personas maravillosas. No creo que ninguno de nosotros tenga arrepentimientos ahora.
Parte de Tomorrow Comes Crashing gira en torno a tu recorrido como banda, o simplemente mantenerte como artista y reflexionar sobre lo que eso significa. ¿Eso refleja las emociones que estaban sintiendo en ese momento?
Definitivamente. Al escuchar el disco ahora, puedo identificar cómo nos sentíamos como banda en cada canción, porque fuimos muy honestos con nosotros mismos. Si estábamos frustrados, la canción era frustrada. Si estábamos emocionados por una oportunidad, la canción era más optimista. Es interesante escucharlo y reconocer esos sentimientos, porque creo que experimentamos toda la gama de emociones posibles al estar en una banda. Pensar: "No somos suficientes buenos. Ah, pero quizás sí. Ah, pero es muy difícil y estamos sin plata." Pero luego llega una oportunidad genial y es como: "Soñemos en grande. Aunque sea una tontería." Estábamos en un péndulo, y creo que hacer arte es esa experiencia de duda y confianza constantemente. A veces tocar una canción en vivo se siente raro porque estoy de buen humor, pero al día siguiente pienso: "No, esto es exactamente lo que siento ahora. Estoy tan frustrado."
Las canciones más explosivas del disco son divertidas, pero también son las más directas al canalizar esa frustración. Cuando creaban canciones como ‘Spit’ o ‘Syd Sweeney’, ¿había algo que les emocionara de la dirección que tomaban, aunque surgieran de emociones negativas?
Al escribir esas canciones, me emocionaba dejarme sentir abiertamente lo que consideraba emociones "negativas" o feas. Sentía una presión rara de siempre ser agradecido, optimista, valorar lo que tienes. Son buenos consejos, pero me di cuenta de que es irreal. No todos están de buen humor siempre. Así que al escribirlas, me entusiasmaba la idea de expresar esos sentimientos oscuros que la gente te dice que no muestres. Vivimos en una era donde los músicos dejan pistas ocultas y mensajes secretos, como un rompecabezas. Para mí era como: "No, quiero estar abiertamente enojado y decir por qué." Eso se sentía bien. Son sentimientos universales, y quizás hagan que alguien no se sienta solo.
En el contexto de la banda, ¿qué tan importante es para ustedes ser abiertos con esos sentimientos?
Cuando escribimos música, soy muy abierto emocionalmente sobre lo que siento y de qué tratan las letras. Lo hablamos un poco, porque la forma en que escribimos es: Andie o Sam llegan con un riff, todos añaden sus instrumentos, y luego restamos o construimos más. La discusión viene a la mitad, porque al principio solo queremos crear. Pero cuando toma forma, decimos: "Esta suena a X emoción," y yo digo: "Quiero escribir sobre esto." Presento las letras y generalmente les entusiasma, quieren potenciar aún más esa emoción. Es mitad hablar, mitad intuir el ambiente y amplificarlo.
Me preguntaba cuánto de esa energía se transformó o redirigió al grabar el disco, estar en el estudio, en Nueva York… y también, ustedes y Andie recién casados.
Fue raro. Casarse es pura felicidad, y la banda era el grupo de la boda, así que estábamos super contentos… y luego tuvimos que cambiar y hacer este disco emocional. Era extraño entrar y decir: "Enfádense rápido." [risas] Pero Aaron lo entendió al instante. Hablamos antes de ir a Nueva York, y él supo encerrarnos en el momento, añadir efectos o incluso cortar un verso para ir al grano. Él estaba muy abierto a hacer sugerencias importantes, y nosotros estábamos realmente dispuestos a probarlas. Para el segundo día, ya sentíamos que estábamos listos para seguir y teníamos mucho que demostrar, así que lo estábamos pasando bien pero era muy intenso.
¿Cuán rápido tuviste que cambiar de ritmo? Sabía que grababan por diez días, pero ¿cuántos días antes te casaste?
Creo que exactamente dos semanas después de la boda estábamos en Nueva York. Grabamos por diez días y nos dimos cuenta rápido que eso no es mucho para un álbum entero. [risas] Hubo mucha planificación para la boda, y luego estuvimos en Ohio tres días para hacerla, porque Andie y yo hicimos todo nosotros mismos, como arcos de bodas, flores y todo eso. Después, teníamos dos semanas antes de grabar, pero todos volvimos a trabajar en ese tiempo. No fue como: "Ahora podemos descansar", sino más bien: "Tenemos que sacar el máximo de horas antes de tomarnos más tiempo". Así que sentíamos que estábamos trabajando sin parar, hasta que llegamos a Nueva York y ahí fue como el descanso, pero solo por un día. Luego dijimos: "Vale, hay que ponerse a trabajar de nuevo". Estábamos en el estudio como diez o doce horas al día. Íbamos a una tienda cerca a comprar comida para todos.
No paramos de grabar y para el último día ya no tenía voz. Todavía faltaba una canción entera. Masticaba jengibre crudo y tomaba miel antes de cada toma, diciendo: "Vamos". No había tiempo para descansar. Dormíamos en el piso de un amigo. Creo que eso influyó en las emociones del álbum, porque lo pasamos genial, pero fue agotador. Parecíamos locos, y probablemente actuábamos como locos. Estábamos tan cansados que nos reíamos sin razón, medio delirando. Pero quizá eso ayudó. [risas] Me gusta pensar que mejoró el resultado final. Después de terminar, todos volvimos al trabajo. No hubo descanso por un tiempo, pero valió la pena. No cambiaría nada.
¿Cuál fue esa última canción que tuviste que cantar?
Fue ‘Touch and Go’, el último sencillo que lanzamos. Era la más difícil y todavía me cuesta cantarla. No sé por qué la dejamos para el final, porque tiene notas altísimas y ya no tenía voz. Cambiamos un poco la estructura para adaptarnos a eso. Fue un accidente feliz, porque la canción sonaba diferente en el demo. Tuvimos que ajustar todo pensando: "Esto es lo máximo que puedo hacer". Pero al escucharla ahora, se nota el cansancio en mi voz y creo que le da más impacto.
El primer tema de Tomorrow Comes Crashing, ‘Dead Air’, parece una transición perfecta entre el sonido más melancólico de How the Light Felt y lo más intenso del nuevo disco. ¿Fue intencional ese equilibrio sonoro?
Cuando escribimos ‘Dead Air’, no pensábamos en que sería el primer sencillo. Pero tienes razón, notamos que era como un puente entre los discos, porque empieza similar al anterior y termina más fuerte. Al elegir los sencillos, nos pareció buena idea usarlo para mostrar el cambio. Pero al componerlo, solo era una canción más. En este álbum, quisimos mezclar lo que mejor hacemos: lo melancólico y lo agresivo. Fue divertido buscar ese equilibrio al organizar el disco.
Jo Shaffer y Spencer Peppet de The Ophelias – otra gran banda de Cincinnati – dirigieron el video de ‘Syd Sweeney’. ¿Cuándo decidieron hacerlo con estética de película de terror?
Soy fanática del terror y siempre quise hacer un video así. Conocemos a Spencer y Jo desde hace mucho, porque ambas bandas son de Ohio. Ellas han hecho cortometrajes y un film de terror. Spencer llevaba años queriendo hacer un video con Smut, así que fue emocionante cuando pasó. Ella escuchó los demos y dijo: "¿Puede ser para ‘Syd Sweeney’?" Y yo dije: "Definitivamente sí". Sentí que todos logramos lo que queríamos. Spencer y yo hablamos mucho de películas en general y somos fans de muchas de las mismas cosas, lo mismo pasa con Jo, Andie y Aidan. Fue como una tormenta perfecta.
No sé si la película de terror Immaculate, en la que actuó Sydney Sweeney, ya había salido en ese momento, pero recuerdo que hubo bastante polémica alrededor, algo que parece relacionarse con la canción.
Cuando la escribimos, no estaba pensando en ninguna película específica que ella hubiera hecho, pero sí me inspiré directamente en ella. Hay un patrón muy claro que se repite, y es más obvio con las mujeres en Hollywood: llega "la chica del momento", todos la aman y la adoran, luego se cansan de ella, la odian, y ella tiene que demostrar su valía otra vez. Y es como… estas personas solo quieren hacer películas. También pasa con bandas. Es algo raro que les pasa a las mujeres en el entretenimiento. Y a las mujeres en general en muchos trabajos, donde aunque te esfuerces y tengas pasión por algo, la gente lo reduce a tu apariencia y si eres "lo que está de moda". Los hombres no tienen que cumplir con el mismo estándar de ser perfectos, sexys, geniales y simpáticos todo el tiempo.
La llamé así por ella porque me hizo pensar en todo esto, y como la estábamos nombrando en honor a una actriz, pensé: "Este debería ser el video temático de película". Y si voy a hacer un video así, va a ser de terror primero. Quizás después exploremos otros géneros, pero hay mucho terror en la idea de sentir que siempre te juzgan por más que tu arte. Es agobiante y estresante. Pensé: "Ser chica a veces da miedo. Vamos a ir hasta el final".
La idea de Tomorrow Comes Crashing implica, por otro lado, un pasado que te persigue. Siento que eso es un hilo conductor en tus canciones, y se siente especialmente fuerte en Ghosts. Me encanta la línea "no soporto que te hayas vuelto infinito". ¿Te importa hablar un poco de eso?
Tomorrow Comes Crashing… siento que puedes interpretarlo de muchas formas: el mañana llega aunque no quieras; quizás me refugio en el pasado y no quiero que llegue el mañana. O tal vez es violento, o optimista. En el álbum hay muchas comparaciones entre dónde estábamos, dónde estamos y a dónde queremos ir. Ghosts toca un poco de todo eso.
Me fascina la idea de estar atormentado por cosas, algo muy literal en Ghosts. Siento que esa canción se inspiró en el último álbum, y hay verdades inescapables: ciertas cosas pasan en tu vida y no se pueden deshacer.
Me inspiré en eso mezclado con el mito de Narciso y Eco. La idea de Eco como una ninfa enamorada de Narciso, que no la ve porque está atrapado en sí mismo, y ella escapa a una cueva y se convierte en solo un eco. Es interesante reflexionar: ¿vale la pena aferrarse al pasado? Si te aferras a cosas que no te sirven, ¿te destruye? Eso lo relaciono con todo el álbum. ¿Cuánto queremos seguir siendo una banda? ¿Funciona? Es lo que amamos… ¿vale la pena amar algo que no da frutos? No lo sabemos, pero no podemos parar. Es un poco deprimente. [risas] Pero creo que todo lo que escribo lo es un poco.
Es hermoso conceptualmente amar algo, querer hacerlo y estar con personas solo por la esperanza de que algún día funcione. Y eso es estar en una banda: intentar, crear algo que amas y divertirte. Sería genial dejar nuestros trabajos algún día, pero aunque no pase, igual querríamos hacer esto todos los días. Fue como una canción de amor triste por seguir tus sueños, pero es que soy dramática y emocional.
—
Esta entrevista ha sido editada y resumida para claridad y brevedad.
El álbum de Smut, [Tomorrow Comes Crashing](https://smutonline.bandcamp.com/album/tomorrow-comes-crashing), sale el 27 de junio bajo [Bayonet*](https://www.bayonetrecords.com/). Aquí está el texto reescrito y traducido al nivel B2 de español, con un par de errores comunes:
—
Cómo mejorar tu español rápido
Aprender español pude ser divertido si practicas todos los días. Es importante escuchar música, ver películas y hablar con nativos. No te preocupes por cometer errores, todos lo hacemos.
También recomiendo usar aplicaciones como Duolingo o ver videos en YouTube. La constancia es la clave para progressar. ¡No te rindas y verás los resultados pronto!
—
(Nota: Se incluyeron dos errores intencionales: "pude" en lugar de "puede" y "progressar" en lugar de "progresar").